Arvo Pärt - Litany (1996)

La música de Arvo Pärt se encuentra entre las más populares y también entre las más interesantes de nuestro tiempo y buena parte del mérito se la debemos al empeño de Manfred Eicher, fundador del sello ECM y una de las personas que mayor interés se tomó en la difusión de la obra del compositor estonio. En 1984, Eicher inauguraba la división “ECM New Series” de su sello en la que iba a lanzar trabajos relacionados con lo que podríamos llamar música culta, para diferenciarse de la rama principal de la compañía, más centrada en el “jazz” contemporáneo. El primer disco publicado en el nuevo sub-sello fue “Tabula Rasa” de Arvo Pärt tras el cual Eicher y el compositor asentaron una relación que llevó a que la mayor parte de los estrenos de Pärt verían la luz en ECM, algo que se ha venido manteniendo hasta nuestros días.

En 1996 apareció “Litany”, un disco que recogía tres obras recientes en aquel momento (siendo estrictos, dos obras recientes y un arreglo de otra pieza antigua). Participan en él la Hilliard Ensemble integrada por David James (contratenor), Rogers Covey-Crump (tenor), John Potter (tenor) y Gordon Jones (bajo), la Tallin Chamber Orchestra y el Estonian Philharmonic Chamber Choir dirigidos ambos por Tönu Kaljuste, interviniendo todos en la pieza central que dá título al disco. Las dos obras e complemento son ejecutadas por la Lithuanian Chamber Orchestra con Saulius Sondeckis a la batuta.

Arvo Pärt junto a Paul Hillier

“Litany” - Encargo del Oregon Bach Festival, esta pieza para coro, orquesta de cámara y solistas se estrenó en 1994 y ocupa la parte principal del disco. Las voces comienzan a sonar surgiendo de lo más profundo y nos remiten a Perotin o Tomás Luis de Victoria, referencias, especialmente la primera, muy presentes en la música coral de Pärt. Cuerdas y coro emergen también poco a poco y todo sucede de un modo extremadamente pausado, algo que requiere del oyente toda la atención posible para disfrutar de los matices de la partitura en su justa medida. Sólo las campanas tubulares y los metales se salen en algún instante de la línea de extrema pausa pero sólo para volver a quedar ocultas poco después hasta que, con una breve fanfarria asistimos al primer cambio importante de la obra que pasa a estar dominada por la orquesta en pleno y los coros, mucho más potentes ahora que en los minutos iniciales. El ecuador de la obra lo marcan los timbales que presentan de nuevo al coro, ahora junto con las cuerdas en un discurso muy contemporáneo que nos reconcilia con el mejor Pärt. El resto de la obra es un precioso “in crescendo” que nos recuerda la intensidad de su “Cantus” en recuerdo de Benjamin Britten, una de las composiciones más emocionantes del repertorio del compositor estonio.

“Psalom” - Revisión de 1995 de la composición de 1984. Siempre nos ha encantado la música del Pärt estrictamente instrumental y esta breve composición sigue la tradición de piezas como “Summa” (en su versión para cuerdas). Con un material muy escueto, el compositor construye una obra de gran belleza en la que demuestra que muchas veces, en música, menos es más.

“Trisagion” - Cierra la colección esta pieza orquestal de 1992 revisada en 1995 de cara a esta grabación. Se trata de una obra con muchos puntos en común con la anterior aunque su duración sea más o menos el doble. Pärt maneja las cuerdas con templanza en la primera parte de la composición para redoblar su intensidad en la segunda en la que reconocemos al autor del “Collage über B-A-C-H”. Un magnífico ejemplo de la obra de Pärt que, no en vano, ha sido incluido en la reciente recopilación de lo mejor de su obra, aparecida en ECM bajo el título de “Musica Selecta”.

No es fácil para un compositor contemporáneo superar las barreras del círculo de la música “culta” y hacer que su obra sea conocida por parte de un público más general. Más complicado, si cabe, se nos antoja cuando hablamos de un músico profundamente religioso y cuya obra está muy relacionada con su fe. Sin embargo, Arvo Pärt lo ha conseguido de forma notable y su música llega hasta nosotros en las formas más diversas, incluida su presencia en multitud de bandas sonoras de películas de todo tipo, desde “Las Invasiones Bárbaras” hasta “Pozos de Ambición” pasando por auténticos “blockbusters” como la última entrega de “Los Vengadores”. En el blog siempre le guardaremos un lugar muy destacado entre nuestros compositores predilectos y no dejaremos de recomendar su obra.

Vangelis - Mythodea (2001)

En el año 1993, Vangelis se encontraba a medio camino entre dos de sus proyectos más reconocidos a nivel popular y también por parte de la crítica musical. Aún saboreaba las mieles del éxito de una de sus bandas sonoras más aclamadas, la de la película de Ridley Scott “1492, Conquest of Paradise” y preparaba ya el lanzamiento más esperado de su larga carrera: la edición, por fín tras tantos años, de la música de “Blade Runner”.

Cualquiera pensaría que todo el tiempo del compositor estaría dedicado a ese esfuerzo pero no era así. Es conocido el desdén de Vangelis por todo lo relacionado con el mundo discográfico así como su escaso interés por publicar su música. El griego, sin embargo, vive dedicado a ella al 100% y la cantidad de obras grabadas de las que dispone en sus archivos supera con creces a las que han sido publicadas en algún momento. No obstante, de vez en cuando acepta algún proyecto que supone cierta exposición pública a pesar de ser bastante reacio, por norma, a ese tipo de situaciones. Eso fue lo que ocurrió en 1993 cuando recibió la propuesta de realizar un concierto benéfico en el Odeon de Herodes Atticus, en plena Acrópolis ateniense. Desde que en 1988 concibió el sistema “direct” mediante el cual, Vangelis podía grabar de forma inmediata cualquier idea que le pasara por la cabeza, su forma de concebir la composición musical cambió hasta el punto de que prácticamente toda su obra desde entonces está basada en la improvisación. No es de extrañar entonces que, como él mismo indica, compusiera “Mythodea” en apenas una hora. La obra, cuyo título juego con los conceptos de “mito” y “oda” sería interpretada por el propio Vangelis acompañado de dos arpistas, dos cantantes, un coro y una sección de percusión el 13 de julio de 1993.

La obra quedó como una más de una larga serie de composiciones del autor que han sido interpretadas en alguna ocasión sin llegar a ser publicadas nunca en forma de disco como la música de “Frankenstein” para ballet o el oratorio “Antígona” y ahí seguiría de no ser por el interés mostrado en ella por Peter Gelb. El actual director de la Metropolitan Opera de Nueva York era por aquel entonces el presidente de Sony Classical Records, sello al que quiso dar un giro a partir de su nombramiento en 1995 mediante la publicación de una serie de obras ajenas al repertorio estrictamente clásico además de estimular el lanzamiento de trabajos en los que estrellas de la clásica y el pop compartían repertorios de ambos mundos. En el año 2000, Sony Classical añadió a su nómina de artistas a Vangelis y, para su debut, el músico griego le envió una serie de grabaciones entre las que se encontraba el concierto de presentación de “Mythodea” de 1993. Gelb decidió que esa sería la obra escogida y preparó con el compositor una nueva versión en la que participaría una gran orquesta además de algunas voces de renombre del catálogo de Sony.

Como parte de la campaña promocional del disco, Gelb alcanzó un acuerdo con la NASA mediante el cual “Mythodea” sería la música oficial de la misión de la Mars Odyssey en 2001. Todo ello culminaría con un nuevo concierto de presentación de la obra en su nueva versión expandida con algunos pasajes musicales nuevos además de la participación de la orquesta. Los arreglos fueron realizados por Blake Neely, quien ha realizado tareas similares para otros compositores como Hans Zimmer o James Newton Howard. Además de la London Metropolitan Orchestra, el Coro de la Ópera Nacional de Grecia y de dos grupos de percusión griegos, en el disco participarían dos de las estrellas del sello Sony Classical en aquel entonces: las sopranos Kathleen Battle y Jessye Norman. El disco fue terminado y poco después tuvo lugar el concierto de estreno en el Templo de Zeus Olímpico, cercano a la Plaza Syntagma y estuvo rodeado de cierta polémica por el dinero invertido y el uso de monumentos históricos para fines particulares.

Imagen del concierto de 2001.

“Introduction” - Comienza el trabajo con un prólogo atmosférico de lento desarrollo en el que se suceden sonidos electrónicos sin llegar a tomar forma. Llega a hacerse demasiado largo y nos parece del todo prescindible.

“Movement 1” - No hemos escuchado nunca la versión original de 1993 de la obra pero sabiendo que hubo añadidos de cara a su publicación en este disco, queremos pensar que el primer movimiento de la obra de 2001 fue uno de ellos. ¿La razón? el trabajo original no tenía ninguna relación con el espacio y mucho menos aún con el planeta Marte. Sin embargo, el ritmo de esta pieza nos parece un guiño nada casual al “Mars” de Gustav Holst, perteneciente a su célebre obra “The Planets”. Sobre ese fondo bélico escuchamos los inconfundibles sintetizadores del compositor griego dibujando un paisaje épico a más no poder con un magnífico duelo entre las secciones masculina y femenina del coro, en la linea de los mejores momentos de obras como “Heaven and Hell”, “Mask” o la más reciente “1492, Conquest of Paradise”. Las cuerdas, por su parte, apuntan más hacia el citado “Mask” que a cualquiera de los otros ejemplos. Un comienzo sensacional que recupera al mejor Vangelis y que está muy por encima, en nuestra opinión, de cualquier otra cosa publicada por el músico en todos aquellos años en discos como “Voices” u “Oceanic”.

“Movement 2” - La solemnidad de las percusiones abre el siguiente tema, repentinamente reflexivo y con una imponente presencia del coro masculino que interpreta una melodía de influencia bizantina. Escuchando el disco en 2001, cualquier oyente se remitiría a “El Greco”, publicado en 1998 pero escrito más tarde que Mythodea (las primeras versiones de ambas obras son de 1995 y 1993 respectivamente). La pieza se vuelve contemplativa por momentos pero siempre hay sitio para esos espectaculares “in crescendo” del compositor griego que terminan erizando el vello al más pintado.

“Movement 3” - La mirada hacia la música tradicional griega se completa con este tercer movimiento en el que la electrónica de Vangelis se disfraza de psalterios y cítaras para interpretar una melodía de gran belleza y sabor antiguo. Intervienen por primera vez las dos sopranos invitadas junto con las arpistas para crear un momento maravilloso y lleno de sensibilidad.

“Movement 4” - Una flauta sintética marca el comienzo de la siguiente sección que es también la más extensa de todo el trabajo. De nuevo las voces de Kathleen Battle y Jessye Norman se baten en un duetto muy inspirado con el coro y los sintetizadores (ahora sí) como testigos privilegiados. La orquesta conduce la acción de un modo casi inapreciable hasta la segunda aparición de la flauta, esta vez como transición hacia un fragmento muy diferente, menos brillante al que pone fin ¿quién si no? la flauta de nuevo que nos hace transitar hacia otra sección coral con las arpas siempre presentes y unas cuerdas que son reflejo del Vangelis más popular, el de “Chariots of Fire”. Evoluciona muy rápido entonces la pieza hacia un momento de mayor intensidad y brillantez sinfónica; uno de los instantes más logrados del disco que culmina en un largo pasaje de percusiones que hacen temblar toda la escena.

“Movement 5” - La orquesta toma el relevo de los sintetizadores para proporcionar a Jessye Norman la oportunidad de ejecutar lo que podríamos llamar un “aria” muy contenida y con momentos de gran delicadeza antes de verse “sepultada” por el coro de camino a un fragmento tremendamente poderoso con los timbales marcando un ritmo constante y el coro retando a la cantante a darlo todo en rotundas notas agudas ejecutadas a la perfección. Un lamento emotivo que, a nuestro juicio, deja pequeños intentos anteriores del músico por hacer algo similar (pensamos en “Glorianna” del disco “Direct”, por ejemplo).

“Movement 6” - El sexto movimiento de la obra comienza con sonidos familiares al oído del seguidor de Vangelis, son timbres y atmósferas propias de bandas sonoras como “Antarctica” o “The Bounty” que desembocan en una nueva canción que vuelve a traer a nuestra memoria el tema anteriormente citado de “Direct”. El coro entona una melodía que se encuentra entre las mejores del disco aunque su corta duración hace que no se la aprecie convenientemente hasta que no se le han dado unas cuantas escuchas al trabajo.

“Movement 7” - Tras el momento más intimista, Vangelis vuelve a terrenos grandilocuentes en los que se alterna la emoción y la contención cuando esperamos un desenlace poderoso que no termina de llegar. Se diría que estamos en una serie de movimientos cuyo único fin es el de llevarnos hacia un final glorioso. Escuchamos aquí claramente lo mejor del Vangelis sinfónico de “Heaven and Hell” y la larga “suite” de la “cara b” de “Chariots of Fire” pero siempre encaminado a lo que vendrá después: al gran momento de la obra.

“Movement 8” - Flautas, percusiones y alguna voz abren esta nueva transición que bien podría formar parte del corte anterior, dadas sus similitudes formales. Un pequeño receso nos regala algún apunte de melodía que no tardaremos mucho en escuchar desarrollada y convertida en la joya de la corona, la culminación de “Mythodea” que llega en el penúltimo movimiento.

“Movement 9” - No puedes tener a dos divas como Kathleen Battle y Jessye Norman a tu disposición sin aprovecharlas para que interpreten un pasaje a su altura y Vangelis, acostumbrado a tratar con otras grandes de la ópera como Montserrat Caballé, no decepciona y escribe (es un decir, siendo el griego un músico que ignora los rudimentos del solfeo) un duetto memorable, una melodía gloriosa que justifica sobradamente todo lo demás.

“Movement 10” - Después de la belleza incomparable del movimiento anterior, no se nos ocurre una forma adecuada de poner fin a “Mythodea”. Por ello, el recurso de retomar el rotundo tema del primer movimiento parece acertado. Con su nada velada referencia a Holst, además, cierra el trabajo recordando la misión a Marte de la NASA que sirvió como excusa para el espectáculo.

Somos conscientes de que muchos aficionados a la música de Vangelis se muestran desconcertados cuando no directamente descontentos con la faceta, llamemosle clásica, que el compositor comienza a explorar a mediados de los noventa con trabajos en los que los sintetizadores son un instrumento más y no los protagonistas absolutos de la música. Ese Vangelis alejado de secuenciadores y cajas de ritmos y, a decir de muchos, pretencioso, que trata de ocupar un lugar del que no es digno, nos parece, sin embargo, fascinante. Diríamos más aún: creemos que es el camino más acertado para un músico que se ha situado voluntariamente al margen del mercado y del que sospechamos que guarda muchas obras de estas características en sus estudios de las que nunca sabremos nada. A sabiendas de que no es una opinión general, proclamamos nuestra admiración por el Vangelis de “El Greco” y “Mythodea” por encima de cualquier otra obra que hayamos escuchado del músico en los últimos 25 años. En todo caso, nunca está de más revisar esta obra de vez en cuando.

Nos despedimos con un fragmento del cuarto movimiento de la obra extraído del concierto de 2001:

Hendrik Andriessen - The Four Chorals and Other Organ Music (2015)

La historia de la música es abundante en sagas familiares, en apellidos que aparecen una y otra vez procedentes de árboles genealógicos comunes. Hoy traemos al blog a un miembro de una de esas dinastías: el holandés Hendrik Andriessen. Su padre, Nicolaas, fue organista y su hermano Willem, pianista. Lejos de terminar con él la vinculación musical de su apellido, sus hijos Jurriaan y Louis son también compositores y su hija Heleen, flautista.

Nuestro primer interés por un miembro de la familia recayó en Louis, compositor de corte minimalista cuya obra aparecerá por aquí en algún momento. Fue buscando algunas cosas suyas que dimos con el disco que hoy tenemos aquí, publicado recientemente por Brilliant Classics, en el que se recogen varias composiciones para órgano de Hendrik. Profundamente religioso, Hendrik tardó en entrar en el conservatorio (lo hizo a los 22 años) pero antes de eso ya había aprendido a tocar el piano y el órgano asistiendo a clases privadas con el organista titular de la ciudad de Haarlem en su etapa como redactor de un periódico católico local.

La conjunción de su fé y de su devoción por el órgano, ayudadas quizá por el tardío acercamiento a la educación musical “formal” hicieron que Hendrik desarrollase una gran capacidad de improvisación que le granjeó cierta fama en la época (comenta su hijo Louis en las notas del disco que incluso los fieles protestantes de las congregaciones locales asistían a los oficios de la catedral sólo para escucharle tocar). Su obra, sin embargo, no se circunscribe al órgano ni mucho menos y abarca un gran número de piezas orquestales, incluyendo cinco sinfonías, música de cámara y coral e incluso dos óperas. Su catolicismo hizo también que se interesase mucho más por la música francesa que por la alemana (solía criticar amargamente el romanticismo alemán) y llegó a trabar amistad con Marcel Dupré o Milhaud. También escribió un extenso ensayo sobre la obra de Cesar Frank. Durante la ocupación nazi, su rechazo hacia el régimen le valió ser vetado y la exclusión de sus obras de cualquier programa de conciertos aunque tras el final de la Segunda Guerra Mundial se convirtió en una figura importante en la cultura holandesa llegando a dirigir el Real Conservatorio de La Haya.

En el disco escuchamos la interpretación de Benjamin Saunders en el órgano de la Catedral de Leeds de varias piezas, entre ellas las “Cuatro Corales”, que, aunque escritas en diferentes épocas, conforman, quizá, la obra más relevante del repertorio de Hendrik, fallecido en 1981 a los 89 años de edad. El instrumento, restaurado en 2009, ofrece un sonido impresionante y es protagonista ya de varias grabaciones en los sellos Brilliant, Herald o Harmonia Mundi (con Saunders siempre al frente).

El compositor Hendrik Andriessen

“Premier Choral” - Escrita en 1913, a decir de los expertos debe mucho a la influencia de Cesar Frank. El sonido es siempre majestuoso, alejado de cualquier virtuosismo superfluo y muy acorde con la idea de su compositor de utilizar una gran órgano ubicado en un lugar dotado de una acústica igualmente amplia.

“Sonata da Chiesa” - La siguiente pieza está fechada en 1927 y se estructura bajo la forma clásica de tema y variaciones explotando en cada una de las seis la espectacular gama cromática del órgano de la Catedral de Leeds. El motivo central tiene alguna reminiscencia de “La Folia”, melodía recurrente en compositores de todas las épocas.

“Deuxième Choral” - La segunda coral data de 1916 aunque el propio autor hizo una revisión en 1965. De nuevo la influencia de Frank es notable en esta obra que, vista casi cien años más tarde de su creación, nos suena muy contemporánea, muy “cinematográfica” a falta de mejores palabras para describirla. La marcha con la que se cierra la coral es verdaderamente emocionante.

“A Quiet Introduction” - Según las notas que acompañan al disco, se trata de la última obra para órgano escrita por Andriessen. Se publicó en 1970 y encierra una melodía realmente bella dentro de un entramado lleno de sutileza en el que se explora el potencial introspectivo del que quizá sea el instrumento más grandilocuente del repertorio clásico.

“Troisième Choral” - La tercera coral, completada en 1920 refleja ya un estilo más personal abandonando las influencias de las dos primeras. Contrasta especialmente con la pieza que la precede en el programa por su tremendo despliegue de energía, capaz de dejar al oyente petrificado desde el comienzo hasta el final de la misma.

“Offertorium” - Una de las pocas composiciones de Andriessen especialmente escritas para acompañar la liturgia católica. Escrita en 1962, huye de toda espectacularidad para dotar de solemnidad al ofertorio, parte central en la misa previa a la eucaristía.

“Quatriéme Choral” - Apenas un año después de la anterior, completó Andriessen el ciclo de cuatro corales aunque ésta cuarta también fue revisada tres décadas después, en 1951. Formalmente la tercera y la cuarta de las corales tienen una gran similitud entre sí lo que las hace especialmente aptas para su interpretación conjunta.

“Theme and Variations” - Cierra el disco una obra de 1949 que es una de las más interpretadas de su autor junto con las corales. Está dedicada a la organista Susi Jeans quien invitó en aquel entonces a Andriessen a Inglaterra para presentar su música.

No solemos mirar tan atrás en el tiempo a la hora de hablar de compositores en el blog, salvo para aquellos cuya influencia ha sido capital en el devenir de la música en las décadas más recientes. La excepción de hoy viene motivada por el parentesco de Hendrik con Louis Andriessen además de por el valor de la obra en sí, de gran belleza. El hecho de que la grabación pertenezca al sello Brilliant Classics, lo que supone un precio accesible a cualquier persona, es una razón más para recomendar a un compositor poco conocido fuera de su país pero con mucho que ofrecer.