jueves, 28 de abril de 2011

Jean Michel Jarre - Oxygene (1976)


En 1976, la música electrónica había conocido ya alguno de sus más importantes trabajos a cargo de Tangerine Dream, Kraftwerk o Klaus Schulze pero no había dado aún el paso que le faltaba para llegar al gran público y convertirse en un género superventas. Lo que no era previsible es que este empujón lo diera un músico francés practicamente desconocido con apenas un puñado de singles editados en su país, un disco con pequeñas composiciones a modo de librería de sonidos y una banda sonora de escasa repercusión.

De la noche a la mañana, medio mundo se encontró silbando las pegadizas notas de "Oxygene 4", primer extracto del disco y hit casi instantaneo. De cualquier forma, el éxito del single habría quedado ahí, como tantos otros temas de similares características de la época como "Onix", "Magic Fly", etc. de no ser porque el resto del disco era tan brillante o más que su parte más conocida.

"Oxygene" es una suite dividida en 6 movimientos sin solución de continuidad, compuesta e interpretada en solitario por el propio Jarre con el apoyo de Michel Geiss, ingeniero de sonido y diseñador de multitud de instrumentos electrónicos. Lo que distingue a este disco del resto de trabajos de la época en su género es la extraordinaria limpieza del sonido y su exquisita producción. Nada sonaba igual en 1976 y todavía hoy sigue siendo una referencia en la música elaborada con sintetizadores. En todo caso, cualquier cosa que podamos decir de esa obra sería una pérdida de tiempo cuando podemos emplearlo con mayor aprovechamiento en escuchar la música.

Podeis adquirir la obra original en varios sitios a buen precio:

play.com

amazon.fr

Una muestra de uno de los fragmentos más conocidos: "Oxygene 2"

martes, 26 de abril de 2011

John Tavener - Song for Athene · Svyati and other choral works (2000)


Queremos completar una visión inicial sobre la obra de Tavener con un segundo disco casi completamente coral salvo por algunos fragmentos de órgano y el cello de Tim Hugh en la última composición del disco. En este repaso por los últimos 20 años de la carrera del compositor, nos encontramos los mismos temas clásicos en su obra que ya pudimos disfrutar en su "Eternity's Sunrise" recientemente: la religión y William Blake.

Destacamos la presencia en esta colección de una de sus obras más conocidas, "Song for Athene", muy popular tras su interpretación en el funeral de Diana de Gales. El disco está editado en el sello Naxos, del que ya hemos tenido algún otro ejemplo en el blog y las interpretaciones corren por cuenta de el Coro del St.John's College de Cambridge bajo la dirección de Christopher Robinson.

Disfrutad de la música de Tavener. Continuará apareciendo por aquí con cierta regularidad. De momento podeis adquirir este trabajo aquí:

amazon.com

Y escuchar un fragmento aquí (en una interpretación distinta de la del disco por parte del coro de la universidad rival, Oxford):

lunes, 25 de abril de 2011

John Tavener - Eternity's Sunrise (1998)


Muchos oyentes de los estilos de música considerados cultos, sienten una repulsión casi instantanea hacia todo lo que signifique modernidad y huyen de los compositores contemporaneos por encontrar su música absolutamente alejada de los cánones estéticos clásicos. Ciertamente, no les falta parte de razón pero eso no debería privarles de acercarse a las obras de algunos autores que cultivan formas musicales alejadas de las disonancias y estridencias que adornaron buena parte de la producción musical a lo largo del pasado siglo. Ya hemos tenido algún ejemplo en este blog cuando hablamos del estonio Arvo Pärt y el de Sir John Tavener iría en esta misma linea.

A pesar de que la mayor parte de su obra es de un carácter profundamente religioso (Tavener es un devoto miembro de la Iglesia Ortodoxa, no obstante su origen inglés), el disco que dejamos aquí, no se limita a mostrarnos obras de ese cariz sino que las combina con textos de William Blake (otro referente en la escritura de Tavener) o la poetisa Safo de Lesbos.

Las cinco composiciones incluidas en el disco son "Eternity's Sunrise" (1997) en la que la soprano Patricia Rozario realiza una exhibición sobrehumana de facultades y resistencia, "Song of the Angel" (1995), en el que el excepcional violinista Andrew Manze acompaña a la citada Rozario, "Petra: A Ritual Dream" (1996), para barítono (George Mosley) y coro, "Sappho: Lyrical Fragments" (1981), dueto de sopranos con Julia Gooding dando la réplica a Patricia Rozario y, para cerrar el trabajo, "Funeral Canticle" (1996) escrita para el funeral del padre del compositor.

Un par de enlaces donde adquirir el disco:

Harmonia Mundi

amazon.com

Una muestra de la obra que dá título al disco:

domingo, 24 de abril de 2011

Terry Riley - Salome Dances for Peace (1989)


La parte más conocida de la obra de Riley suele ser la integrada por sus composiciones para órganos eléctricos o para formaciones indeterminadas de músicos (como es el caso de su obra más conocida, "In C"). En este caso, sin embargo, nos vamos a ocupar de un monumental cuarteto de cuerda, formación de cámara clásica donde las haya.

La primera parte de la obra fue comisionada por el IRCAM y las restantes por Betty Freeman, personaje fundamental y mecenas de un importante grupo de compositores de vanguardia, entre los que se encuentra el "nucleo duro" de la corriente minimalista neoyorkina (Reich-Glass-Riley-Young) pero también nombres como el de John Cage o Pierre Boulez.

Preparaos para escuchar un cuarteto de cuerda de casi dos horas, de grandes complejidades rítmicas, influencias de las musicas orientales (especialmente la india) en la intepretación de una de las más importantes formaciones instrumentales contemporaneas: el Kronos Quartet, integrado en aquel momento por los violines de David Harrington y John Sherba, el cello de Joan Jeanrenaud y la viola de Hank Dutt.

La obra, publicada en formato de doble CD dada su extensión, no es facil de encontrar a buen precio. Lo más económico que hemos visto es aquí:

play.com

Terry Riley - Persian Surgery Derviches (1972)


A primera vista, uno pensaría que el jazz y el minimalismo son dos géneros antagónicos. En el primero, prima la improvisación y la habilidad de los intérpretes y en el segundo, lo fundamental es la propia composición, el armazón creado por el autor en el que el virtuosismo interpretativo se subordina por completo a los esquemas rítmicos y armónicos de la pieza. De ahí la importancia de este trabajo.

En este doble disco se recogen dos interpretaciones en directo de la misma composición a cargo del propio compositor y su órgano eléctrico Yamaha. El primero de los CDs recoge un concierto de abril del 71 en Los Ángeles y el segundo, otro de Mayo del 72 en París. En cada uno de ellos, Riley hace gala de sus virtudes como improvisador ofreciendonos dos versiones completamente distintas de una misma obra.

La influencia de este trabajo es patente, no sólo en toda la corriente minimalista americana, de la que forma parte, sino en movimientos tan importantes como la escuela de Berlín, centro neurálgico de la música electrónica secuencial en los años 70.

No es fácil hoy en día encontrar este disco a buen precio pero está disponible en varias tiendas actualmente:

amazon.com

play.com

Una breve muestra de lo que os podeis encontrar en esta obra:

viernes, 22 de abril de 2011

Olivier Messiaen - Quartet for the End of Time / Theme and Variations (2001)


Los límites de la creatividad humana parecen realmente inalcanzables cuando uno se enfrenta a historias como la que rodea la composición del "Cuarteto para el fin de los tiempos" de Messiaen. En 1941 el compositor se hallaba prisionero en un campo de concentración nazi en Silesia. Casualmente, entre las personas que le acompañaban había otros 3 músicos profesionales: el clarinetista Henry Akoka, el violinista Jean de Boulaire y el violoncelista Etienne Pasquier. Los dos primeros, por razones que desconocemos, conservaban su instrumento y lo tocaban ocasionalmente para el resto de prisioneros. Por razones de mera salud mental, Messiaen se abstrajo de la desesperada situación refugiandose en la música y componiendo para los únicos instrumentos que tenía a su disposición. A los dos instrumentos mencionados, hay que añadir un violoncello desvencijado al que le faltaba una cuerda que alguien encontró y decidió prestarle al tercero de los músicos ocasionalmente.

Con un conjunto instrumental tan insólito, Messiaen escribió el cuarteto, componiendo mentalmente toda la parte de piano. La obra se estrenó en el propio campo cuando alguien hizo traer un piano, al que le faltaban incluso algunas teclas, y fue interpretada por el propio compositor y sus involuntarios compañeros de encierro, en palabras de Olivier Messiaen, ante la audiencia más atenta que jamás tuvo.

En palabras del afamado crítico del New Yorker, Alex Ross (autor, entre otros de "The Rest is Noise", tremendo ensayo sobre la música "culta" contemporanea), el cuarteto es "la música más eterea y bella del siglo XX".

La versión que podemos disfrutar aquí es la publicada en 2001 en el sello Naxos, en la intepretación de Joaquín Valdepeñas (clarinete), David Hetherington (cello), Patricia Parr (piano) y Scott St.John (violín), integrantes del Amici Ensemble. Completa el disco la obra para piano y Violín "Theme and Variations" con los mismos intérpretes, compuesta por Messiaen para su primera esposa, Claire Delbos en 1932.

Para adquirir la obra:

fnac

play.com

Una muestra del tercer movimiento interpretado por el Ensemble Messiaen:

jueves, 21 de abril de 2011

New Order - Substance (1987)


Muy pocos grupos en la historia de la música popular han sido tan influyentes con tan sólo dos LPs publicados como lo fueron Joy Division. Con el suicidio de su lider Ian Curtis, parecía que la historia llegaba a su fin pero el resto de la banda decidió continuar en la música. De este modo, Bernard Sumner (teclados, voz y guitarra), Peter Hook (bajo) y Stephen Morris (batería) tomaron el relevo bajo el nombre de New Order.

Quizá contrariamente a lo esperado, New Order alcanzaron un éxito comparable al de Joy Division y se conviertieron en la referencia fundamental del pop electrónico de comienzos de los 80. El disco que aquí nos ocupa es un recopilatorio doble. Por un lado, tenemos los primeros maxis y singles publicados por la banda, varios de los cuales, no están en ninguno de sus LPs como el ya mítico "Blue Monday". El segundo CD contiene las caras b de dichos singles.

El citado "Blue Monday" es un hito clave para entender el pop de los 80 y el uso de los sintetizadores que marcó toda esa década. Siguiendo con nuestra costumbre, un par de enlaces donde comprar el disco a buen precio:

http://musica.fnac.es/a202521/New-Order-Substance-sin-especificar?PID=6&Mn=-1&Mu=-13&Ra=-28&To=0&Nu=1&Fr=0

http://www.play.com/Music/CD/4-/150673/Substance-1987/Product.html?searchtype=allproducts&searchsource=0&searchstring=new+order+substance&urlrefer=search

Una muestra del disco que no necesita mucha presentación:

lunes, 18 de abril de 2011

Philip Glass - Nosso Lar (2010)


Aunque haya tardado un poco en aparecer por el blog, Philip Glass va a ser uno de los compositores de los que más nos vamos a ocupar por aquí. Estamos hablando de un músico que revolucionó y practicamente cambió el paradigma y el modo de componer en la segunda mitad del siglo XX. Junto con Steve Reich, Terry Riley y Lamonte Young, principalmente, pusieron los pilares fundamentales de lo que dio en llamar años después, minimalismo.

Dando por bueno el término, la obra de Glass tiene múltiples facetas. Tenemos al Glass vanguardista de los 60 y primeros 70, a un Glass más asequible en los 80, con múltiples incursiones en las bandas sonoras, al Glass teatral con su espectacular corpus operístico o sus músicas para ballet y, en los últimos años, al Glass más clásico con una extensa producción orquestal y camerística que alcanza las 9 sinfonías (la última aún sin estrenar), los 5 cuartetos de cuerda y un buen número de conciertos para distintas formaciones.

El disco que dejamos aquí se cuenta entre su producción más reciente en el campo de las bandas sonoras. Se trata de la música para la película brasileña de ciencia ficción "Nosso Lar". Lo que hace más atractiva esta entrada del blog es que se trata de un disco editado exclusivamente en Brasil y sin planes para lanzarlo internacionalmente, por lo que quizá ésta sea una de las pocas oportunidades de disfrutarlo por el momento. Al margen de algunas copias que circulan por ebay y unas pocas que estuvieron disponibles meses atrás en amazon.com, el disco sólo aparece disponible en formato digital en algunas páginas como la propia amazon.



Jean Michel Jarre - Zoolook (1985)


Cuesta imaginarse cuál fue la reacción del seguidor de Jean Michel Jarre cuando en 1984 llegó a su domicilio tras una agradable tarde de paseo, se quitó los zapatos, dejó el abrigo sobre la silla del comedor, se acomodó en el sofá de su casa y sacó de la bolsa de su tienda de discos favorita el nuevo LP del francés. Podemos pensar que lo desenvolvió cuidadosamente y no sería descabellado suponer que invirtió unos minutos en echar un vistazo a los créditos del disco...

- Laurie Anderson, Marcus Miller, Adrian Belew... mmm...

Quizá se soprendió al ver los títulos.

- No son partes numeradas como en los discos anteriores... vaya.

No resulta muy aventurado intuir que fue entonces cuando se acercó al tocadiscos, levantó la aguja, depositó el flamante vinilo sobre el plato y, con el exquisito cuidado habitual, depositó el brazo del reproductor sobre el comienzo del surco que ya estaba dando vueltas.

Lo que sí se nos antoja como un ejercicio de adivinación imposible es imaginar qué pasó por la cabeza de nuestro amigo melómano durante los siguiente 40 minutos. Todo esto porque transcurrido ese espacio de tiempo se habría convertido en uno de los privilegiados que acababan de oir el que, probablemente, sea el mejor disco salido de la cabeza del compositor lionés. Seguramente, si asumimos que nuestro querido protagonista conocía los anteriores trabajos de Jarre, su reacción inicial sería de estupefacción porque Zoolook no se parece en nada, no ya a Magnetic Fields o Equinoxe, sino a cualquier otra obra del género en aquellos años.

Zoolook es, todavía hoy, 27 años después, una obra soprendente y actual como ninguna otra del repertorio de Jarre. Luego vinieron los macroespectáculos, los rayos laser, los teclados luminosos y las carreras por los escenarios al pie de enormes rascacielos pero eso es otra historia y también ¿por qué no? tendrá su hueco entre nosotros en un futuro.

Llegados a este punto, sólo se nos ocurre recomendar la escucha del disco prestando mucha atención a los casi 12 minutos de esa maravilla con la que se abre el trabajo titulada "Ethnicolor". Jarre nunca sonó tan inspirado y brillante como en esta pieza.

Zoolook se editó originalmente en 1984 pero tuvo una reedición al año siguiente en la que se intercambió la posición de 2 títulos del album que, además, fueron remplazados por sus respectivas versiones remezcladas. Lo cierto es que las diferencias son mínimas pero no está de más señalarlas. La versión que dejamos aquí es ésta segunda de 1985. Durante mucho tiempo fue la más fácil de encontrar en CD pero desde la remasterización del catálogo de Jarre realizada en 1997, la habitual en las tiendas es la de 1984. Es la que podeis adquirir aquí:

http://www.play.com/Music/CD/4-/166500/Zoolook/Product.html?searchtype=allproducts&searchsource=0&searchstring=jean+michel+jarre+zoolook&urlrefer=search

Una muestra del disco: el single "Zoolookologie". Por favor, excusad el video clip. Los 80's tenían esas cosas... ;-)

domingo, 17 de abril de 2011

Wim Mertens - Music and Film (2009)


Repasando la trayectoria artística de Wim Mertens, no podemos afirmar que sea un compositor con demasiada actividad en el campo de las bandas sonoras para cine o televisión. No obstante, en estos últimos 30 años podemos encontrar una serie de trabajos que justifican la aparición de este disco. Se trata de una caja con 3 CDs en la que se recogen todas las músicas del belga que han servido para acompañar imágenes, bien en la gran pantalla o en documentales o series de televisión. La mayor parte del material no fue compuesta ex-profeso para este fín, sino que son composiciones extraídas de los discos anteriores de Mertens y que han sido utilizadas por distintos directores para acompaár sus trabajos. Desde este punto de vista, "Music And Film" es un excelente recopilatorio que nos muestra alguna de las mejores piezas de todas las épocas del compositor belga, incluyendo alguno de sus clásicos imprescindibles como "Struggle for Pleasure", "4 Mains" o "Close Cover". Para el lector conocedor de la obra de Mertens, el atractivo lo forman unas cuantas composiciones que permanecían inéditas hasta la publicación de esta caja.

Por un motivo o por otro, creemos que este es un trabajo que interesará a todos los eventuales lectores del blog, estén o no familiarizados con la obra de Wim Mertens.

Como siempre, un par de enlaces donde adquirir la obra:

http://www.play.com/Music/CD/4-/15824578/Music-And-Film/Product.html?searchtype=allproducts&searchsource=0&searchstring=wim+mertens+music+and+film&urlrefer=search

http://www.amazon.fr/Mertens-Music-Film-Wim/dp/B001QW79GE/ref=sr_1_1?ie=UTF8&qid=1303065336&sr=8-1

Un ejemplo de lo que podemos encontrar: fragmento de "El Vientre del Arquitecto" de Peter Greenaway:

Vangelis - Chariots of Fire [original score] (1981)


No es algo que vaya a ser habitual en el blog pero en esta ocasión no vamos a hablar de un disco publicado oficialmente sino de una grabación pirata. A día de hoy el músico griego Vangelis no necesita presentación. Mundialmente famoso por su trabajo en bandas sonoras como "Bladerunner" o "1492, Conquest of Paradise", Vangelis acumula ya varias décadas de trabajo en las que ha tocado con éxito estilos diversos y goza de un prestigio más que merecido.

En medio de una carrera consolidada como miembro del grupo Aphrodite's Child en los 60 y primeros 70, y varios discos sensacionales en solitario (en especial, los grabados para el sello RCA), Vangelis recibe el encargo de componer la banda sonora de "Chariots of Fire", una de las pocas grandes películas centradas en el mundo del deporte. El resultado es una de sus obras más populares, especialmente por el tema central, utilizado hasta la saciedad en todo tipo de sintonías, publicidad, etc. e imitado con escasa fortuna en los últimos 30 años. Mucha gente hoy en día, identifica esas notas de forma inmediata con el atletismo y es que, de algún modo, el tema central de esta película se ha convertido en una suerte de himno oficioso del olimpismo.

La música que aquí dejamos, no es la publicada oficialmente en disco, sino la que sonaba realmente en la película, con muchos temas que se quedaron fuera de la edición "oficial" y los demás, en versiones muy diferentes de las conocidas por todos. Al ser un disco no editado oficialmente, no vamos a facilitar los enlaces de compra porque no suele estar disponible en tiendas. Dejamos, en cambio, uno dónde hacerse con la edición oficial remasterizada con ocasión del 25 aniversario a un precio realmente asequible:

http://www.play.com/Music/CD/4-/3250266/Chariots-Of-Fire/Product.html?searchtype=allproducts&searchsource=0&searchstring=vangelis+chariots+of+fire&urlrefer=search

Y un homenaje con extractos de la película y su música:

sábado, 16 de abril de 2011

Arvo Pärt - Fratres (1997)


Es posible que el estonio Arvo Pärt sea el mayor compositor vivo en este momento con todas las reservas propias de este tipo de afirmaciones. Su obra no es tan extensa como la de otros contemporaneos pero su influencia, sencillez y profundidad compensan con creces este hecho.

La mayor parte de la obra de Pärt es de un marcado carácter religioso, lo que le emparenta directamente con sus coetaneos Henryk Gorecki y John Tavener, por citar dos ejemplos. No será la última vez, seguramente, que la música del estonio aparezca por el blog. El primer ejemplo que dejamos es un disco publicado por el sello Naxos en 1997. La elección se justifica por la importancia de las obras en él contenidas ("Fratres" es, probablemente, la obra más conocida e intepretada de Pärt) sino por la peculiaridad de que en este volúmen encontramos hasta 6 versiones de la pieza que le da título en las que podemos apreciar en toda su plenitud el estilo del músico, cada una de las cuales nos muestra una formación instrumental distinta. Acompañando a "Fratres" encontramos otra de las cumbres de la obra de Pärt: "Cantus in Memory of Benjamin Britten" junto con una adaptación para cuerdas de la obra coral "Summa" y la composición "Festina Lente". Todas ellas, buenos ejemplos de la escritura del Pärt instrumental. Tiempo habrá para ilustrar la faceta vocal del compositor estonio. Los interesados en hacerse con el disco no deberían tener grandes dificultades puesto que el sello Naxos tiene una buena distribución en España pero nunca está de más dejar un par de enlaces:

http://www.play.com/Music/CD/4-/767229/Fratres/Product.html?searchtype=allproducts&searchsource=0&searchstring=arvo+part+fratres&urlrefer=search

http://musica.fnac.es/a248970/Arvo-Part-Fratres-For-String-Orchestra-And-Percussion-sin-especificar?PID=6&Mn=-1&Mu=-13&Ra=-29&To=0&Nu=1&Fr=0

Un ejemplo del disco: "Fratres" para percusión y cuerdas:

Wim Mertens - Series of Ands / Immediate Givens (2011)


Wim Mertens es un músico belga con una trayectoria de más de 30 años que podemos encuadrar dentro del un minimalismo europeo que viene a ser una segunda generación del original americano de finales de los 60. Comenzó organizando conciertos y conferencias en Bélgica de los pioneros del género y publicando un ensayo en forma de libro muy ilustrativo titulado "American Minimal Music". A partir de 1980 comienza a publicar su propia música en el sello Les Disques du Crepuscule. Su producción es de una gran variedad estilística y se puede dividir en tres grandes partes: obras para piano (o para piano y voz), obras para grupo y una tercera más experimental que se suele organizar en grandes ciclos de varios discos cada uno con sus ideas más radicales. Lo que nos ocupa hoy es su último trabajo publicado: un disco doble para grupo en el que podemos encontrar buena parte del mejor Mertens con algunos retazos de experimentación. Como siempre, Mertens se ve acompañado de su inseparable Dirk Descheemaeker a los vientos. Lo mejor es que lo escucheis y para ello, como siempre, os dejo varias posibilidades:

Para adquirir el disco:

http://www.amazon.fr/Ands-Wim-Mertens/dp/B004SNHAVM/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=music&qid=1302940944&sr=8-1

Para darle una pequeña escucha previa (a partir del minuto 4, suena música incluída en este disco y compuesta, precisamente para este desfile de Dior. El resto de la música es de trabajos anteriores de Mertens):

sábado, 9 de abril de 2011

Mike Oldfield - Hergest Ridge (1974)


Si siempre es un reto publicar un disco nuevo, lo es aún más cuando tu anterior lanzamiento obtiene el éxito que alcanzó Tubular Bells. Si el desafío para el joven Mike Oldfield era monumental, la respuesta creativa del de Reading no se quedó corta. A priori, el planteamiento inicial era similar: dos grandes suites instrumentales interpretadas casi en solitario por Oldfield que se encarga de la práctica totalidad de los instrumentos. Sin embargo, y a pesar del poco tiempo transcurrido desde el anterior disco, Hergest Ridge es una obra mucho más madura. No encontramos ya ideas lanzadas una detrás de otra como surgidas a borbotones de la mente del artista sino un trabajo mucho más organizado y con una coherencia interna y un desarrollo magistrales. Siguen estando ahí las influencias folk, clásicas y vanguardistas de Tubular Bells pero en Hergest Ridge forman un todo unitario.

No nos corresponde a nosotros decir si este trabajo es mejor que el inevitable Tubular Bells pero a fé mía que sí nos lo parece. Hergest Ridge fue el disco que consiguió desbancar del número 1 de las listas de ventas británicas a su predecesor y se mantuvo un buen tiempo en ese puesto sólo para cederselo... ¡¡¡de nuevo!!! a Tubular Bells.

La versión que teneis disponible es la original de 1974. Éste es un detalle importante porque unos años después, con ocasión del lanzamiento de la caja recopilatoria "Boxed", Oldfield realizó una nueva mezcla del disco que fue la que quedó como definitiva y la que fue publicada en todas las ediciones en CD posteriores. Sólo en un reciente relanzamiento del disco en edición de lujo hemos podido disponer de nuevo de la mezcla original del trabajo. Completan los créditos del disco, Chilli Charles (tambor), Lindsay Cooper (oboe), Ted Hobart (trompeta), William Murray (platillos), Sally Oldfield (voces), Terry Oldfield (maderas), Clodagh Simonds (voces), June Whiting (oboe) y una sección de cuerda dirigida por David Bedford.

No es complicado encontrar el disco puesto que se ha reeditado recientemente. Recomendamos su edición deluxe con varios extras procedentes de singles de la época, demos, y las dos mezclas del disco.

http://www.play.com/Music/CD/4-/14794202/Hergest-Ridge/Product.html?searchtype=allproducts&searchsource=0&searchstring=hergest+ridge&urlrefer=search

http://www.amazon.co.uk/Hergest-Ridge-Deluxe-Mike-Oldfield/dp/B003DO13O2/ref=sr_1_3?ie=UTF8&qid=1302374212&sr=8-3

Una muestra de lo que podeis escuchar en el disco:


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