Nightnoise - Shadow of Time (1993)

En 1991, Billy Oskay tomó la decisión de abandonar Nightnoise tras tres discos como cuarteto y el inaugural de la banda a dúo con Míchéal Ó Domhnaill que comentamos en la última entrada. Se dijo que el motivo de su abandono fue el deseo del violinista de dedicarse plenamente a trabajar con su propio estudio de grabación de forma profesional, sueño que había ido madurando en los años anteriores y que no podía realizar formando parte de un grupo como Nightnoise, cada vez más popular y con un calendario de conciertos anual incompatible con la actividad a la que quería dedicarse en el futuro.

Lo cierto es que Nightnoise empezó como un dúo en el que las tareas se repartían al cincuenta por ciento entre ambos integrantes del grupo. Convertidos en cuarteto, la aportación de Oskay en el primer disco se redujo a tres temas propios más uno escrito a dúo con Míchéal, quien participa con ocho composiciones. A partir de ahí, es Tríona Ní Dhomhnaill quien lleva el peso del grupo, especialmente en el disco de 1990, “The Parting Tide” en el que la hermana de Míchéal escribe más de la mitad del disco. Antes de despedirse, Oskay participó en una última grabación de Nightnoise, la versión de la “Sicilienne” de Gabriel Faure incluida en el recopilatorio de Windham Hill dedicado a los músicos impresionistas franceses titulado, simplemente: “The Impressionists” y publicado en 1992.

Ante el abandono de Billy, surge el reto de encontrar un nuevo violinista para seguir adelante con el grupo y hay un buen número de candidatos que surgen a primera vista: El primer nombre que se nos ocurre es el de Kevin Burke. Al fin y al cabo, se trata de un violinista que coincidió con los hermanos Ó Domhnaill en la Bothy Band y que se entendía a la perfección con Míchéal como demostraban sus dos discos publicados como dúo y los conciertos que dieron juntos en esos años. En su contra jugaba el hecho de que la trayectoria de Kevin se había desarrollado casi de modo exclusivo dentro de la música celta más ortodoxa y Nightnoise era algo más que eso. Hubo un par de discos que también podían dar una pista al seguidor más dado a la especulación sobre el próximo violinista de la banda: El primero de ellos, “The Road North”, del teclista Paul Machlis y el violinista Alasdair Fraser, se grabó en 1987 en los Nightnoise Studios bajo la tutela del propio Billy Oskay y en él participa Míchéal Ó Domhnaill como guitarrista. Con la única ausencia de la flauta, se trataba de una grabación con una formación similar a la de Nightnoise y, además, Fraser era, al margen de un violinista excelso, un buen compositor. Otra pista la tenemos en el disco “An Ras” del percusionista Tommy Hayes, aparecido en 1991, pocos meses después del abandono de Oskay. En el disco aparecen varios instrumentistas invitados, combinados de distintas formas en cada uno de los cortes con la única presencia en todos ellos de quien firma el trabajo: Tommy Hayes. Nos llama la atención el tema titulado “Paddy Fahy’s Jig”, interpretado por el pianista Míchéal Ó Súilleabháin, Míchéal Ó Domhnaill a la guitarra, Brian Dunning en la flauta y Alasdair Fraser al violín. Suena casi como un ensayo general de un nuevo Nightnoise pero tampoco iba a ser Fraser el elegido. Hubo una entrevista en el programa “Diálogos 3” a mediados de los noventa en que Ramón Trecet preguntó a los miembros de Nightnoise su opinión sobre Alasdair Fraser. Hay que recalcar que los músicos de la banda nunca se distinguieron por ningún tipo de polémica ni descalificación y menos aún, hacia un colega. Sin embargo, en este caso su respuesta fue fría. Elogiaron (cómo no hacerlo) a Fraser como intérprete y músico pero, sin llegar a concretar, no se mostraron tan favorables hacia su faceta no profesional. El comentario no pasó de ahí pero nos hizo pensar que algo no fue bien entre ellos, lo que nos sorprende más si tenemos en cuenta que Míchéal y Alasdair colaboraron en varias ocasiones.

Descartado también Alasdair, nos queda un tercer nombre que, a la postre, sería el elegido: Johnny Cunningham. Como ya comentamos en la entrada anterior, Johnny formó parte del legendario grupo Silly Wizard y posteriormente de Relativity, junto con su hermano Phil y los hermanos Ó Domhnaill. La banda grabó dos discos justo en el tiempo que transcurrió entre el disco de Billy y Míchéal que abrió la trayectoria de Nightnoise y el primer disco ya bajo esa denominación y como cuarteto. La relación del violinista con el resto de miembros de Nightnoise era excelente y su incorporación al grupo se produjo de la forma más natural posible. De este modo, en los primeros días de 1993 entran en los White Horse Studios de Portland: Tríona Ní Dhomhnaill (voz, piano, acordeón, tin whistle, sintetizadores y armonio), Míchéal Ó Domhnaill (voz, guitarra, tin whistles, armonio, sintetizadores), Brian Dunning (flautas, tin whistle, voces, sintetizadores) y Johnny Cunningham (violines).

De izquierda a derecha: Míchéal Ó Domhnaill, Brian Dunning, Tríona Ní Dhomhnaill y Johnny Cunningham.

“One Little Nephew” – El comienzo de guitarra nos advierte de que Míchéal es, sin duda, el autor de una pieza en la que no tardamos en oir unos fondos de sintetizador y un oboe sampleado que actúan como introductores de la primera aparición del violín de Johnny Cunningham. Desde el primer momento queda patente la gran diferencia de estilo entre su predecesor Billy Oskay y él: tenemos una interpretación mucho más cálida, con trinos y adornos que delatan su pertenencia a la tradición celta. En un segundo repaso a la melodía inicial son ahora las flautas las que hacen la vez de instrumento solista trasladándonos hasta el final de la composición. Un tema magnífico dentro de un disco que pronto se revelará como soberbio.

“The March Air” – Segunda composición de Míchéal Ó Domhnaill en el disco. Se abre con una brillante introducción de órgano, casi ceremonial, tras la que el autor de la pieza rompe a tocar su guitarra con un irresistible ritmo de marcha. Se incorporan las flautas interpretando la melodía principal y enseguida son dobladas por el violín. Tras la introducción llegamos a una parte central mucho más pausada en la que Johnny Cunningham interpreta un aire tradicional de gran belleza que Mark Knopfler había popularizado unos años antes en su banda sonora de la película “Local Hero” y es justo con esa melodía con la que recuperamos algo que habíamos perdido tras la separación de la Bothy Band: a los dos hermanos Ó Domhnaill armonizando a la perfección sus voces para regalarnos una pequeña joya con la que se cierra el tema.

“Shadow of Time” – Tríona, ahora en solitario, es la encargada de interpretar la siguiente canción de su autoría en la que el piano sostiene a su voz en los primeros instantes hasta que la guitarra se suma a la melodía. La parte central se reserva para un breve interludio instrumental de violín y flautas de gran belleza antes de la despedida, de nuevo sólo con piano y voz.

“Silky Flanks” – Llegamos a otro de los grandes momentos del disco, obra de Brian Dunning. Comienza el tema con una veloz melodía de flauta que podría sonar celta en una primera escucha pero que tiene mucho de John Coltrane si nos la imaginamos interpretada al saxo. Míchéal hace una labor extraordinaria con la guitarra que hace que entendamos por qué en su momento se le tenía por el mejor guitarrista rítmico del universo celta. El piano se une a la desenfrenada melodía que cambia de ritmo completamente al llegar a la parte central en la que se transforma en una bellísima melodía de tintes clasicistas en un precioso diálogo con el violín, los tin whistles y, en segundo plano, con el acordeón. Como ocurre con muchos de los temas de Nightnoise, su esquema es cíclico y antes de la despedida volvemos al motivo inicial para cerrar la composición en su punto más alto.

“Water Falls” – Tras un tema rítmico toca uno más relajado y quién mejor para ello que Tríona, su voz y su piano. La introducción de la pieza es una preciosa melodía de inspiración clásica y con un cierto aire francés de finales del XIX. Tríona no posee una voz deslumbrante ni especialmente bella pero su forma de cantar se ajusta a sus limitaciones y cumple a la perfección con su cometido.

“Fionnghuala” – Los conciertos de la Bothy Band tenían un momento de gran emoción en el que Míchéal y Tríona interpretaban esta maravillosa pieza tradicional de “mouth music”. Existen varias grabaciones de esta pieza tanto en estudio como en directo pero ninguna de ellas tan sublime como ésta. Comienza con un profundo bordón vocal a cargo de Brian Dunning sobre el que los hermanos comienzan a cantar con el delicado acompañamiento de la guitarra y unas apagadas notas de sintetizador. El corte no llega a los dos minutos de duración pero será difícil encontrar otro momento de mayor emoción que éste.

“Night in that Land” – Llegamos a la única composición de Johnny Cunningham en el disco. Johnny no se destacó por ser un compositor muy prolífico pero en sus momentos de mayor inspiración, alcanzaba un nivel de excelencia máximo. Abren su aportación como compositor a “Shadow of Time” las flautas de Brian Dunning interpretando una melodía preciosa a dos voces. Tras ella, entra la guitarra y el violín de Johnny replicando las notas de la flauta y ejecutando una serie de variaciones sobre la melodía. Cuando los miembros de Nightnoise eran interrogados sobre el tipo de música que hacían y si era folk, jazz, new age o cualquier otra etiqueta disponible, siempre contestaban que hacían “música de Nightnoise”. No se nos ocurre mejor definición para esta maravillosa composición de Johnny Cunningham que esa: Música de Nightnoise.

“This Just In” – A partir de aquí, y de forma inevitable, el disco decae un poco sin que eso suponga que el resto se piezas sean malas. En esta composición de Tríona, por ejemplo, podemos escuchar a todos los miembros del grupo en estado de gracia interpretando una alegre pieza llena de ritmo en la que demuestran una compenetración total sonando cada intervención de uno como el perfecto complemento de su compañero. En cualquier otro disco de Nightnoise, éste habría sido uno de los temas más destacados pero en éste lo tiene realmente difícil.

“For You” – Casi lo mismo que acabamos de decir del corte anterior se podría aplicar a éste, escrito por Brian Dunning. Con un tono general más pausado, como ya hacía presagiar la introducción de órgano, transcurre una balada que nos sirve para recordar a los Nightnoise de Billy Oskay, más que a la nueva versión del grupo.

“Sauvie Island” – Como empezando a despedir ya el disco, la última composición de Míchéal presente en el disco, tiene un aire melancólico, también cercano al sonido de discos anteriores, al menos hasta la juguetona aparición del violín de Johnny Cunningham que no es capaz de disimular su entusiasmo vital, ni siquiera en las piezas más pausadas.

“The Rose of Tralee” – No son muy dados los miembros de Nightnoise a incorporar versiones de otros músicos en sus discos pero en esta ocasión hacen una excepción con esta popular canción del compositor y violinista inglés del S.XIX, Charles William Glover. La interpretación que de ella hace Tríona, casi en solitario, acompañada de su piano y sintetizadores (aparecen también el resto de miembros del grupo pero sin ellos el resultado habría sido muy similar) es magnífica y es que la canción tiene mucho en común con las composiciones habituales de la única integrante femenina de Nightnoise por lo que habría pasado por propia para cualquier oyente no avisado.

“Three Little Nieces” – Como para corroborar lo anteriormente dicho, cierra el disco otra composición de Tríona, casi como prolongación de la precedente, al menos en sus primeros momentos en los que el piano propone una melodía que enseguida es acompañada por el violín y la guitarra y que termina sin sobresaltos. Una despedida en un tono tranquilo para un disco memorable.

Con “Shadow of Time”, Nightnoise superaron con nota una dura prueba: superar la salida de uno de los miembros fundadores del grupo. El cambio en la formación trajo consigo un interesante giro estilístico: desde “Something of Time”, publicado en 1987, la música del grupo estaba experimentando un giro hacia la música tradicional celta. Con la sustitución de Oskay por Johnny Cunningham, el giro debería completarse y, en efecto, fue así pero no fue el único cambio. En los trabajos anteriores, los sintetizadores habían ido ganando en presencia hasta convertirse en elemento preponderante en el disco inmediatamente anterior, “The Parting Tide”. Esa tendencia remite en el nuevo disco: hay menos sintetizadores y están empleados con un sonido mucho más natural (órganos, samples de instrumentos clásicos o, incluso, percusiones), menos electrónico que en el disco precedente. El disco fue muy bien acogido, especialmente en España, por dónde giraban habitualmente y todo hacía presagiar que la nueva formación del grupo iba a darnos grandes discos en el futuro. Desgraciadamente, las cosas no fueron así por distintas circunstancias pero eso será materia de otras entradas en el futuro. Os dejamos ahora los habituales enlaces para adquirir “Shadow of Time”:

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Billy Oskay & Míchéal Ó Domhnaill - Nightnoise (1984)

La figura de Míchéal Ó Domhnaill ha sido de una importancia capital en la música celta de las décadas de los setenta, ochenta y noventa. Nacido en una familia de músicos, tanto su padre como sus hermanas fueron en uno u otro momento, integrantes de alguno de los más interesantes proyectos surgidos en aquellos años. Si hay algo que le da más mérito a este papel preponderante de Míchéal es su instrumento. No tocaba el violín, la gaita o el acordeón sino la guitarra, artefacto habitualmente relegado en el mundo del folk irlandés a un mero acompañamiento rítmico en la mayoría de las ocasiones. La carrera de Míchéal le llevó a formar parte de formaciones de la importancia de Skara Brae y, sobre todo, la Bothy Band, considerada durante mucho tiempo como la banda más importante del universo celta irlandés, con permiso de los Chieftains.

Tras la disolución de la banda en 1979, Míchéal se juntó con uno de los integrantes de la misma, el violinista Kevin Burke e iniciaron una fructífera relación artística recorriendo su país natal y embarcándose en una gira por EE.UU. en donde decidieron establecerse. Tras un par de discos grabados como dúo: “Promenade” y “Portland”, ambos se establecieron en Norteamérica, concretamente en la ciudad de Oregón que daba título a su segundo disco. Allí, Míchéal comenzó a moverse en la escena musical local y conoció a un violinista de raíces clásicas llamado Billy Oskay (parte de cuya formación musical tuvo lugar, curiosamente, en Mallorca). El violinista trabajaba principalmente como músico de sesiones y poseía un pequeño estudio. Míchéal, quien no renegaba en absoluto de sus raíces celtas pero que buscaba moverse en ámbitos diferentes, congenió enseguida con Billy y comenzaron a grabar algunas cosillas.

Es aquí cuando entra en escena William Ackerman, cabeza visible de la discográfica Windham Hill. Mientras estaba preparando una banda sonora para la película “Country”, alguien le hizo llegar unas demos de lo que Oskay y Ó Domhnaill habían grabado. Ackerman se mostró maravillado por lo que ahí sonaba y su interlocutor le dijo: ¿conoces una banda irlandesa llamada The Bothy Band? Pues este es su guitarrista y vive a dos manzanas de aquí. Ackerman no sólo conocía el grupo sino que era un gran admirador suyo. No tardó en reunirse con Míchéal y pronto firmaron un contrato para publicar el primer disco a dúo con Billy Oskay. ¿El título? Tan poético como descriptivo: “Nightnoise”.



Míchéal Ó Domhnaill y Billy Oskay.



“Nightnoise” – Una lejana nota sostenida de violín abre el disco preludiando la primera composición de Billy Oskay para el disco. La guitarra y el bajo de Tommy Thompson, músico invitado en un par de cortes, sientan las bases para la llegada del piano, interpretado por el propio Míchéal, aunque la melodía principal, de aires jazzisticos corre por cuenta de Oskay y su violín (y Grappelli es siempre una referencia si juntamos en la misma frase las palabras “jazz” y “violín”). La pieza, rápida en su desarrollo, se hace extremadamente breve y nos da una pista de por dónde va a transcurrir todo el disco.

“The 19A” – Tras un tema de Oskay, le toca a Ó Domhnaill su turno como compositor. Aunque la pieza comienza como un dueto de guitarra y violín, la aparición de los “tin whistles” o flautas irlandesas, enriquece la composición además de darle un aire nostálgico que nos remite ligeramente a la Irlanda natal del guitarrista en una de las escasas referencias celtas que escuchamos en el disco.

“Bridges” – De nuevo, la guitarra, suave, delicadamente, comienza a sonar preparándonos para otro momento de gran sensibilidad. Casi podríamos hablar de un tema interpretado en solitario por su autor, Míchéal, ya que él es el intérprete de flautas, guitarra y armonio. Conforme progresa la pieza de modo majestuoso, como el río Williamette sobre el que se encuentran los puentes del título, van incorporándose algunas melodías de violín. A mitad del tema, la pieza cambia por completo de la mano del piano y la viola de Oskay se convierte en protagonista. La parte final, anticipada por una preciosa melodía de piano nos transporta de nuevo a los primeros compases del tema y a la guitarra de Míchéal que se despide con parsimonia.

“False Spring” – Escrita por Oskay y un tal D. Bottemiller, de quien no hemos sido capaces de encontrar mayor referencia que su aparición en los créditos de este disco, en “False Spring” escuchamos a Billy en su faceta pianística además de la ya conocida con el violín. Las teclas tienen una presencia mucho mayor que en otros cortes y la guitarra de Míchéal Ó Domhnaill se limita a un discreto acompañamiento. Es esta una composición ciertamente extraña pero muy atractiva que pasa por ser una de nuestras preferidas del disco.

“Duo” – Continuamos con las composiciones de Billy Oskay y esta pieza cuyo título nos dice todo lo que debemos saber sobre su instrumentación: violín y guitarra juntos, dialogando en una animada charla que en su primera parte pasaría sin esfuerzo por una pieza camerística de cualquier repertorio clásico para convertirse en su tramo final en una suerte de pieza de jazz con toques country realmente agradable.

“City Nights” – Cerrando este tramo de composiciones de Oskay, éste vuelve a sentarse ante las teclas del piano para interpretar una animada pieza con todo el espíritu del jazz de Nueva Orleans pero pasado por un filtro de elegancia clásica que iba a convertirse en el sello principal del dúo que pronto pasaría a denominarse Nightnoise tras ampliarse a cuarteto. El dinamismo de la música de Oskay hizo recomendable la aparición, por segunda vez en el disco, del bajista Tommy Thompson.

“After Five” – Con sólo escuchar la pausada introducción de guitarra, estamos en condiciones de reconocer ya la autoría de Míchéal Ó Domhnaill en esta composición en la que volvemos a escuchar un dúo de guitarra y violín durante los minutos iniciales hasta la incorporación de flautas y armonio en el segmento central, transportándonos a los verdes prados de Donegal, donde Míchéal pasó su infancia.

“Menucha (A Place With Water)” – La última de las aportaciones de Oskay como autor al disco continúa con la misma línea de las anteriores. Hay una diferencia apreciable entre la música de uno y otro intérprete: mientras que las composiciones de Oskay suelen presentar varios cambios de ritmo y alternar el protagonismo de los instrumentos, las de su contrapartida son piezas con una mayor cohesión interna, más compactas. El mérito del dúo es conjugar estas dos formas de componer para elaborar un disco absolutamente coherente y conjuntado. Nightnoise hacen que esto parezca fácil cuando no lo es en absoluto.

“The American Lass” – Cierran el disco dos temas escritos por Míchéal Ó Domhnaill. El primero de ellos quizá sea el más intrascendente por cuanto no aporta ninguna novedad sobre lo escuchado anteriormente. No es que sea una composición prescindible ni por asomo pero puede dar la impresión de ser una despedida anticipada del disco que no nos dejaría con el buen sabor de boca del final real.

“The Cricket’s Wicket” – Y es que el cierre de “Nightnoise” lo iba a poner una de las composiciones más memorables de Ó Domhnaill que es, a su vez, una de las pocas que se mantuvo en el repertorio de los futuros Nightnoise hasta su desaparición. Los primeros minutos de la pieza son un diálogo guitarra-piano muy melancólico, casi parsimonioso y nada hace presagiar el cambio que tiene lugar cuando se hace el silencio y el violín de Oskay comienza a desgranar una melodía de aires clasicistas al unísono con el piano. Junto a ambos instrumentos, comienza a juguetear una alegre flauta llevándonos a la siguiente estación. Allí, la guitarra y el armonio vuelven a navegar por los tiempos lentos durante unos instantes previos al gran final: la guitarra adopta un aire de marcha y el “tin whistle” entona una melodía de inspiración celta que suena como una liberación acompañada en segunda instancia por la viola de Oskay. “The Cricket’s Wicket” es una maravilla de principio pero lo mejor es que anticipa lo que puede dar de sí el dúo Oskay-Ó Domhnaill en el futuro y le da forma al sonido de lo que algo más tarde se llamaría Nightnoise.

La pareja de músicos había puesto la primera piedra de algo que podía llegar a ser muy grande pero las cosas van a su ritmo y la materialización de Nightnoise como grupo iba a tardar aún un poco. Tríona Ní Dhomhnaill, hermana de Míchéal y antigua componente tanto de Skara Brae como de la Bothy Band, siguió los pasos de su hermano y se trasladó a EE.UU. tras la separación de la banda, aunque ella lo hizo a Carolina del Norte invitada por Mike Cross. Allí formó parte de Touchstone, banda que combinaba la música celta con el country y algo de bluegrass. En 1983 se trasladó a Portland con su hermano y comenzaron una nueva andadura en lo que fue el gran supergrupo de la música celta: Relativity, integrado por los Ó Domhnaill y por los Cunningham, los hermanos Johnny y Phil, miembros ambos de Silly Wizard, legendaria formación escocesa, hoy considerada un clásico del género celta. Por otro lado tenemos a Brian Dunning, excepcional flautista irlandés que, tras formarse junto a la leyenda del instrumento, James Galway, completó sus estudios en el Berklee College of Music, prestigiosa institución de la costa este norteamericana. Dunning se inclinaba por el jazz pero seguía fiel a sus raíces celtas. En 1984 formó el dúo Puck Fair junto con el percusionista Tommy Hayes. Ambos contactaron con Ó Domhnaill y Billy Oskay junto a quienes grabaron “Fair Play”, primer disco de la formación en el estudio del propio Oskay. El disco acabaría siendo publicado en 1987 por Windham Hill, el sello que editaría los discos de Nightnoise.

Tenemos, por tanto, al dúo Oskay-Ó Domhnaill al que se añaden Tríona Ní Dhomhnaill y Brian Dunning o lo que es lo mismo, una pianista consumada y un virtuoso de la flauta clásica. Si a ello añadimos que las nuevas incorporaciones son también compositores, encontramos el caldo de cultivo perfecto para formar un grupo de gran potencial. La primera muestra del mismo fue “Something of Time”, disco del que hablamos aquí hace tiempo, pero hubo mucho más de lo que hablaremos en próximas entradas del blog ya que Nightnoise son una de nuestras formaciones favoritas, representativas de toda una época y una forma de hacer música. Desgraciadamente, no es nada sencillo hacerse con una copia del disco que dio comienzo a la trayectoria de Nightnoise a buen precio. Una de las pocas que hemos hallado:

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Para despedirnos, os dejamos una versión en directo de Nightnoise, ya como cuarteto, de "The Cricket's Wicket". La imagen es mala y el sonido mejorable pero se puede apreciar toda la calidad de la pieza y los intérpretes, en su mejor momento:

Jeroen Van Veen - Minimal Piano Collection (2006)

Cuando eres aficionado a escuchar músicas distintas a las que habitualmente suenan en la radio o en la televisión, una pregunta que escuchas a menudo por parte de aquellos conocidos con más inquietudes es: ¿qué discos me recomendarías para empezar a escuchar a tal autor? O bien: ¿cuáles son las obras más representativas de ese tipo de música?

Para responder a esa cuestión, pensareis, las discográficas inventaron hace ya mucho tiempo los discos recopilatorios. Sin embargo, conforme nos vamos alejando de los estilos mayoritarios, la cantidad de compilaciones disponibles centradas en un determinado género se acerca peligrosamente a cero. Hoy hablaremos de una serie de grabaciones que, sin ser un recopilatorio al uso (no se trata de versiones originales sino de nuevas interpretaciones), sirven perfectamente como puerta de entrada en un género tan árido en principio como es la música minimalista.

El protagonista de las grabaciones incluidas en la caja que hoy nos ocupa es el pianista holandés Jeroen Van Veen. Tras completar su formación y tocar junto a algunas de las más destacadas orquestas así como en recitales puramente pianísticos, comenzó a centrar su repertorio en la música contemporánea con especial incidencia en aquellos compositores más cercanos a lo que hoy conocemos como minimalismo (aunque no es exclusiva su dedicación a este estilo, por ejemplo, su grabación de “Les Noces” de Stravinsky fue considerada por algunos críticos como la mejor jamás registrada de la obra). Quizá el gran hito de su carrera fuera el descubrimiento de la música del también holandés, Simeon Ten Holt, cuyas obras ha grabado en varias ocasiones llegando a completar y editar la integral de su obra para múltiples pianos.

En el año 2006, Van Veen edita en el sello Brilliant Classics una caja de nueve discos titulada “Minimal Piano Collection” a un precio extraordinariamente asequible que, desde entonces, es nuestra principal recomendación para aquellos que nos formulan cualquiera de las preguntas con las que abríamos la entrada unos párrafos más arriba. La elección de los artistas aparecidos en la caja es algo desconcertante en un principio tanto por algunas presencias (Eric Satie, John Cage o, atención, el filósofo alemán Friedich Nietzsche en su poco conocida faceta de compositor) como por algunas ausencias (Steve Reich o LaMonte Young). También llama la atención, a primera vista, lo descompensada que está la aportación de los distintos compositores, siendo Philip Glass el más representado al ocupar hasta un tercio de la duración de la caja. Todo ello tiene su explicación: Van Veen es pianista y, con una sola excepción, todas las piezas de la colección están escritas para piano sólo. Esto limita la presencia de compositores cuya producción se ha centrado en otras formaciones instrumentales y tiene, por fuerza, que potenciar la aparición de aquellos cuyo repertorio pianístico es más amplio. La incidencia en el término “piano sólo” no es anecdótica ya que el propio Van Veen ampliaría en el futuro esta caja con un segundo volumen centrado en obras para múltiples pianos y que, seguramente, terminará apareciendo por aquí más adelante.



EL pianista Jeroen Van Veen



En los créditos de la caja, se indica que todos los discos fueron grabados en la Iglesia de Santa Bárbara, en Culemborg entre el 23 y el 28 de octubre de 2006. Esto es importante porque el contenido del primer CD es exactamente el mismo que apareció en 1999 en otro disco de Van Veen titulado “Minimal Piano Works”, dedicado a la música de Philip Glass. Entendemos que, aunque esto sea así, lo aparecido en la caja son todas nuevas versiones. Contiene ese primer disco parte de la música más popular del compositor norteamericano para piano sólo, incluyendo sus cinco “Metamorphosis”, “Mad Rush”, “Wichita Vortex Sutra” y dos versiones del “Opening” de “Glassworks”, una fiel a la original y otra con arreglos propios de Jeroen. Casi todos los discos que hemos escuchado a cargo de distintos pianistas acercándose a la música de Philip Glass incorporan una selección muy similar de músicas que, por otra parte, casi calca el contenido del disco “Solo Piano” publicado por Glass en 1989. Las versiones de Van Veen se cuentan entre nuestras favoritas de todas las que hemos podido disfrutar en estos años (y en el caso de alguna de las piezas en concreto, superan la decena). En el video podeis ver a Jeroen interpretando "Mad Rush":

El segundo volumen contiene una amplia selección de temas de la adaptación al piano que Michael Riesman hizo de la música escrita por Glass para la banda sonora de la película “Las Horas” y se completa con uno de los temas que el compositor realizó para “El Show de Truman” y otra versión del “Opening” de “Glassworks” para cerrar con la adaptación de la fanfarria que Glass compuso en 1984 para el encendido del pebetero de los JJ.OO. de Los Ángeles’84.

El tercer disco dedicado a Glass se abre con una miniatura del músico titulada “Modern Love Waltz”, seguida por la versión para piano de “How Now”, la composición más puramente minimalista de todas las incluidas en la caja a cargo del músico de Baltimore. Tiene, además, el atractivo de ser la primera grabación de la pieza para piano sólo ya que la otra disponible recoge la versión original para grupo. Como colofón del disco, se incluye la “Trilogy Sonata”, que algunos nombran como la Sonata No.1 para piano de Glass, aunque, en realidad, es una adaptación hecha por el también pianista Paul Barnes de tres movimientos extraídos, respectivamente, de las óperas “Einstein on the Beach”, “Satyagraha” y “Akhnaten”. La sonata cuenta con el beneplácito de Glass y son varios los pianistas que han dejado constancia grabada de sus propias interpretaciones.

En 2002, Jeroen Van Veen publicó un segundo volumen de “Minimal Piano Works” con obras de Arvo Pärt, John Cage, Erik Satie, etc. Éste cuarto CD de la caja que hoy comentamos se parece mucho a aquel aunque, insistimos, siempre se trataría de nuevas grabaciones. Abre el disco “China Gates” de John Adams, pieza que no aparecía en el citado CD, para continuar con dos ejemplos del escaso repertorio para piano de Arvo Pärt: “Für Alina” y las “Variationen zur Gesundung von Arinuschka”. “In a Landscape” de John Cage, “Solodevilsdance” de Simeon Ten Holt, “Das Fragment Von Sich” de Friedrich Nietzsche y “Vexations” de Erik Satie repiten con respecto al “Minimal Piano Works Vol.II” y se añade para cerrar el disco “Avatara” del también holandés John Borstlap. Resulta de particular interés este disco concreto dentro de la caja puesto que muchos de los compositores tendrían un difícil encaje a priori en la definición de minimalismo. Por razones meramente generacionales, es evidente que Nietzsche, quien no llegó a conocer siquiera el siglo XX, no tendría nada que ver con esa corriente. Satie, en cambio, sí que es citado en ocasiones como uno de los precursores del estilo. La obra aquí incluida, sus “vejaciones”, estaba escrita para que la ejecución de su partitura se repitiese 840 veces en cada representación lo que, a su modo, tendría mucho en común con algunas de las piezas seminales del minimalismo. John Cage, quien no necesita presentación alguna en este blog, pone alguno de los ladrillos sin los que el edificio minimalista jamás habría podido elevarse hasta la altura actual. Las piezas de Pärt del disco suenan minimalistas sin serlo en absoluto, lo cual no deja de ser una paradoja y la de John Adams lo hace intentando no serlo con lo que resulta especialmente irónica su inclusión en la colección.

Tras el repaso a algunas músicas proto minimalistas y filo minimalistas del disco anterior, el quinto volumen nos muestra dos autores y dos obras que podríamos llamar post minimalistas: Yann Tiersen y Michael Nyman, centrándose pero no de modo exclusivo en dos de sus bandas sonoras más populares: “Amelie” en el caso del francés y “The Piano” en el del británico. En su mayoría, la música de “Amelie” estaba sacada de trabajos anteriores de Tiersen con lo que el hecho de que aquí se vea complementada por cortes de esos trabajos, especialmente de “Rue Des Cascades” no debe sorprender a nadie. El minimalismo de Tiersen tiene mucho que ver con la escuela europea de Wim Mertens, por ejemplo, que con la original norteamericana y su escucha es fácil y placentera. Otro tanto podemos afirmar de Nyman (otra clara influencia de Tiersen, por otra parte) y de su música para “El Piano”, de la que aquí se adaptan cuatro fragmentos (dos de ellos por duplicado). Otras de sus bandas sonoras con representación en la recopilación son “A Zed and Two Noughts”, “Drowning By Numbers” o la inédita “Enemy Zero”. A continuación, Van Veen tocando el tema principal de "Amelie":

Los dos siguientes volúmenes se centran en la propia obra de Jeroen Van Veen, concretamente en los 24 preludios que integran sus dos primeros libros dedicados a este tipo de composición. Queremos detenernos un poco en estos dos discos como homenaje al intérprete en su faceta de compositor. ¿A qué suena Van Veen cuando toma la pluma y escribe su propia música? Pues encontramos retazos de todos los artistas a los que interpreta aquí pero también una interesante voz propia. El preludio nº 2, por ejemplo, tiene un inconfundible aroma glassiano, el nº 4 recuerda por momentos a Michael Nyman y también a Ludovico Einaudi, el nº 6 podría firmarlo Yann Tiersen y la estructura rítmica del nº 8 trae inmediatamente a nuestra mente “Piano Phase” de Steve Reich. La frenética secuencia de notas del inicio del nº 13 tiene todas las características del “Soloduiveldans” de Simeon Ten Holt. Pero como es lógico, no todo son similitudes y encontramos piezas realmente bellas como el preludio nº 5, el nº 14 o el nº 18. A grandes rasgos, podemos señalar que la música de Van Veen se acerca a un minimalismo europeo mucho más amable y fácil de escuchar que el americano de los primeros años del género. Podeis escuchar el "Prelude No.6" a continuación:

El octavo disco de la caja se centra en “An Hour for Piano” del compositor norteamericano residente en París, Tom Johnson, quizá el músico que mejor se adapta a la etiqueta minimalista, por propio convencimiento. Sus procesos compositivos son rígidos y estrictos con pocas concesiones a la inspiración. Por el contrario, su rigor matemático termina por construir armazones de gran solidez como esta hora para piano. A título anecdótico, señalaremos que sus títulos acostumbran a ser descripciones exactas de lo que vamos a escuchar. Imaginaos cómo sonará su “Ópera de cuatro notas” o su “Órgano y silencio”. Junto a su tremenda hora para piano, escuchamos en el disco el clásico “Struggle for Pleasure” de Wim Mertens, viejo conocido del blog y “Postnuclear Winterscenario No.1” de Jacob ter Veldhuis, ecléctico músico holandés que proviene del mundo del rock aunque con formación clásica cuya producción abarca campos como la electrónica (especialmente el mundo del sampler), el rock y la música de cámara.

Cierra la colección, como no podía ser de otro modo la que para muchos es la obra fundacional de todo el movimiento minimalista: “In C” de Terry Riley, única pieza de la caja en la que Van Veen utiliza otros instrumentos (sintetizadores, principalmente) además del piano. No nos parece la mejor de las versiones de la obra que hemos oído pero no podía faltar. Junto a ella, completan el disco dos piezas de Klaas de Vries, compositor holandés seguidor confeso de Steve Reich: “Toccata Americana” y “Echo” y los “Three Minimal Preludes” de Carlos Michans, argentino nacionalizado también holandés.

Hay un cierto sesgo hacia lo holandés, lógico al ser ésta la nacionalidad del intérprete de los discos, lo que no empaña en modo alguno nuestra valoración general de la caja. Los principales baluartes del minimalismo, con las excepciones que indicamos al principio, se encuentran bien representados y la aparición de autores menos conocidos no hace sino aumentar la paleta sonora dándonos una visión más amplia de un género que cada día nos parece más vivo y que está impregnando a músicas y estilos muy distintos a cada momento. Os dejamos un par de enlaces en los que adquirir la caja de 9 discos:

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