Morente - Omega (1996)

Muchos de vosotros recordareis aquellos juegos de la infancia en que cada uno de los participantes decía una palabra por azar y alguien debía construir una frase con sentido que contuviera todas las palabras propuestas. Habitualmente, el batiburrillo que se formaba era realmente divertido y en la mayoría de los casos, no se conseguía juntar los términos de un modo mínimamente coherente .

Extrapolemos el juego a la música y tratemos de conseguir algo juntando a un poeta andaluz, un cantautor canadiense un cantaor flamenco y un grupo indie alternativo con influencias punk-rock. La mezcla, aparentemente imposible, tiene su truco si añadimos a la ecuación el factor "Granada", lugar de nacimiento de tres de las piezas fundamentales del trabajo: el poeta Federico García Lorca, el cantaor Enrique Morente y el grupo Lagartija Nick. La devoción de Leonard Cohen por los versos de Lorca a los que puso música en su momento, ayuda a cuadrar el círculo.

La idea venía rondando las cabezas de los protagonistas del disco desde tiempo atrás. El traductor al castellano de la poesía de Leonard Cohen, Alberto Manzano, sugirió a Morente la posibilidad de grabar un disco de versiones en clave flamenca de la obra del canadiense. Estamos en 1991 y la cosa no pasó de un par de ensayos. No fue hasta dos años después que Morente y Cohen coincidieron durante una gira por España de éste último y hablaron del tema. Los miembros de Lagartija Nick, por su parte, estaban dandole vueltas a un proyecto de fusión flamenco-punk con Lorca igualmente como tema principal. Como en el ambiente granadino todos se conocían de una u otra forma, llegó a los oídos de Morente una versión de Helter Skelter de los Beatles con la letra cambiada por un poema de Lorca y a partir de ahí, todo se precipitó: eso era lo que quería hacer el genio flamenco.

Como suele ocurrir, ni la discográfica de Morente ni ninguna de las otras grandes a cuyas puertas llamó el cantaor, veían claro el proyecto y todo eran excusas y largas. La solución: publicar el disco de forma independiente. Como suele ocurrir en estos casos, el rechazo fue tremendo. Cuando "Omega" se presentó en directo, el teatro estaba a rebosar de aficionados al flamenco más puro. Al descorrerse el telón y aparecer Morente junto a Lagartija Nick y desatar a la bestia, el escándalo fue mayúsculo.

Y ¿por qúe? sería lógico preguntar. Pues porque "Omega" fue mucho más allá de lo que nadie habría imaginado. Sonidos punk con cante jondo, experimentación, ruído, referencias a Einsturzende Neubauten, samples de leyendas flamencas, versiones realmente arriesgadas y todo ello interpretado por músicos invitados de primer orden. La flor y nata del flamenco moderno.

Además de Morente y Lagartija Nick, tenemos interviniendo en distintos temas a Miguel Ángel Cortés, Antonio Carbonell, El Negri, Tomás San Miguel, El Bandolero, Javier Losada, José Antonio Galicia, El Paquete, Juan Antonio Salazar, Estrella Morente, Cañizares, Aurora Carbonell, Vicente Amigo, Tomatito, Montoyita, Tino di Geraldo, Isidro Muñoz y Antonio Arias.

No sabemos si la importancia de "Omega" llega a acercarse a la de "La leyenda del tiempo" de Camarón o si la supera. Ninguno de los dos son discos de flamenco puro y ambos trabajos comparten la categoría de obra maestra y el calificativo de polémicas e, incluso, de incomprendidas. Sabemos que el lector del blog es un oyente de amplias miras y creemos que encontrarán este trabajo tan interesante como nosotros.

El precio no será obstáculo para hacerse con "Omega" como vereis en los siguientes enlaces:

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Os dejamos con la espectacular versión del "First We Take Manhattan" de Cohen que aparece en el disco:

John Tavener - Piano Music (2008)

Hasta hoy, habíamos tenido varios ejemplos de la música de John Tavener en La Voz de los Vientos pero nunca tuvimos la posibilidad de disfrutar de su faceta como compositor para piano solo. La entrada de hoy se centra en una grabación de 2008 en la que el pianista Ralph Van Raat nos presenta seis composiciones del británico para ese instrumento.

La más antigua de ellas data de 1977 y lleva el título de "Palin", en alusión al término "Palíndromo" que alude a una palabra o frase que se lee igual empezando por el comienzo que de forma inversa. La composición está marcada por repetidos ostinatos en Do que se suceden junto a breves interludios melódicos. La nota Do hace de eje, de modo que, a mitad de la composición, se repite la primera parte de la obra a modo de imagen especular. "Mandoodles", de 1982 y "In Memory of Two Cats" de 1986 son dos temas breves dedicados a dos gatos que convivieron con el compositor en aquellos años y fallecieron dejando muy impactado a Tavener. Sin duda, puede soprender esta dedicatoria pero desde el punto de vista tremendamente espiritual del compositor, alcanza pleno sentido. Como él mismo solía afirmar, "los gatos saben cosas a las que nosotros no podemos acceder". Ambas composiciones son de un corte meditativo tocadas pianissimo con varios pasajes casi inaudibles y con ciertas similitudes con el estilo tintinnabuli de Arvo Pärt.

Tuvieron que pasar más de diez años para que Tavener retomara la escritura para piano cuando compuso la brevísima "Zodiacs" (dedicada a su segunda hija) e "Ypakoe" en 1997. Ésta última pieza es una de las más destacadas en este formato del compositor y, quizá, la que reuna más elementos melódicos.

La más reciente de las obras contenidas en el disco es "Pratirupa", escrita en 2003. Se trata de una pieza de cerca de media hora de duración que refleja las últimas evoluciones del estilo de Sir John y que fue adaptada posteriormente para orquesta. Las partituras de Tavener para piano se alejan de lo habitual y contienen instrucciones realmente particulares para el intéprete, ajenas a la ortodoxia. Por ejemplo, no es extraño encontrar anotaciones como: "tocar como un trueno" o "tan lento como sea posible: serenamente, tiernamente, más allá del tiempo, más allá de la existencia" acompañando a los signos puramente musicales.

El disco, como casi todos los editados por el loable sello Naxos, no es difícil de encontrar a buen precio. Os dejamos un par de sugerencias:

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Os dejamos con Ralph Van Raat intepretando "Ypakoe" en vivo:

Miles Davis - Kind of Blue (1959)

Hoy, 28 de septiembre de 2011 se cumplen veinte años del fallecimiento de uno de los más grandes músicos del siglo XX. Estamos hablando, lógicamente, de Miles Davis. Nacido en una familia de Illinois, Davis se interesó por la música y por el jazz desde pequeño y pronto empezó a tocar con los más grandes de un género que iba a cultivar primero, a dominar poco después, a revolucionar un poco más tarde y a escandalizar ya en los ochenta.

Sirva como homenaje al genial trompetista y compositor la que es considerada su obra maestra: "Kind of Blue". Pocas veces un disco suscita una unanimidad ten estruendosa a la hora de ser reconocido como el mejor de su género como ocurre con este álbum. En el mundo de la clásica no hallaremos un consenso ni siquiera a la hora de escoger la mejor versión de la 9ª sinfonía de Beethoven. Si nos centramos en el rock, la lista de discos que pelearían por el honor de ser el mejor de todos no bajaría de diez o doce LPs en lucha muy reñida. En un campo tan vasto como es el del jazz, nueve de cada diez aficionados citarían "Kind of Blue" como la obra maestra del género... y si no son los diez es porque ya sabemos que siempre hay un dentista que recomienda el chicle con azucar, si se nos permite la broma.

El disco se grabó en la etapa de mayor brillantez de la carrera de Davis y justo tras reformar su banda habitual de acompañamiento. Asusta leer la nómina de músicos que aparecen en la grabación ya que hasta tres de ellos, por separado, han publicado discos que podrían acercarse a disputar la pelea por el número uno a este "Kind of Blue". Junto a la trompeta de Miles, escuchamos en el disco a Julian "Cannonball" Adderley (saxo alto), John Coltrane (saxo tenor), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bajo) y Jimmy Cobb (batería). En uno de los temas, el piano es intepretado por Wynton Kelly en lugar de Evans.

Es curioso que hasta hoy no hayamos tenido ningún ejemplo de jazz clásico en La Voz de los Vientos aunque intentaremos corregir esa deficiencia poco a poco en los próximos tiempos. Últimamente ha surgido un gran número de ediciones distintas de "Kind of Blue" en diversos formatos con más o menos material extra por lo que no debería costaros demasiado el haceros con una copia. Os facilitamos un par de enlaces para adquirir el CD normal sin añadidos especiales:

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Os dejamos con el tema que abre el disco: "So What":

John Tavener - The Protecting Veil / The Last Sleep of the Virgin (1994)

El disco que hoy vamos a comentar recoge la que, en nuestra opinión, es la obra maestra de Sir John Tavener: "The Protecting Veil". Contrariamente a lo que sucede con otras piezas de temática religiosa de su autor, "El velo protector" es una obra enteramente instrumental sin ninguna parte vocal. El título hace referencia a la Virgen María, más concretamente a una de las principales celebraciones del rito Ortodoxo Ruso, fé a la que el compositor se convirtió en 1977.

La obra fue escrita con ocasión de los "Proms" de 1989 (el gran festival de la música "clásica" mundial que se celebra anualmente en el Reino Unido) y está dedicada por su autor al cellista Steven Isserlis, precisamente, quien interpreta el papel solista en esta grabación. "The Protecting Veil" es una monumental obra para cello y orquesta en la que el instrumento representa el papel de la propia Madre del Señor. Según la tradición Ortodoxa, en algún momento del siglo X, durante una batalla entre los griegos y los sarracenos, la Virgen se apareció a los primeros en una iglesia de Constantinopla "protegiendoles" e infundiendoles del valor necesario para resistir ante el enemigo, extendiendo sobre los cristianos su manto protector. Los más de tres cuartos de hora que duran los ocho movimientos de la pieza, combinan la melancolía e intensidad del cello, en ocasiones en solitario, con la brillantez de las aportaciones de la orquesta. Es cierto que en muchos momentos, el tono de la obra nos recuerda algún pasaje de la 3ª Sinfonía de Henryk Gorecki, aunque ésta última no fue extremadamente popular hasta unos años después y la obra de Tavener tiene momentos de luminosidad que la diferencian claramente de la del polaco. La obra está interpretada, al margen de Isserlis, por la London Symphony Orchestra bajo la dirección de Gennady Rozhdestvensky.

La segunda obra del disco es "The Last Sleep of the Virgin", compuesta en 1991 durante la convalecencia de Tavener tras un ataque al corazón. Escrita para cuarteto de cuerda y campanillas, la partitura tiene la curiosa instrucción de ser tocada "al límite de lo audible", como una manera de reflejar el estado de ánimo de su autor en el momento de la composición de la misma, cuando apenas podía oir debido a su situación en aquel entonces. La música, de marcado caracter bizantino, nos narra los últimos momentos de la vida de la Virgen, desde que queda dormida para no volver a despertar hasta su entierro a manos de los Apóstoles. Tavener quiso que la obra fuera un homenaje a la legendaria bailarina, fallecida por aquellas fechas, Margot Fonteyn e incluyó en la dedicatoria al Chilingirian String Quartet, intérpretes en la grabación junto con Iain Simcock a las campanas.

Esperamos que estas dos obras de Tavener tengan la acogida que han tenido anteriores piezas del autor en este blog. La grabación hoy expuesta no es fácil de encontrar en su edición original de Virgin Classics pero sí en una más reciente de EMI, junto con el "Thunder Entred Her" que también tratamos aquí. Os dejamos un  enlaces al doble disco incluyendo ambas referencias a un precio realmente bueno:

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Os dejamos un fragmento de "The Protecting Veil":

Simeon Ten Holt - Natalon in E / Cyclus Aan De Waanzin Deel 3 (1992)

Nos encontramos de nuevo al holandés Simeon Ten Holt pero en esta ocasión lo hacemos con dos piezas bastante diferentes a las que nos tiene acostumbrados. La principal diferencia estriba en que las composiciones del disco que hoy nos ocupa no son para múltiples pianos sino sólo para uno, lo que las hace más "convencionales" si se quiere ver así.

En el trabajo, interpretado por Kees Wieringa, tenemos, por una parte la composición de 1980 titulada "Natalon in E", escrita en 1980, poco después de la finalización de "Canto Ostinato". Quizá para distanciarse de su obra maestra, en "Natalon in E", la libertad del intérprete desaparece y la partitura da indicaciones exactas del tempo, la dinámica, el modo exacto de tocarla e incluso el uso preciso de los pedales. Aunque en algunos momentos, apreciamos las intrincadas estructuras habituales de la música del holandés, la tónica general del trabajo es bien distinta, mucho más melódica de lo acostumbrado. Algunos críticos han querido ver referencias a varios compositores clásicos en cada uno de los movimientos de la obra relacionando el primero con Beethoven, el segundo con Schubert, el tercero con Bartok y el cuarto con Scriabin, siendo el último una recapitulación de los anteriores.

La otra pieza, el "Ciclo de la locura" es una de las más antiguas composiciones grabadas de su autor y fue escrita en 1962. Si la pieza anterior se alejaba de lo que conocíamos del holandés, ésta se sitúa casi en las antípodas ya que se trata de la obra más representativa de la etapa "serialista" del autor.

Al margen de su más popular "Canto Ostinato", los discos de Ten Holt son bastante complicados de localizar, incluso en tiendas on-line. Os dejamos un enlace donde adquirir éste y algún otro del holandés:

dofoundation.com

En el mismo enlace podeis escuchar algún fragmento de la obra, ya que tampoco nos ha sido posible encontrar alguno para dejaroslo aquí como hacemos habitualmente.

Yann Tiersen - Rue des Cascades (1996)

Publicado en 1996, el segundo disco de la carrera de Tiersen es quizá el primero en mostrarnos todas las capacidades compositivas e interpretativas del francés. Se trata de una colección de piezas, miniaturas que no llegan a los dos minutos de duración en su mayoría, con todo el sabor de la música de su autor. Aromas franceses, juguetones valses, acordeones y violines por doquier que nos transportan inmediatamente a un París de postal con jovencitas paseando con sus boinas y sus jerseys de rayas horizontales acompañadas de apuestos marineritos de aire arrogante.

No sorprende en absoluto que cuando Jean Pierre Jeunet escuchó por casualidad fragmentos de este disco en un trayecto en taxi, fuera consciente de forma inmediata de que ninguna otra música podría acompañar de ningún modo las fantásticas aventuras de su Amelie por el barrio de Montmartre, salvo, quizá, más música del mismo autor como acabó sucediendo.

Poco más podemos añadir sobre Tiersen, quien ocupa un lugar destacado entre los músicos favoritos de La Voz de los Vientos. En "Rue des Cascades" es él quien se encarga de todos los instrumentos como es habitual, con la única colaboración de François Xavier Schweyer, cello en un par de temas y la delicada voz de Claire Pichet en los dos temas vocales del disco.

Es difícil encontrar una música más evocadora para acompañar una tarde soleada de domingo o una lluviosa mañana de otoño con la misma eficacia. Tiersen lo logra habitualmente y este trabajo es sólo un ejemplo más de lo que decimos. Para comprarlo, os dejamos los habituales enlaces:

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Os dejamos con el corte que abre el disco, incluído en la banda sonora de "Amelie":

Terry Riley - A Rainbow in Curved Air (1969)

Aunque comunmente es "In C" la pieza considerada como clave en la carrera de Terry Riley, nosotros tenemos otra preferencia que ha sobrevivido a lo largo de todos estos años sonando de forma habitual en nuestros equipos de música. La pieza en cuestión, mucho más breve que la citada "In C" lleva el título de "A Rainbow in Curved Air".

Compuesta en 1967 y publicada un par de años después, se trata de una composición interpretada íntegramente por su autor, quien se encarga de tocar el órgano eléctrico, las percusiones y multitud de cachivaches electrónicos. Sólo tenemos que escuchar los primeros segundos de la pieza para darnos cuenta de su influencia en un gran número de estilos musicales que iban a surgir en los años siguientes, especialmente toda la rama de la música electrónica conocida como "Escuela de Berlín". Sin la ayuda de los aún inexistentes secuenciadores, Riley nos deja una pieza de auténtico espíritu "berlinero" si se nos permite la expresión, sobre la cual improvisa sus complejos arpegios y progresiones que terminaron por constituir la esencia del género minimalista. Son 18 minutos de música pero su influencia ha llenado decenas y decenas de discos desde su publicación.

EL disco se completa con otra composición de corte radicalmente distinto titulada "Poppy Nogood and the Phantom Band". En este caso tenemos a Riley interpretando el saxofón sobre un fondo de sonidos de órgano, loops de cintas y demás recursos electrónicos (que son la banda fantasma a la que alude el título de la pieza).

La grabación, publicada por CBS en su momento, se convirtió en una referencia fundamental para un buen número de músicos de todo tipo e incluso en una bandera del movimiento psicodélico. Las notas de la edición original eran un sencillo poema de espíritu "hippie" que pasamos a reflejar:

"Y todas las guerras acabaron.
Todo tipo de armas fueron prohibidas y las masas, amablemente las llevaron a grandes fundiciones donde fueron destruidas y sus restos devueltos a la tierra.
El Pentágono se pintó de violeta, amarillo y verde.
Todas las fronteras desaparecieron.
La carnicería de animales fue prohibida.
El bajo Manhattan de convirtió en una pradera en la que se permitió a los indigentes del Bowery vivir todas sus fantasías bajo el Sol y fueron sanados.
La gente nadaba en refulgentes ríos bajo un cielo azul, vestidos sólo con el incienso que producían las nuevas fábricas.
La energía de las antiguas armas nucleares suministraba luz y calor para todos de forma gratuita.
La salud del planeta fue restaurada.
Gran cantidad de verduras, frutas y cereales crecieron de forma salvaje en las antiguas autopistas.
Todas las banderas se unieron para crear inmensas carpas de circo en las que se permitía a los políticos representar inofensivas obras teatrales.
Nadie recordaba el concepto de trabajo."

Podeis haceros con una copia de esta pequeña joya en el siguiente enlace:

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Os dejamos un fragmento del tema principal del disco:

The Beatles - Revolver (1966)

Aunque habitualmente suele citarse el "Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band" como la obra maestra del cuarteto de Liverpool, la mayoría de votaciones y encuestas realizadas en los últimos años sitúa en ese puesto de privilegio al disco anterior de la banda: "Revolver". Cuando dos publicaciones tan diferentes como la revista Rolling Stone (en votación de sus lectores) y el periódico oficial del Vaticano, "L'Osservatore Romano", coinciden en nombrar el disco como el mejor de todos los tiempos, deben existir poderosas razones. En este caso no podemos hacer otra cosa que apoyar ese resultado.

El hecho de que fuera el disco para el que más tiempo transcurrió antes de meterse en el estudio de grabación desde la finalización de las sesiones del anterior (8 meses) y de que las propias sesiones fueran también las más largas, nos da una idea de que lo que se estaba cociendo era realmente importante. No se trataba sólo de que la colección de canciones fuera notable, que lo era (cómo calificar de otra forma una lista que incluye "Taxman", "Eleanor Rigby", "Good Day Sunshine" o "Tomorrow Never Knows") sino del paso adelante que se éstaba dando en el terreno de la propia técnica de grabación con todo tipo de nuevas ideas y experimentos sucediendose ininterrumpidamente durante las sesiones.

Estilísticamente, el disco suena mucho más rockero que el anterior "Rubber Soul" y nos muestra sorpresas como la de la citada "Eleanor Rigby" en la que ninguno de los músicos toca una sóla nota quedando toda la parte instrumental a cargo de un octeto de cuerda (en realidad, dos cuartetos de cuerda convencionales), el uso de cintas manipuladas, efectos vocales, guitarras invertidas y demás trucos de ingeniería de sonido en "Tomorrow Never Knows" o "I'm Only Sleeping" o el protagonismo absoluto del sitar y otros instrumentos hindúes en "Love You To" que anticipaban la llegada de la psicodelia como género emergente en el rock de los últimos sesenta.

Por todas estas razones entendemos que "Revolver" debía aparecer en La Voz de los Vientos más tarde o más temprano. La grandeza de los Beatles hace que estén por encima de clasificaciones y géneros así que seguirán acompañandonos con frecuencia.

Si os animais a comprar este "Revolver", os dejamos un par de sugerencias:

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Os dejamos con "Eleanor Rigby"

Vasari Singers - Pärt Tavener Górecki (1996)

Existen combinaciones que, por algún motivo que se nos escapa, se suelen repetir en los discos de música "clásica". Es habitual, por ejemplo, encontrarse en el mismo CD el "Canon" de Pachelbel acompañado indefectiblemente por el "Adagio" de Albinoni o el "Requiem" de Gabriel Faure junto con la "Pavana para una infanta difunta" de Maurice Ravel.

Entre los autores contemporaneos hay un trío que es citado siempre conjuntamente alcanzando ya categoría de tópico (aquí mismo nos hemos acogido a ese lugar común sin complejos) y es el formado por Arvo Pärt, John Tavener y Henryk Górecki. A ellos tres está dedicado el disco de hoy, publicado en la colección "Red Line" de EMI Classics. Se trata de una colección de piezas corales de los tres autores citados a los que se añade una pieza de Alan Ridout, quien ni siquiera es incluído en la portada, imaginamos que por cuestiones del marketing que llega hasta sitios tan insospechados como la música religiosa.

El estonio Arvo Pärt, uno de los músicos habituales de La Voz de los Vientos, aparece representado con tres piezas, alguna de las cuales ya hemos oído por aquí anteriormente con alguna particularidad. "Summa", que abre el trabajo, lo hace en su versión original para coro y no para cuerdas como fue el caso de su presentación en el blog. Se trata de una intensa pieza coral que combina el texto del "credo" católico con un estilo compositivo de corte oriental. Junto con esta pieza tenemos "The Beatitudes", obra religiosa en la linea de su "Pasión", "Magnificat", etc. La última obra de Pärt en el disco son sus "Seven Magnificat Antiphons" de las que ya hablamos tiempo atrás.

John Tavener nos deja varias piezas que también hemos oído en un disco anterior: "The Lamb", "Funeral Ikos", "Two Hymns to the Mother of God", "Magnificat" y "Nunc Dimittis". Paliaremos esta ausencia de nuevas composiciones en próximas entradas del blog en las que Tavener tendrá un merecido protagonismo ya que, no en vano, es uno de los artistas que mejor acogida han tenido desde que empezamos nuestra andadura meses atrás.

Alan Ridout fue un compositor británico muy prolífico cuya obra, al igual que la de sus contemporaneos incluídos en esta grabación, está imbuída de un profundo espíritu religioso. "Litany", la pieza que aporta a la colección, fue compuesta en 1985 en un hospital mientras el músico se reponía de un ataque al corazón.

Por último, el polaco Henryk Górecki, extremadamente popular en los años noventa a raiz de una grabación de su tercera sinfonía que entró en las listas de ventas de todo el mundo, compitiendo incluso con grabaciones no clásicas, nos deja su "Totus Tuus", composición de 1987 escrita para una misa celebrada por el Papa Juan Pablo II en Varsovia.

Las interpretaciones corren por cuenta del coro Vasari Singers bajo la dirección de Jeremy Backhouse. Se trata de una agrupación británica fundada en 1980 que toma su nombre del artista del Renacimiento, Giorgio Vasari. Su repertorio es una mezcla de autores ingleses y otros contemporaneos de corte religioso. Como siempre, dejamos un par de enlaces para su compra:

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Os dejamos con el "Totus Tuus" de Gorecki en una versión distinta a la del disco:

Simeon Ten Holt - Horizon (1988)

Tras su "Canto Ostinato" y su "Lemniscaat", composiciones ambas que ya hemos tenido el placer de tratar aquí, "Horizon" es, cronológicamente, la tercera pieza monumental para varios pianos compuesta por el músico holandés Simeon Ten Holt, quien la compuso entre 1983 y 1985.

Hablamos, de nuevo, de una pieza construída sobre las mismas premisas de sus predecesoras, es decir, una breve melodía inicial que va sufriendo mínimas variaciones según se van sucediendo los compases hasta ir componiendo un tapiz fascinante y de una complejidad que sorprende al oyente que ni siquiera ha advertido los cambios experimentados por la música hasta que se da cuenta de que está escuchando una melodía totalmente distinta de la que oía unos minutos antes.

La versión que escuchamos tiene como valor añadido el hecho de que se trata de una interpretación en absoluto directo en la que se pone de manifiesto la excelente sincronización entre sus cuatro intérpretes, Fred Oldenburg, Yoko Abe, Margaret Krill y Polo de Haas. Como ocurre con las obras de Ten Holt que hemos tenido en La Voz de los Vientos, aquellos que os atrevais a sumergiros en ella vais a tener algo más de dos horas por delante de auténtico deleite con una de las obras más originales que hemos tenido la suerte de conocer en las últimas décadas para un instrumento tan popular como es el piano.

Encontrar este versión en concreto es bastante complicado pero hay algunos sitios donde se puede comprar:

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Os dejamos un fragmeto de la obra en una versión distinta a la que hemos glosado:

Simeon Ten Holt - Canto Ostinato for 2 pianos (2008)

De todas las versiones que existen de esta obra maestra del holandés Simeon Ten Holt, esta es la primera que llegó a nuestros oídos, la más breve, y quizá la mejor tomada en su conjunto. Se trata de una interpretación de los pianistas Kees Wieringa y Polo de Haas a los que ya hemos tenido por aquí ofreciendonos sus versiones de otras obras del compositor de los Países Bajos.

La pieza está atravesando una sorprendente segunda juventud con multitud de nuevas grabaciones, incluyendo formatos realmente novedosos como los dos pianos y dos marimbas o una versión a la que todavía no le hemos echado la mano encima para arpa en solitario. Durante los 75 minutos de esta versión, nos encontramos ante una lectura realmente transparente de la partitura, mucho más ligera que su hermana para cuatro pianos que nos acompañó en los primeros pasos del blog pero que conserva todos los elementos y el efecto hipnótico que define la obra. No nos vamos a extender mucho más porque preferimos dejaros con la música que es, al fin y al cabo, de lo que trata este invento.

Como nos está ocurriendo desde la llegada de amazon.es, no merece la pena buscar mucho más en otros sitios porque los precios son realmente buenos. Por ello, dejamos sólo ese enlace:

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Un breve fragmento de la pieza:

Shadowfax - Shadowdance (1983)

Bajo un nombre tomado a préstamo del caballo de Gandalf en "El Señor de los Anillos", apareció a finales de los setenta esta peculiar banda que se convirtió en la primera mitad de la década siguiente en uno de los buques insignia del sello Windham Hill.

La música del grupo era una especie de mezcla con elementos de rock progresivo, jazz fusión y folk. La banda empezó sus pasos como trío integrada por Chuck Greenberg (vientos), Gregory E.Stinson (guitarra) y Phil Maggini (bajo). Tras la incorporación del batería Stuart Nevitt, el grupo grabó su primer trabajo en 1974. El disco pasó desapercibido para casi todos pero no para William Ackerman, quien un tiempo después, como había ocurrido en otras ocasiones, los reclutó para su sello. Para cuando salió al mercado su tercer disco, "Shadowdance", la banda era ya un sexteto con las incorporaciones de los teclados de Jared Stewart y el violín eléctrico de Jamii Szmadzinski, aunque, sin duda, el elemento más reconocible del sonido del grupo era el "Lyricon" interpretado por Greenberg. Este curioso invento fue, en realidad, el primer controlador de instrumentos de viento a cuyo diseño contribuyó el propio Greenberg. El aparato alcanzó bastante popularidad a pesar de que fue creado mucho antes de que apareciera el famoso protocolo MIDI.

En ciertos momentos la música del disco nos remite a bandas legendarias como la Mahavishnu Orchestra mientras que en otros estamos ante el clásico sonido del sello Windham Hill. Creemos, en cualquier caso, que nunca está de más darle una oportunidad a esta formación, capaz de dejarnos temas tan impresionantes como ese "Ghost Bird" que podemos escuchar en este mismo disco o el propio "Shadowdance" en el que el "Lyricon" es el protagonista principal junto con la batería de Nevitt, elemento percusivo por el que tenemos una especial predilección dentro de la música de Shadowfax. El estilo sobrio de su intérprete, cercano en muchos momentos al de Stewart Copeland de "The Police" nos parece uno de los principales atractivos dentro de los muchos que le encontramos a la banda. No queremos olvidarnos de "A Song for My Brother", que cierra el trabajo y que contiene una de las melodías más inspiradas del mismo.

El disco hace tiempo que está descatalogado como buena parte del fondo de Windham Hill pero aún se puede encontrar en sitios como los siguientes:

play.com

discogs.com

Os dejamos con una excelente versión de "New Electric India", el tema que abre el disco, en directo:

Philip Glass - Satyagraha (1985)

Las primeras tres "óperas" compuestas por Philip Glass forman la llamada "trilogía de retratos". Tuvimos recientemente por aquí la primera, dedicada a Albert Einstein y hoy llega el turno de la segunda, centrada en la figura de Ghandi y con libreto de Constance DeJong.

Si bien "Einstein on the Beach" era una obra cuyo formato no hacía fácil su inclusión en la categoría de ópera, "Satyagraha" no se aleja tanto de lo que todos reconocemos como tal. Tenemos una orquesta "convencional" de cuerdas y maderas, un coro y varios cantantes. Desde ese punto de vista, la audición de esta obra es mucho más sencilla para los oídos acostumbrados a los formatos clásicos. Evidentemente, la obra tiene el sello de su autor muy presente pero el elemento melódico está mucho más presente que en so predecesora en la trilogía y podemos encontrar en ella algunas arias y pasajes realmente bellos. De hecho, en opinión de La Voz de los Vientos, "Satyagraha" es, aún hoy, nuestra ópera favorita dentro de la producción de su autor. Los textos están extraidos del Bhagavad Gita, uno de los textos fundamentales de la religión hindú y están cantados en sánscrito. El título de la ópera alude al término indio con el que se describe la filosofía de lucha pacífica de Ghandi. No estamos ante un repaso de la vida del activista indio sino que se centra en su actuación en Sudáfrica. El 1893, cuando era un abogado principiante, Ghandi viajó al país africano para intervenir en un caso de discriminación. Cuando vió las injusticias que sufría la comunidad india en aquel país, decidió quedarse y hacer lo posible por luchar contra esas condiciones. Como él mismo decía, viajaba para estar un mes y se quedó veintiun años.

La ópera se divide en tres actos, cada uno tutelado por un "espíritu guardián". El primero de ellos, titulado "Tolstoy", en honor al escritor ruso Leon Tolstoy, cuya obra "El Reino de Dios está en vosotros" influyó profundamente en Ghandi. Se centra en la "granja Tolstoi", centro que Ghandi organizó a modo de comunidad en la que los indios de Sudáfrica podían realizar las actividades que les eran vetadas en el resto del país. El segundo acto, "Tagore", en honor del primer premio Nobel asiático y también luchador contra el imperialismo británico en la India, aunque no comulgara con todas la ideas de Ghandi. El último acto, titulado "King" en honor a Martin Luther King, representa el futuro del "satyagraha" encarnado en la lucha del religioso norteamericano.

Aunque las críticas a la ópera desde el mundo más académico no siempre fueron positivas, no podemos dejar de recomendar esta obra de Glass a todos los seguidores del blog. Un reputado crítico escribió que el título de la ópera era tremendamente adecuado porque los espectadores tenían que reunir una gran cantidad de paciencia para hacer uso de la protesta no violenta tras aguantar hasta el final de la representación.

La obra se estrenó en 1980 comisionada por la ciudad de Rotterdam, que acogió su estreno. La grabación que os dejamos es de 1985 y en ella interviene la Orquesta y Coro de la New York City Opera bajo la dirección de Christopher Keene. Como solistas tenemos a Douglas Perry (tenor), Claudia Cummings (soprano), Rhonda Liss (alto), Robert McFarland (barítono) y Scott Reeve (bajo). Michael Riesman se encarga de los teclados y de la producción de la grabación junto con Kurt Munkacsi.

Tratandose de un triple CD, es difícil encontrar un precio más económico que este:

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Os dejamos con un extracto de una representación de la obra, concretamente, con el comienzo de la misma:

Rick Wakeman - 1984 (1981)

Wakeman es un músico controvertido que despierta pasiones a favor y en contra casi por igual. Si tiempo atrás decíamos que Yes eran una banda que reunía todos las características, tanto positivas como negativas, del género que se vino a llamar "rock progresivo", su teclista más famoso lleva esa afirmación al límite. Junto con Keith Emerson y el más reciente Jordan Rudess, es con toda probabilidad el teclista más dotado del rock, capaz de los solos más vertiginosos y las mayores exhibiciones en directo tiene el defecto en muchas ocasiones de abusar de esta habilidad y saturar sus intervenciones hasta el tedio en el peor de los casos.

El disco que hemos escogido no es el mejor de su carrera pero tiene la virtud de ser uno de los más comedidos. Sigue habiendo sólo por todas partes pero en muchas ocasiones están al servicio de la composición y no al contrario. El resto de integrantes de la banda tienen su cuota de protagonismo y nos dejan un trabajo bastante interesante en lineas generales. Como se desprende del título, estamos ante un disco conceptual basado en la famosa obra de George Orwell, 1984, de la que tantos hablan y tan pocos han leído. Y dudamos si incluir en esta lista al propio Wakeman ya que el tono general de la obra, con contadas excepciones, es mucho más luminoso y alegre de lo que se refleja en la deprimente atmósfera de la novela.

Si obviamos esta apreciación podemos llegar a disfrutar de un trabajo que, si bien no llega a la altura de algunos de sus discos anteriores, nos da una imagen bastante fiel de lo que suele hacer Wakeman en solitario. Curiosamente, la opinión del teclista sobre este disco en concreto no es demasiado buena hoy en día. En su propia web afirma: "El album equivocado en el momento equivocado, rodeado de la gente equivocada. Lanzar un disco conceptual de rock orquestal en un momento en el que dificilmente habría encontrado trabajo ni siquiera como afinador de pianos fue una especie de suicidio. Formé la banda equivocada (la peor que he tenido nunca) (...). Es cierto que hay algunos buenos pasajes pero mi vida personal en aquel entonces era un desastre y nunca debí meterme en un estudio de grabación sin haberla ordenado antes".

La banda a la que se refiere el bueno de Rick la formaban el bajista Steve Barnacle, el guitarrista Tim Stone y el batería Frank Ricotti con Gary Barnacle al saxo. Tony Fernandez, habitual de Wakeman, aparece en algunos cortes interpretando la batería. Los vocalistas encargados de cantar los textos del mítico letrista Tim Rice (autor de las letras de los musicales "Evita" o "Jesucristo Superstar", de películas de Disney como "La Bella y la Bestia" o "El Rey León") fueron Chaka Khan, Kenny Lynch, Steve Harley, el propio Rice y, en uno de los temas, su compañero en Yes, Jon Anderson. En varios temas, los músicos se acompañan de una pequeña orquesta de cuerdas.

Para comprar el disco, aprovechamos y damos la bienvenida a Amazon.es, que nos ofrece un precio bastante ajustado:

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Os dejamos con "Robot Man", uno de los temas más destacados del disco:

Rick Wright - Broken China (1996)

Desde la fallida disolución de Pink Floyd tras su disco "The Final Cut", periódicamente surgían rumores acerca de su reunión o lo que es lo mismo del regreso de Roger Waters a la banda. Una de las ocasiones en que estas habladurías parecían tener más visos de verdad fue cuando de juntaron el 2 de julio de 2005 para tocar juntos en el "Live 8".

Todos estos rumores tocaron a su fín el 15 de septiembre de 2008, fecha de la que se cumplen hoy tres años y en la que falleció Rick Wright, el teclista de la banda, víctima de cáncer. Ninguno de los miembros de Pink Floyd ha tenido una carrera especialmente prolífica en solitario y en el caso de su teclista, ésta se reduce a sólo dos discos. Hoy, a modo de homenaje, tenemos aquí el segundo de ellos, titulado "Broken China".

Se trata de un disco conceptual, de una fuerte carga emocional. "Broken China" es una obra que gira alrededor de la depresión, enfermedad que atacaba habitualmente a Mildred, su tercera esposa. Los dieciseis cortes del álbum se agrupan en cuatro partes de cuatro canciones cada una. La mitad de las composiciones son temas instrumentales y el resto de los temas cuentan con algún vocalista, principalmente el propio Wright (en una faceta que no explotó demasiado con Pink Floyd) y algunos otros cantantes invitados. En general, el sonido del album evoca en muchas ocasiones al de la banda a la que perteneció tantos años con varios pasajes que cualquier aficionado reconocería como evidentemente "floydianos". Con todo, creemos que estamos ante un disco más que digno que no desmerece la trayectoria de este gran músico. Es destacable el hecho de que ninguno de los otros miembros de la banda intervenga en este trabajo. Al parecer, Gilmour sí llegó a grabar algo pero finalmente no se utilizó. Los músicos que intervienen en "Broken China" son: Richard Wright (teclados y voz), Anthony Moore (participante en los dos últimos discos de estudio de Pink Floyd, autor de un par de temas del disco y encargado de las programaciones), Sinead O'Connor (voz solista en un par de temas), Tim Renwick (guitarras), Dominic Miller (guitarras), Steven Bolton (guitarras), Manu Katche (percusión, batería), Sian Bell (cello), Kate St.John (oboe, corno inglés) y Maz Palladino (voces).

Aprovechamos el tercer aniversario de su fallecimiento para dejaros este ejemplo de la música de Wright a modo de homenaje para un teclista imprescindible por lo que tiene de importante su sonido en la historia de una de las más grandes bandas del rock. Podeis encontrar el disco en los siguientes enlaces:

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Os dejamos con la preciosa "Breakthrough" y la voz de Sinead O'Connor:

Yann Tiersen - Black Session (1999)

El 2 de diciembre de 1998, Yann Tiersen se rodeó de un grupo de sus mejores amigos y organizó una fiesta en forma de concierto para un programa de una radio francesa llamado Black Session. A lo largo de la misma, alguno de los mejores representantes del panorama musical francés del momento se fueron sumando al propio Tiersen para ir tocando composiciones del músico entre las que se iban intercalando temas de los propios invitados e incluso alguna versión ajena.

Ya hemos hablado de la calidad interpretativa de Tiersen en directo, de la que hemos tenido algún ejemplo en La Voz de los Vientos. Abre el disco Yann interpretando "Sur le Fil" en solitario. A partir de ahí, todos los temas cuentan con invitados especiales. Neil Hannon y Christian Quermalet se unen a Tiersen para interpretar el tema del primero, "Gerónimo". Inmediatamente llegamos a uno de los grandes momentos del disco: la sensacional versión de "Life on Mars?" de David Bowie a cargo del propio Neil Hannon. Realmente magnífica. En el resto del concierto tenemos canciones de The Married Monk, Bertand Cantat, Noir Desir, Dominique A, Christian Olivier, Les Tetes Raides y Mathieu Boogaerts con participación de todos ellos y otros músicos habituales de los discos de estudio de Tiersen como Claire Pichet, Olivier Mellano o Francoiz Breut.

Un disco realmente peculiar de un músico asombroso, aparecido poco tiempo antes de su salto a la fama internacional con la banda sonora de Amelie. Sorprendentemente, a día de hoy es realmente complicado encontrarlo salvo algunas copias de segunda mano. Dejamos un enlace, aunque no especialmente económicos:

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Os dejamos un video de la primera parte del concierto:

Vangelis - Mask (1985)

A mediados de los años ochenta, Vangelis experimentó una evolución en su sonido hacia formas más clásicas con un uso de los sintetizadores más cercano que nunca al papel de la orquesta. Dentro de esta faceta, "Mask" destaca sobre todos los demás trabajos del griego de la época. En este disco nos encontramos al Vangelis más exuberante, con espectacluares coros, poderosas secuencias electrónicas y preciosos fondos de sintetizadores, combinados con delicados solos vocales y ocasionales remansos de paz que sirven para descansar de cuando en cuando.

"Mask" es una larga suite dividida sencillamente en seis movimientos sin título. En el primero de ellos encontramos al Vangelis épico, casi avasallador, que no escuchabamos desde su "Heaven and Hell" de diez años antes. Por el contrario, el segundo movimiento es una tranquila pieza, a modo de marcha lenta con apacibles ambientes y amables coros. El tono serio vuelve con el tercer movimiento, de nuevo con poderosos coros e inspirados paisajes tremendamente evocadores. Continúa el disco con un cuarto movimiento que podríamos definir como una especie de aria étnica, con sonidos y percusiones sugiriendo un folclore imaginario y la voz del cantante solista (no acreditado pero que todo apunta a que sería Guy Protheroe) recitando textos en un idioma desconocido. Al hilo de esto, comentar que el coro que aparece en toda la obra y que tampoco se recoge en los créditos, sería el English Chamber Choir dirigido por el propio Protheroe, quienes ya intervinieron en "Heaven and Hell" y repetirían en "Conquest of Paradise" años después. Señalar que Guy Protheroe explotaría en el futuro este tipo de obras corales en idioma inventado con reminiscencias del latín en su exitoso proyecto "Era", ya en los años noventa. Tras este interludio vuelven las rápidas secuencias electrónicas salpicadas de efectos especiales con el comienzo del quinto movimiento de la obra, una vez más con gran protagonismo coral. Es éste uno de los más extensos del disco junto con el primero y quizá el más variado. Ya para terminar, el sexto y último movimiento vuelve al Vangelis más tranquilo e íntimo para despedirse con un recuerdo al segundo movimiento que, sin ser de las piezas más conocidas del griego (ninguna en "Mask" podría contarse en esa lista), sí que tuvo una cierta popularidad e incluso fue usado en España en una campaña publicitaria de una marca de electródomésticos.

No se puede decir que la década de los ochenta, pasado el éxito de "Chariots of Fire" y el fiasco de la no publicación de la música de Blade Runner, fuera una década tremendamente destacada para nuestro músico en el ámbito popular, aunque sí que consiguió algunos éxitos de cierta importancia con los discos publicados a dúo con Jon Anderson que algún día apareceran por aquí. Sin embargo, ya sabemos que el éxito popular no siempre tiene relación con la calidad de la obra musical y creemos que "Mask" es un disco que no se queda corto precisamente en términos de inspiración.

Incomprensiblemente, hoy en día es realmente complicado encontrar el disco ya que lleva años descatalogado. En espera de una posible reedición, hemos encontrado un enlace a un precio más o menos razonable:

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Os dejamos el primer movimiento del disco:

Vangelis - Chariots of Fire (1981)

Una de las primeras entradas que aparecieron en La Voz de los Vientos meses atrás estaba dedicada a una grabación que contenía la música de Vangelis para la banda sonora de "Carros de Fuego". En aquella ocasión se trataba de un disco no oficial con las versiones de la partitura que sonaban en la película.

Esta es una aclaración que no sería necesaria para la mayoría de compositores que trabajan para el cine pero en el caso de Vangelis está justificada porque, habitualmente, en los pocos casos en los que decide publicar un disco con una de sus bandas sonoras, lo suele hacer regrabando la música y montandola de forma diferente a como sonaba en la pantalla. El de "Carros de Fuego" es un ejemplo realmente claro de esto que decimos.

De cara a la edición discográfica de la banda sonora, Vangelis escogió cinco de los fragmentos más inspirados del film, incluyendo el famosísimo "Titles", repetido hasta la saciedad en todos y cada uno de los eventos relacionados con el atletismo en radios y televisiones de todo el mundo. Con ellos configuró la cara A del disco cumplimentandolos con un tema ajeno, la composición coral "Jerusalem" escrita por Sir Hubert Parry sobre un texto de William Blake. La cara B del LP era una larga suite que, en nuestra opinión es lo mejor del disco. En ella encontramos músicas que aparecen en la película junto a partes compuestas expresamente para el disco. Curiosamente, el tema más famoso de la banda sonora y quizá de toda la carrera del compositor griego, estuvo a punto de no ver la luz ya que la idea del director de la película, Hugh Hudson, era utilizar para esa escena concreta un tema anterior de Vangelis, perteneciente al disco "Opera Sauvage" titulado "L'Enfant" de un aire similar. Sólo la insistencia del compositor en crear un tema especial para ese momento convenció a Hudson para darle esa oportunidad para lo que terminó siendo una de las escenas más memorables de la película.

La banda sonora de "Carros de Fuego" ganó el Oscar de la Academia ese año y cambió la forma de hacer música para películas habitual hasta entonces. Vangelis elaboró toda la música en su estudio, la interpretó, la arregló y la grabó (de hecho, era la primera vez que el Oscar recaía en una banda sonora creada e interpretada por una sóla persona). Esto, tan inusual hasta aquel momento, iba a permitir a los directores en adelante escuchar la música casi completa sin necesidad de grandes orquestas, ensayos, etc. A nadie le importó que la banda sonora de una película de época estuviera interpretada con sintetizadores en su práctica totalidad. Vangelis era ya una estrella antes de este trabajo pero su status a partir de entonces era el de compositor consagrado y respetado que había ascendido un par de escalones en cuanto a prestigio. Curiosamente, el éxito de este trabajo alejó al griego del mundo de las bandas sonoras del que trató de apartarse para evitar quedar encasillado, aunque siguió dejando de cuando en cuando grandes muestras de su talento en este campo.

Si quereis comprobarlo por vosotros mismos, podeis comprar el disco en los siguientes enlaces:

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Nos alejamos del tópico y os dejamos un video con "Eric's Theme", uno de los temas más épicos de la banda sonora:

Arvo Pärt - Alina (1999)

Al margen de otros famosos aniversarios, hoy, 11 de septiembre, cumple 76 años el compositor Arvo Pärt, uno de los músicos que más han aparecido por aquí. A modo de celebración, vamos a dedicarle unas lineas a dos de sus obras más intimistas.

Ambas se compusieron en la segunda mitad de los años setenta y nos dan la versión más desnuda posible de la música de Pärt. La primera de ellas, "Alina", compuesta en 1976 es una obra para piano sólo en la que los elementos musicales están reducidos a la máxima expresión. Se trata de una partitura breve que cualquier persona, con un poco de ensayo, podría interpretar sin problemas. Paradójicamente, esto implica que sólo un intérprete excepcionalmente dotado y sensible puede arrancar al piano los sonidos adecuados para hacer justicia a la partitura. En el disco tenemos dos versiones distintas a cargo de Alexander Malter, extraídas por el propio Pärt de las grabaciones de una larga sesión junto al intérprete.

La otra composición es "Spiegel im Spiegel", algo así como "el espejo frente al espejo" y fue escrita originalmente para piano y violín. En el disco tenemos dos interpretaciones con esa formación con Vladimir Spivakov al violín y Sergej Bezrodny al piano y otra más para piano y cello con Malter a las teclas y el cellista Dietmar Schwalke. El título, en realidad, es de lo más descriptivo ya que, mientras el instrumento de cuerda toca frases que siempre acaban volviendo al "La" central, añadiendo una nota más cada vez, el piano es un reflejo de su compañero tocando triadas en Fa mayor y haciendo una especie de transposición ampliada del recorrido relativamente estrecho del violín en la partitura como un espejo deformante.

En la edición de ECM de las obras que comentamos hay una cita de Arvo Pärt sobre su música en la que dice que "Puedo comparar mi música con la luz blanca, que es la suma de todos los colores. Sólo un prisma puede separarlos y hacerlos visibles por separado. Ese prisma es la sensibilidad del oyente".

No merece la pena añadir nada más a las palabras del compositor. Teneis disponible el disco en los siguientes enlaces:

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Os dejamos con una de las versiones de "Spiegel im Spiegel":

The Beatles - Magical Mystery Tour (1967)

Tenemos que confesar que a muchos de los miembros de nuestra generación, los Beatles siempre nos sonaban a música de viejos y realmente nunca les prestamos demasiada atención. Nosotros teníamos a nuestros grupos de los ochenta que eran lo que molaba. Afortunadamente, la tontería se acaba pasando en la mayoría de los casos e incluso los más pertinaces terminamos por darle una oportunidad a los Beatles y, como Saulo, acabamos rendidos ante una obra sin desperdicio.

En el año 1967 en el que se publicó este trabajo, los Beatles eran ídolos de masas y sus últimos discos eran joyas imperecederas como "Revolver" y "Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band". La fama les había llevado a protagonizar varias películas y "Magical Mystery Tour" era otra de ellas. Se concibió como un telefilme animado a emitir en la TV inglesa y se grabaron seis canciones como parte de la banda sonora: "Magical Mystery Tour", "The Fool on the Hill", "Flying", "Blue Jay Way", "Your Mother Should Know" y "I Am the Walrus". No estaba previsto que se hiciera ningún LP y simplemente se incluyeron las canciones en un doble EP. Sin embargo, en el mercado norteamericano, el formato EP estaba en desuso y se decidió publicar un LP con las canciones de la película acompañadas por otros cinco títulos pertenecientes a singles de la época: "Hello Goodbye", "Strawberry Fields Forever", "Penny Lane", "Baby You're a Rich Man" y "All You Need is Love".

Así configurado, el LP recopila una de las más impresionantes colecciones de canciones de los de Liverpool y, desde luego, uno de nuestros favoritos dentro de la discografía de la banda. Realmente, poco más se nos ocurre decir de una formación que es un auténtico mito de la historia de la música desde que esta comenzó a grabarse y sobre la que cualquier comentario no será más que una reiteración de otros que podeis encontrar por toda la red y que seguro tienen más fundamento.

Para comprar el disco:

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Os dejamos con una de las canciones de la película, "I Am the Walrus" y otra de las añadidas al LP, "Penny Lane":

M.I.A. (Músicos Independientes Asociados) - María Elena de Nosotros (1981)

María Elena Walsh fue una poetisa, cantautora y dramaturga argentina. Un referente fundamental en todos esos campos y, por encima de todos ellos, en la literatura y canción infantil. Fallecida hace apenas ocho meses, su obra está plagada de poemas y canciones clásicas de esas que todos hemos oído de niños, especialmente en boca de la española Rosa León.

Su legado será recordado por mucho tiempo y canciones como "La calle del gato que pesca", "La vacuna" o "El reino del revés" forman parte del repertorio de cualquier niño de las últimas décadas. A comienzos de la década de los ochenta, se decía que el estado de salud de la autora era muy delicado a causa de un cáncer de huesos y que no le quedaba mucho tiempo de vida. A raiz de eso, comenzaron a aparecer tributos de todo tipo a su obra. Uno de ellos aparece en 1981 a cargo de M.I.A. la cooperativa musical argentina de la que hablamos unos meses atrás bajo el título de "María Elena de Nosotros".

Curiosamente, en la página oficial de Lito Vitale no se incluye este trabajo bajo la etiqueta de M.I.A. aunque así apareció originalmente y de ese modo se refleja habitualmente en las discografías de la agrupación. Lo cierto es que, en cualquier caso, los intérpretes del disco eran ya solamente tres, Lito y Liliana Vitale y Verónica Condomí. Las versiones y arreglos de este trabajo pasan por ser las mejores de entre todas las que se hicieron en la época y por ese motivo, y aprovechando la presencia de Lito Vitale en La Voz de los Vientos en las últimas semanas, tocamos este trabajo, siquiera como curiosidad para los seguidores del argentino.

No ha sido fácil encontrar enlaces para adquirir el disco, aunque se editó en CD en 2006. Podeis comprarlo aquí:

demusicasargentinas.com.ar

Os dejamos unas cuantas canciones de María Elena Walsh para que podais compararlas con las versiones de Vitale y compañía:

"El reino del revés" en versión del cuarteto Zupay:

"El brujito de gulubú" por la propia Walsh junto con los Muppets:

"La calle del gato que pesca" por Rosa León:

Tennant / Lowe - The Most Incredible Thing (2011)

Hemos hablado con anterioridad de la versatilidad de Pet Shop Boys en todos estos años de carrera y hemos destacado el hecho de que no se hayan querido encerrar en el pop, género que bordan un disco tras otro. Tenemos aquí el ejemplo más reciente de los trabajos compuestos por el grupo en los últimos años al margen de su linea de trabajo habitual.

Lo primero que llama la atención del disco es que no aparece firmado por Pet Shop Boys como grupo sino por sus dos integrantes, al igual que sucedió hace unos años con su "Battleship Potemkin" (curiosamente, Pet Shop Boys aparecen acreditados como intérpretes). La idea surge en 2007 cuando el bailarín Ivan Putrov, amigo personal de Neil Tennant y Chris Lowe y primer bailarín del Royal Ballet por aquel entonces, les sugiere la idea de componer una música para un ballet. La idea, que podía sonar descabellada, les pareció la continuación lógica de una carrera llena de éxitos en el campo de la música de baile. A lo largo de 2008 en dúo compuso la mayor parte del primer acto y en 2010 los dos restantes.

La historia alrededor de la que gira todo es el cuento de Hans Christian Andersen, "Det Utroligste", traducido como "la cosa más increíble" y narra la historia de una Princesa cuya mano es ofrecida por su padre a aquel que traiga a su presencia, haga o construya la cosa más increíble. La lucha por casarse con la princesa se centra en dos personajes. Uno de ellos construye un maravilloso reloj con autómatas mecánicos que a cada hora nos muestra distintos personajes, desde Adán y Eva a Moises, recrea las cuatro estaciones del año al dar las cuatro, los cinco sentidos a las cinco y así sucesivamente. Cuando el artilugio es presentado al Rey, todos están de acuerdo en que ese reloj era la cosa más increible que había visto jamás. En ese momento, el segundo pretendiente, en un acto de ira, arremete contra el artilugio y lo destruye convenciendo a todos de que esa destrucción es aún más increíble que el propio reloj, ganando el concurso y convirtiendose así en el prometido de la Princesa. Como es de suponer, la cosa no acaba ahi pero tampoco es cuestión de desvelar todo el cuento.

Centrandonos en la música, Tennant y Lowe nos dejan una extensa partitura para orquesta, coros y sintetizadores realmente destacada. La combinación de los ritmos electrónicos, con el inimitable sello de Pet Shop Boys en mucho momentos, con la orquesta funciona a la perfección y el trabajo tiene todos los ingredientes para gustar a los aficionados a la música del dúo y también a oídos acostumbrados a otros registros. Tras escribir el musical "Closer to Heaven" y poner música a la película "El Acorazado Potemkin", este ballet "The Most Incredible Thing" sería la tercera incursión del dúo en géneros aparentemente incompatibles con su producción habitual y en los tres casos han salido airosos.

Junto con Neil Tennant (co-autor de toda la música y cantante en algún breve pasaje) y Chris Lowe (intérprete junto con Tennant de toda la parte electrónica), intervienen en la grabación, Pete Gleadall (teclados y programaciones), Andreas Gundlach (piano), la Wroclaw Score Orchestra bajo la dirección de Dominic Wheeler. La orquestación fue realizada por Sven Helbig, productor a su vez de la obra.

Os dejamos con los habituales enlaces:

fnac.es

play.com

Y un video con varios fragmentos de la obra:

Lito Vitale Cuarteto - Ese Amigo del Alma (1988)

El segundo disco publicado por el Lito Vitale Cuarteto es un trabajo realmente popular. No lo podemos confirmar pero tenemos la sensación de que se concibió como una especie de ariete para introducirse por la fuerza en el mercado español dado lo curioso de su tracklist.

Ya hablamos un tiempo atrás del primer disco de la formación en el que figuraban las composiciones "Recuerdos en Mí bemol" y "Estar entre nosotros". Pues bien, ambas composiciones forman parte de nuevo de "Ese amigo del alma". Esto llama más la atención cuando nos damos cuenta de que la formación que graba los temas nuevos del disco no es la misma ya que el batería Jota Morelli ha sido reemplazado por Cristhian Judurcha, quien sigue acompañado por los miembros habituales del cuarteto, Lito Vitale, Manuel Miranda y Marcelo Torres. La afirmación con la que abríamos esta entrada tiene su fundamento en los textos que acompañan la edición del disco en los que se agradece a Lara, Ramón y Rogelio su ayuda y asesoramiento en la selección de los temas del disco. Nos parece evidente que Lara y Ramón no son otros que Lara López y Ramón Trecet, principales introductores de Vitale en España a través de su programa "Diálogos 3" de RNE3.

Aclarado este punto, nos centramos en los tres temas realmente nuevos que nos ofrece la banda en este su segundo trabajo. "La vida es un tango" es el primero de ellos, que empieza súbitamente con la batería y el saxo entrando casi al unísono y dibujando una bellísima melodía, pronto aderezada por los teclados de Vitale que cobran protagonismo practicamente en solitario durante los minutos siguientes hasta la nueva aparición del saxo de Miranda y los primeros arabescos del bajo de Marcelo Torres. En resumen, una muestra más del extraordinario talento del Vitale compositor, potenciado por la calidad de los músicos a su servicio. El siguiente corte, que abría la cara B del vinilo, llevaba el título de "Estar vivo hoy". Partiendo de premisas muy similares al anterior tema y con variaciones como la sustitución del saxo por la flauta como elemento melódico principal, tenemos otra melodía sensacional y unos ambientes que van aclarando el camino para lo que vendrá a continuación.

Y lo que viene a continuación es una auténtica barbaridad en el mejor sentido de la palabra. El corte que da título al disco nos enfrenta directamente con lo mejor del talento de un músico superdotado. El citado Ramón Trecet solía despedir su programa con una cita de un autor que no recordamos que venía a decir que "buscar la belleza es la única protesta que merece la pena en este asqueroso mundo". Creemos, sin exagerar demasiado, que si habeis llegado a este punto del disco, podeis dejar de buscar. Difícilmente encontrareis música más bella que la contenida en "Ese amigo del alma", dedicada por Vitale a Lyle Mays, teclista del Pat Metheny Group y una de las principales influencias del músico argentino.

No merece la pena comentar nada más cuando podeis dejar de perder el tiempo leyendo esto y pasar a escuchar el disco y, especialmente, el corte que lo cierra. En todos los años que llevamos escuchando música, y son unos cuantos ya, no son muchas las composiciones que nos han atrapado como lo ha hecho "Ese amigo del alma". Sin más comentarios, os dejamos los habituales enlaces para adquirir el disco, en la versión que salió al mercado años después del original con un par de temas extra:

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Ojo, en ambos casos es un CD On Demand, es decir, un CD-R grabado especialmente para el pedido.

También lo hemos encontrado aquí:

discogs.com

Os dejamos una aparición de Vitale en el viejo Música NA de TVE junto con Trecet y Lara López tocando (e improvisando), ¿cómo no? "Ese amigo del alma":

George Winston - December (1982)

"December" es un disco de una importancia capital en el desarrollo de lo que se conoció a principios de los años ochenta como música "New Age", no sólo por su valor musical sino porque las ventas masivas que alcanzó en EE.UU. permitieron la expansión del sello Windham Hill que se convirtió en uno de las referencias fundamentales de estos tipos de música.

Lo curioso del tema es que estamos realmente ante un disco de villancicos. La mayor parte de la música con temas tradicionales dedicados a la navidad o versiones de clásicos, aunque también hay algunas composiciones de Winston. El mérito de realizar un disco tan notable con una temática tan manida es doble, y más si tenemos en cuenta que hablamos de una grabación de piano sin ningún otro acompañamiento. El particular estilo interpretativo de Winston da con la tecla, nunca mejor dicho, y nos regala una colección de temas realmente exquisitos.

Abre el trabajo "Thanksgiving", un tema propio del intérprete inspirado en los paisajes del estado de Montana para pasar a un tema navideño tradicional de los montes Apalaches, recopilado por el folclorista John Jacob Niles titulado "Jesus, Jesus, Rest Your Head". Llega a continuación una versión de una popular obra de Johann Sebastian Bach que Winston titula, simplemente, "Joy" y basada en el arreglo de la pieza por parte del guitarrista David Qualey. Una breve pieza de Winston titulada "Prelude" nos lleva a otro de los grandes momentos del disco: el famoso "Carol of the Bells", canción tradicional ucraniana, muy popular en las navidades norteamericanas. Continuamos con "Night", subdividida en tres partes: "Snow" y "Midnight" del propio pianista y "Minstrels" basada en un villancico tradicional griego. En este momento llegamos a la pieza que probablemente tuvo la culpa del gran éxito de ventas de "December". Se trata de la versión para piano del famoso Canon de Johann Pachelbel en una particularísima versión de Winston, realmente inspirado cuando lo grabó. "The Holly and the Ivy" es otro villancico tradicional inglés del S.XVIII probablemente basado en otro francés, al que nuestro pianista añade una parte central de su propia cosecha inspirada, según sus palabras, en la música de Steve Reich. Se cierra el disco con "Some Children See Him", versión de un villancico del trompetista Alfred S. Burt y con "Peace", pieza inspirada en la música de Dominic Frontiere, uno de los músicos más admirados por George Winston.

La edición que os dejamos es la publicada con ocasión del 20º aniversario del lanzamiento del disco y se completa con dos temas extras: "A Christmas Song", versión de un tema de John Barry y otro villancico de Alfred S. Burt titulado "Sleep Baby Mine".

Buena parte de la fama que Winston alcanzó en el mundo de la "New Age" se debe a este disco que no podemos dejar de recomendar como una de las grandes joyas del género. Particularmente preferimos su disco "Autumn", que ya tuvimos ocasión de comentar aquí pero no cabe duda de que "December" es un gran trabajo. Como siempre, podeis encontrar los enlaces para adquirirlo a continuación:

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Os dejamos con Winston y su versión del Canon de Pachelbel en directo: