Un lugar donde hablar de música y compartir opiniones con el único ánimo de ampliar gustos musicales y, acaso, descubrir nuevos artistas al eventual lector.
En 1997, en medio de una investigación para la composición de una obra en la que estaba trabajando en aquel entonces, Michael Nyman descubrió el libro de David King, “The Commissar Vanishes” en el que se hablaba de la falsificación fotográfica que tuvo lugar en la Unión Soviética de Stalin con el objeto de eliminar a determinadas personas que habían caído en desgracia para el régimen, de las fotos en las que aparecían junto a importantes personalidades del estado. Este borrado sistemático se hizo con profusión y en él llegaron a participar artistas tan notables como el fotógrafo Aleksandr Rodchenko. La inspiración fue casi inmediata y decidió componer una obra a partir del libro.
Como el tema de la obra de King era la eliminación de personajes de fotografías históricas, Nyman tuvo una idea conceptualmente similar. En 1989 había compuesto una obra para un ballet de Frederic Flamand titulado “The Fall of Icarus”. Algunas partes de la misma se mantuvieron durante un tiempo en el repertorio de los directos de la Michael Nyman Band pero el músico buscaba adaptarlas para utilizarlas en obras nuevas. En aquel momento tenía un par de proyectos entre manos, uno de los cuales fue el que le llevó al libro de King. Nyman estaba pensando en poner música a las fotografías del citado más arriba Aleksandr Rodchenko pero cambió de idea al descubrir el trabajo de David. Aquella historia fascinó al compositor que decidió adaptar su “The Fall of Icarus” en una nueva obra titulada como el libro: “The Commissar Vanishes”. Ya que el tema de aquel era la manipulación de las fotos para hacer desaparecer a algunos de los que en ellas, Nyman decidió hacer algo parecido con la música del ballet haciendo desaparecer algunas partes “incómodas” o que no cuadraban bien con el tema.
Fue en 1999 cuando el sello Venture, dependiente de Virgin y que había publicado ya buena parte de los discos anteriores de Nyman, decidió lanzar un CD doble incluyendo ambas “versiones” de la obra: “The Commissar Vanishes” en el primer disco y “The Fall of Icarus” en el segundo. Los intérpretes de las dos obras fueron los miembros de la Michael Nyman Band en una versión reducida integrada por: Alexander Balanescu (violín), Elizabeth Perry (violín), Anthony Hinnigan (violonchelo), Martin Elliott (bajo), John Harle (saxos), David Roach (saxos), Andrew Findon (saxos y flautas), Nigel Barr (trombón) y el propio Michael Nyman al piano.
Portada del libro de David King
THE COMMISSAR VANISHES
“Earth in Turmoil” - El comienzo es típicamente “Nymanesco” con una corta melodía repetida en ostinato replicada después por cada grupo de instrumentos con diferentes ritmos. Enérgico como lo suele ser Nyman cuando no está condicionado por un director que le pide algo más asequible para su película, toda la pieza tiene una vibración subterránea que amenaza con desatarse en cualquier momento.
“Jealousy and Revenge” - El segundo corte es oscuro y ominoso, con una atmósfera opresiva interrumpida de cuando en cuando por una estridente melodía de saxos. En la segunda parte escuchamos otro tipo de desarrollo, lento, como el que a veces utilizaba el músico en sus bandas sonoras para Greenaway, particularmente en “Drowning By Numbers” y abandona un poco el tenebrismo, especialmente ya en el segmento que viene a continuación, sin llegar a ser alegre, sí que es mucho más animado. Para el final, sin embargo, regresamos al motivo del inicio cerrando así una estructura circular habitual en su autor.
“Look for an Enemy” - En contraste con la pieza anterior, esta es una composición mucho más alegre (alegre al modo de Nyman, que no tiene por qué coincidir con el nuestro). Dinámica y repetitiva, en ella cada grupo de instrumentos ejecuta motivos completamente diferentes (alguno incluso ya escuchado en el corte precedente) pero que encajan sorprendentemente bien. Este aparente caos desaparece de golpe al entrar en un tramo mucho más melódico y con un ritmo constante muy atractivo a la altura del mejor Nyman. No olvidemos que la obra se origina en su momento de mayor creatividad aunque tardase un tiempo en ver la luz.
“Ordinary Citizens” - Nyman es amigo de los esquemas circulares y quizá por eso escuchamos aquí una especie de revisión de “Jealousy and Revenge” en la que las partes más oscuras permanecen casi idénticas pero las melódicas están más trabajadas, teniendo aquí más protagonismo las flautas y los violines de forma que queda un conjunto mucho más amable y delicado. En todo caso, cuando la banda se desata, y a fe nuestra que aquí lo hacen, es una verdadera gozada a la altura de los momentos más arrolladores de “The Essential Michael Nyman Band” o “MGV”, gloriosos ejemplos de ritmo y energía a cargo de esa locomotora que puede llegar a ser la formación de Nyman.
“A Swift Exit” - La última pieza de la obra comienza en un tono tranquilo que nos recuerda mucho a la banda sonora de “El Piano” con algún giro melódico bastante similar pero enseguida gira hace territorios más personales, cercanos al Nyman clásico de “The Draughtsman Contract” aunque sin abandonar del todo esa cara más amable de la vertiente más popular de su obra para el cine. Se cierra, no con una referencia al motivo inicial, sino al más oscuro que hemos escuchado unas cuantas veces en la obra recordándonos lo truculento del hecho que dio lugar a toda la composición.
Como ya hemos dicho, “The Commissar Vanishes” es una versión retocada de “The Fall of Icarus” así que cada uno de sus cinco movimientos se corresponde con otro de la obra original que se recoge en el segundo CD. Los títulos de éste son: “Disaster”, “Wings”, “Walls”, “Water” y “Utopia” y las diferencias son tan poco relevantes que no merece la pena repetir el análisis de la obra completa. Quizá la mayor diferencia sea tan sutil como el propio paso del tiempo y los arreglos de “The Fall of Icarus” estén más cercanos al Nyman que trabajó con Greenaway mientras que los de la revisión de 1999 dejan entrever al autor que conoció el éxito masivo con “El Piano”, “Carrington” o “Gattaca”. Sorprende un poco, eso sí, que este disco pasara tan desapercibido en su día cuando, musicalmente, está a la altura del mejor Nyman en muchos momentos. Sirva esta entrada no solo como reseña sino también como reivindicación de esta obra. Nos despedimos con "Wings" para hacernos una idea de los arreglos originales de la obra:
Al principio de la década de los noventa, Michael Nyman se encontró con una situación muy curiosa. A lo largo de los diez años anteriores había conseguido crear un grupo como la Michael Nyman Band que poco a poco alcanzó un grado de perfección extremo. La formación sonaba como el más afinado de los motores salido de la orgullosa industria automovilística británica pero a la vez tenía la presencia, el porte y la energía de una locomotora de vapor. Al mismo tiempo, su música era cada vez más popular lo que iba aparejado a nuevos encargos de bandas sonoras para películas con una vocación comercial mayor. Inevitablemente eso tenía como consecuencia la demanda de partituras más “convencionales” y orquestaciones al uso. Esto no llevó a Nyman a prescindir de su banda, ni mucho menos, pero su presencia se iba a reducir notablemente en su obra grabada, pese a que, en ocasiones, la formación intervenía en las bandas sonoras y demás obras acompañando a la orquesta de turno.
Con todo, ese cambio de panorama tuvo varias consecuencias interesantes. Por una parte, la aparición del extraordinario disco “The Essential Michael Nyman Band” en el que la mejor versión que nunca existió de la banda revisaba y actualizaba un buen número de obras clásicas de su autor pertenecientes a su etapa como colaborador del cineasta Peter Greenaway. Era aquella una forma de mostrarnos aquella música a través de la formación más inspirada del grupo de Nyman pero aquello no podía quedar como un glorioso epílogo. La Michael Nyman Band seguía activa y en plena forma, de lo que daban buena cuenta sus actuaciones en directo, impulsadas al principio por el citado disco de 1992 y más tarde por el éxito mundial de la banda sonora de “El Piano”.
No es extraño que el músico quisiera aprovechar el momento para publicar su primer disco en directo que saldría de dos conciertos ofrecidos en Albacete y Madrid el 14 y el 15 de mayo de 1994 respectivamente. El repertorio de los mismos era una mezcla muy curiosa de obras de distinta procedencia que serían interpretadas por formaciones también muy diferentes. El disco llevaría el nada complicado nombre de “Michael Nyman Live” y sería publicado por el sello Virgin en ese mismo año.
“Michael Nyman Live” iba a tener tres partes muy diferenciadas. La primera de ellas se centraba en las obras más representativas del primer periodo del músico y estaba interpretada por la Michael Nyman Band.
“In Re Don Giovanni” - Inconfundible el estilo del músico en esta composición que surgió mientras le dio por interpretar un fragmento de la ópera Don Giovanni de Mozart al piano pero tocándolo al estilo de Jerry Lee Lewis. La banda a pleno rendimiento con Nyman y su teclado como principal elemento rítmico.
“Bird List” - Comparar a la Michael Nyman Band con una locomotora lanzada a tumba abierta es un recurso fácil cuando escuchamos piezas como esta en la que la energía que desprende la formación es difícilmente igualable. La pieza procede, al igual que la primera, del disco de 1981 titulado sencillamente “Michael Nyman”. Entre el poderoso aparato rítmico destacan algunos fraseos de saxofón en la parte final del tema que le dan un extraño aire jazzístico.
“Queen of the Night” - El piano, casi como instrumento de percusión, se convierte en protagonista principal de esta pieza extraída de la banda sonora de “El contrato del dibujante”. Recordarán los lectores del blog que toda aquella música estaba basada en distintas composiciones de Henry Purcell transformadas de forma radical en máquinas de precisión. La interpretación es extraordinaria y en ella podemos disfrutar de lo mejor de una formación en estado de gracia.
La parte del disco protagonizada por la Michael Nyman Band termina con dos de las “Water Dances”, música escrita por el compositor para un documental de Peter Greenaway sobre natación sincronizada. Parte de ella apareció en el disco “The Kiss and Other Movements” pero posteriormente Nyman amplió la partitura hasta terminar con ocho danzas que nunca han sido publicadas en su integridad.
“Dipping” - La primera de la serie de ocho era esta pieza lenta que va evolucionando poco a poco aumentando el ritmo como claro anticipo de lo que iba a llegar después. El dramatismo aumenta con la adición de nuevos instrumentos y estalla con el cambio a la segunda danza.
“Stroking” - Sin solución de continuidad, el piano comienza a marcar un ritmo solemne mientras las cuerdas y, especialmente, los metales, comienzan a dibujar arabescos en el aire a una velocidad de vértigo. Sólo podemos hacer una objeción en este punto y es que nos parecía imprescindible la inclusión en la grabación de la quinta danza de la colección, quizá la más popular y profundamente rockera de todas.
Con ocasión de los fastos de la Exposición Universal de Sevilla de 1992, Nyman recibió el encargo de componer una pieza especial que habría de ser interpretada con los miembros de la Orquesta Andalusí de Tetuan. La formación marroquí fue creada por el cantante y violinista Abdessadak Chekara a mediados del pasado S.XX para conservar el legado musical andalusí. Durante su trayectoria han participado en numerosas grabaciones de artistas flamencos profundizando en la relación entre ambas culturas. Nyman compone para ella una obra en tres movimientos titulada “The Upside-Down Violin”.
Anuncio del estreno de "The Upside Down Violin"
“Slow” - El primero de los tres es una cadenciosa pieza de inspiración árabe en la que destaca tu preciosa melodía central y la interpretación del propio Chekara al violín en el tramo central. Afirma el propio compositor en las notas del disco que buscó una aproximación más melódica de lo habitual en él por la particularidad de los miembros de la orquesta. La mayoría de sus miembros no saben solfeo por lo que toda la interpretación se basa en la escucha de la ejecución de cada parte por parte de otros músicos para su aprendizaje y en el ensayo continuo.
“Faster” - El segundo movimiento mantiene la impronta de los orígenes musicales de la orquesta pero, si conseguimos abstraernos a su propia sonoridad, eminentemente oriental, no nos es difícil apreciar el estilo del propio Nyman. En una breve sección del movimiento se incorporan algunos de los miembros de la Michael Nyman Band, justo antes de la parte cantada con la que termina la pieza.
“Faster Still” - El cierre lo pone una pegadiza melodía que tiene muchos puntos en común con la banda sonora de “El Piano” que Nyman compuso más o menos en la misma época. Se produce así una curiosa mezcolanza de estilos entre la música árabe, la escocesa que inspiraba la música de la película de Jane Campion y el del propio compositor.
La partitura de esa banda sonora no podía faltar en un disco de Michael Nyman en directo grabado en 1993. Así, la segunda parte del disco está dedicada a una suite para concierto que recoge los momentos más memorables escritos por el compositor para “El Piano”. Son ocho movimientos en los que la Michael Nyman Band se ve reforzada por una numerosa sección de cuerda (cuatro violines, dos violas y dos violonchelos) para acercar su sonido al de la grabación original interpretada por la Orquesta Filarmónica de Munich. Lo cierto es que en la mayor parte de la “suite” el protagonismo es para las cuerdas y el piano, quedando reducida la participación de los miembros de la banda a momentos concretos como “Here to There” en los que los saxos de John Harle, David Roach y Andrew Findon tienen un peso fundamental o “Lost and Found” cuyo tema central está intepretado al saxo soprano.
La Michael Nyman Band está integrada en el momento de la grabación del disco por Jonathan Carney y Bill Hawkes (violines), Kate Musker (viola), Anthony Hinnigan (violonchelo), Nigel Barr (trombón y tuba) y Martin Elliott (bajo) aparte de los tres saxofonistas citados más arriba. Nyman interpreta el piano.
No diremos que con este disco se cierra una etapa de la Michael Nyman Band porque el músico siguió componiendo piezas para ellos y ofreciendo conciertos pero sí entendemos que marca un hito por cuanto que resume buena parte de su trabajo anterior y mira hacia lo que vendrá después. El propio Nyman abandonó algo más tarde la denominación de “band” ampliándola a “Orchestra” y, de hecho, desde 2002 no nos consta que la “Michael Nyman Band” aparezca acreditada como tal en ningún disco pese a que varios de sus miembros sigan participando en las grabaciones del compositor británico hasta el día de hoy.
Por la particularidad del repertorio, que incluye una mirada al pasado, una obra nueva y una revisión de su obra más popular, creemos que este disco en directo puede ser especialmente interesante como introducción al mundo sonoro de Nyman así que, si aún no habéis dado ese paso, ahora tenéis una buena excusa para hacerlo.
La relación
artística entre Michael Nyman y Peter Greenaway era, en sus mejores años,
tremendamente estrecha. Tanto es así que la interacción entre ambos a la hora
de influir cada uno en el trabajo del otro era notable, hasta el punto de que
el cineasta llegaba a marcar las pautas de la música que quería para sus
películas. En esta línea, había una obra que obsesionaba al director: la
“Sinfonía Concertante” de Mozart y desde que Nyman y él se conocieron, estuvo
tratando de que el músico hiciese algo a partir del material musical contenido
en la obra del compositor austriaco. La idea de Greenaway consistía en que
Nyman escribiese nada menos que 92 variaciones de cuatro compases concretos del
segundo movimiento de la obra, uno para cada uno de los personajes que
aparecían en su película “The Falls”.
Cuando Greenaway
preparaba su película “Drowning by Numbers”, parecía llegado el momento de ampliar
esa pretensión y Peter le encargó específicamente a Nyman el uso de la sinfonía
como base del material que terminaría convirtiéndose en la banda sonora de la
película. Concretamente, el movimiento original de la sinfonía sonaría en su
versión “convencional” justo antes de cada una de las cuatro escenas centrales
de la película y toda la banda sonora de Nyman debería estar basada en esa
pieza (aquí fue el músico quien impuso esa condición, la de usar el movimiento
completo como fuente y no sólo cuatro compases). No era la primera vez que
Nyman iba a trabajar a partir de partituras de Mozart pero sí la más
interesante por cuanto que debería generarse una banda sonora completa a partir
de un único movimiento de la sinfonía “mozartiana”.
En 1991, la BBC
hizo una serie de documentales en los que varios compositores y realizadores
contemporáneos homenajeaban a Mozart. Nyman presentó una especie de opereta que
representaba un juicio en el que él mismo era acusado de plagiar la obra del
compositor austriaco, cuyo papel interpretaba la soprano Ute Lemper apareciendo
sendos bustos de Haydn y Beethoven como fiscal y abogado defensor
respectivamente. Es difícil calificar como plagio una adaptación como la de
Nyman quien, por otra parte, había hecho de ese modo de trabajar a partir de
material ajeno una especie de sello personal siendo la banda sonora de “The
Draughtsman’s Contract” a partir de música de Henry Purcell su ejemplo más
evidente. Queda claro, pues, cómo se tomaba Nyman en aquel entonces las
críticas sobre su forma de componer a partir de música pre-existente.
Como era habitual
en aquellos años, la banda sonora estaba interpretada por la Michael Nyman Band
integrada por Alexander Balanescu, Miranda Fulleylove, Rosemary Furniss, Briony
Shaw, Jackie Shave (violines), Jonathan Carney (violín y viola), Kate Musker y
Joe Rappaport (viola), Anthony Hinnigan y Andrew Shulman (violonchelos), Robin
McGee (contrabajo), David Fuest (clarinetes), John Harle (saxos), David Roach
(saxo), Andrew Findon (saxos y piccolo), John Wilbraham (trompetas), Michael
Thompson (trompa), Steve Saunders (trombón) y el propio Michael Nyman al piano.
Escena de la película de Greenaway
“Trysting Fields”
– La primera pieza del disco concede al violín y la viola todo el protagonismo
(como ocurre también en la “Sinfonía Concertante) e interpretan fragmentos de
la obra de Mozart repitiendo ciertos grupos de notas al modo minimalista
construyendo así un tema nuevo que recuerda, evidentemente, al original pero
que tiene un aire definitivamente diferente. El hecho de que las cuerdas lleven
todo el peso, ayuda a mantener un tono clasicista que no se mantendrá en toda
la banda sonora sino sólo en momentos concretos.
“Sheep and Tides”
– Quizá el tema más conocido de todo el disco es este precioso vals que ha
servido de sintonía para varios programas de radio y televisión. Como es
característico en el Nyman más popular, los vientos ejecutan toda la parte
rítmica y son las cuerdas las que interpretan la juguetona melodía central la
mayor parte del tiempo. En este breve fragmento tenemos que reconocer que Nyman
estuvo tocado por las musas ya que es una pieza fantástica.
“Great Death
Game” – Llegamos a uno de los motivos más repetidos en la banda sonora en el
que intuimos ese lado más oscuro de la música del compositor inglés que,
incluso en temas aparentemente inocentes sabe ocultar una especie de sombra
perturbadora que mantiene al oyente en vilo.
“Drowning By
Number 3” – Nuestra melodía favorita del disco es esta emocionantísima pieza
que es tan simple como conmovedora. Un bajo continuo a cargo de las maderas es
el único apoyo del violín para ejecutar un tema triste pero sereno,
extremadamente sencillo aunque con esa cualidad tan difícil de alcanzar que lo
hace inolvidable.
“Wheelbarrow
Walk” – Llegamos a una de las piezas más populares en el repertorio de la
Michael Nyman Band, especialmente cuando le aplican todo el músculo del que son
capaces en los conciertos y convierten el tema en un torbellino arrollador. En
la banda sonora, en cambio, suena mucho más contenido al carecer del impulso
del piano rítmico y los vientos a toda máquina. Un tema muy interesante pero
que suena mejor en versiones posteriores.
“Dead Man’s
Catch” – Con un delicado comienzo, con aire de miniatura de cajita de música se
abre la siguiente pieza del disco hasta que el piano reclama su cuota de
protagonismo arrastrando tras él al resto de la banda. Nyman tiene un gusto
especial a la hora de tratar determinadas piezas lentas como esta y aquí
destaca sobremanera.
“Drowning By
Number 2” – La trompa y el resto de metales ejecutan una melodía parsimoniosa y
repetitiva que poco a poco va acelerándose hasta la llegada a modo de refuerzo
de las cuerdas. La parte final del tema es la más interesante y en ella
volvemos a reconocer alguna melodía de la obra de Mozart sin apenas
modificación, algo mucho más habitual en esta banda sonora que en otras de
Nyman basadas en partituras ajenas.
“Bees in Trees” –
Como si de una segunda parte de “Sheep and Tides” se tratase, Nyman recupera el
ritmo de vals y partes de la melodía de aquella para construir esta miniatura
que se diría que tiene el objetivo de que no olvidemos aquel fantástico tema
antes de entrar en la parte final del trabajo.
“Fish Beach” –
Otra de las grandes melodías del músico que pasó al repertorio habitual de la
Michael Nyman Band es esta pieza lenta que comparte el tono entre triste y
contemplativo de buena parte del disco. El material melódico es mínimo y sólo
la repetición continua del mismo consigue atrapar al oyente de un modo
singular.
“Wedding Tango” –
El dramatismo llega a su momento culminante con este tango en el que el piano
vuelve a tener un papel importante aunque la verdadera novedad la representan
los vientos utilizados, como siempre, a modo de armazón rítmico. En la segunda
mitad del tema, éste se transforma en un vals que vuelve a apuntar la melodía
central de la obra de forma magistral antes de cerrar con un nuevo giro en el
que piano y cuerdas dialogan durante unos instantes.
“Crematorium
Conspiracy” – Recupera Nyman el tono dramático adornado de una mayor solemnidad
en otra pieza repetitiva en la que las mínimas variaciones se van sucediendo de
forma casi imperceptible.
“Knowing the
Ropes” – Quizá sea esta la pieza más reconocible de toda la banda sonora para
los seguidores de Nyman ya que recopila todas las virtudes de sus obras
anteriores, especialmente de sus trabajos para cine: ritmo vigoroso,
protagonismo de los instrumentos menos habituales y una energía desbordante.
Como alguno de los temas anteriores, es ya un clásico de su autor y pasó
rápidamente al repertorio de los conciertos. En cierto modo funciona como tema
final del disco ya que recupera varios de los motivos que han sonado
anteriormente pero el autor prefirió cerrar con otra pieza similar.
“Endgame” – Si el
disco se abría con cuerdas, tenía que cerrarse de igual modo y con una pieza
muy similar a la inicial que incluso recicla las mismas melodías cerrando así,
como tantas otras veces, el círculo con una vuelta al comienzo aderezada por un
somero repaso a otros temas de la banda sonora.
La de “Drowning By Numbers” es nuestra banda sonora favorita
de todas las que Nyman realizó para Greenaway, por encima, incluso, de la
popular “The Draughtsman’s Contract”. Esto puede resultar algo paradójico
puesto que se trata de la menos personal de todas ellas, especialmente desde el
punto de vista de la instrumentación. En todas las anteriores reconocíamos con
facilidad el estilo de la Michael Nyman Band mientras que en esta, aunque éste
sigue siendo evidente, la mayor presencia de cuerdas dulcifica un tanto el
sonido, en ocasiones basto (entiéndase el uso del término), de la banda. Sin
embargo, lo que puede perderse en personalidad se gana en musicalidad con un
aire que, sin llegar a ser clásico del todo, sí que tiene un tono más serio y
formal. El disco no debería ser difícil de encontrar puesto que pertenece a la parte más
popular del catálogo de su autor. Podéis adquirirlo en los siguientes enlaces:
El embrión de la
Michael Nyman Band se formó como una banda callejera que habría de formar parte
de la representación de la ópera “Il Campiello” de Carlo Goldoni en un teatro
londinense. Su misión era la de hacer el mayor ruido posible. Interpretar música
tradicional veneciana a todo volumen y sin amplificación, de ahí que Nyman
escogiera instrumentos tradicionales de la época y les agregase un bombo, un
saxo soprano, banjos, etc.
La experiencia
fue tan positiva que al finalizar las representaciones, los miembros de la
“Campiello Band” decidieron permanecer juntos. Se desvincularon del grupo los
intérpretes clásicos de instrumentos de época y quedó Michael Nyman con una
banda de 12 músicos. La estabilidad nunca fue un objetivo y en todos estos años
la alineación de la rebautizada como Michael Nyman Band ha variado
constantemente. Fue la necesidad de buscar un repertorio propio para el grupo
la que motivó a Michael para comenzar a escribir su música de forma más
consistente (aunque ya había publicado, incluso, algún disco con obras
propias). Los primeros trabajos importantes del músico con la Michael Nyman
Band surgieron de su asociación con el director de cine Peter Greenaway para
quien escribió un buen número de bandas sonoras entre 1980 y 1992 y es precisamente
esa parte del repertorio la que recoge el disco que hoy tenemos aquí.
“The Essential
Michael Nyman Band” es un disco recopilatorio, sí, pero no es en modo alguno la
clásica colección de cortes al uso, creada para vender al oyente menos
implicado con la música del compositor una selección amable de su obra a la que
recurrir de cuándo en cuando. Muy al contrario, se trata de regrabaciones con
nuevos arreglos, llenos de energía y con un grupo de músicos único, de alguno
de los fragmentos más destacados de las bandas sonoras de Nyman para Greenaway.
Una mera recopilación habría carecido de unidad estilística y no habría sonado
suficientemente coherente ya que las formaciones que interpretaban las
diferentes bandas sonoras eran muy distintas entre sí. Al revisar todas las
piezas con una de las alineaciones más poderosas de la Michael Nyman Band, el
músico crea un disco soberbio, atractivo y renovador de su antiguo catálogo que
sirve, además, como una perfecta carta de presentación para aquellos oyentes no
familiarizados con su obra. El disco está organizado en distintos bloques
centrados cada uno de ellos en una banda sonora distinta. Integran la Michael
Nyman band en la grabación: Alexander Balanescu, Clare Connors y Ann Morphy
(violines), Kate Musker (viola), Anthony Hinnigan y Justin Pearson
(violonchelos), Martin Elliott (guitarra baja), John Harle y David Roach (saxos
soprano y contralto), Andrew Findon (saxo barítono, flauta, piccolo), Steve
Sidwell (trompeta), Marjorie Dunn (trompa), Nigel Barr (trombón bajo, eufonio),
John Lenahan y Michael Nyman (pianos) con la adición de las voces de Sarah
Leonard (soprano) y Linda Hirst (mezzo-soprano).
THE DRAUGHTSMAN’S
CONTRACT:
“Chasing Sheep is Best Left to Shepherds” – El primer set
del disco lo componen tres cortes extraídos de la banda sonora de “El Contrato
del Dibujante” que ya comentamos aquí tiempo atrás. El más conocido de ellos es
el primero, que ha servido como sintonía de varios programas de radio y
televisión. Como toda la banda sonora, está basado en música de Henry Purcell.
Con sólo escuchar los primeros instantes de la nueva versión, nos damos cuenta
de cuál va a ser el tono de todo el disco: La Michael Nyman Band como una
locomotora a todo gas, una maquinaria perfecta y poderosa dotando de una energía
renovada a las viejas composiciones como demuestra este tema de apertura:
¡rock’n’roll!
“An Eye for an Optical Theory” – Sin bajar de intensidad ni
un segundo asistimos al segundo corte con el piano convertido en una parte más
de la sección rítmica junto con los metales. Las cuerdas, por su parte,
desatadas, aportan su propia personalidad a la desenfrenada música quedando la
parte melódica para los saxofones que delatan la influencia minimalista de
Nyman (quien, no en vano, es considerado el inventor del término o, al menos,
el primero en aplicarlo a los Reich, Glass o Riley).
“The Garden is Becoming a Robe Room” – El primer momento de
relajación del disco llega con esta preciosa versión mucho más clásicista que
las anteriores. Las cuerdas son las protagonistas casi absolutas de la pieza
con el resto de instrumentos (particularmente las maderas y los metales) en un
segundo plano. En la segunda parte de la composición aparece el piano y la
banda suena en plenitud regalandonos un final memorable.
A ZED &
TWO NOUGHTS:
“Prawn-Watching” – Particularmente interesantes son las dos
selecciones de esta banda sonora por cuanto que en su momento la Michael Nyman
Band no participó en su grabación lo que hace más atractiva su inclusión aquí.
La inspiración para esta obra fue tomada del “Requiem” de Biber. La primera de
ellas es una composición de corte dramático, tremendamente dinámica e intensa
que se desarrolla como un continuo in crescendo que llega a su climax con la
irrupción de los saxofones.
“Time Lapse” – Contrastando con el tema anterior, escuchamos
ahora una especie de composición procesional, fúnebre, de ritmo sobrecogedor.
Conforme avanzan los compases crece la tensión y se incorporan nuevas secciones
de la banda enriqueciendo la melodía principal con cada repetición. Como en
ocasiones anteriores, el saxofón es el instrumento en el que recae la función
de solista principal y lo hace con desgarro en una interpretación soberbia a
cargo de Andrew Findon.
DROWNING BY NUMBERS
“Fish Beach” – Llega el turno de la que es nuestra banda
sonora favorita de Michael Nyman aunque no haya aparecido aún en el blog. Para
la música de “Conspiración de Mujeres” (título en castellano de la película)
Nyman se basó en uno de los movimientos de la “Sinfonía Concertante” de Wolfgang
Amadeus Mozart por petición expresa de Peter Greenaway. En la primera pieza de
la selección, Nyman utiliza la trompa para mostrar el tema introductorio
mientras las cuerdas actúan como acompañantes en segundo plano de un modo que
el músico emplearía con profusión el la banda sonora de “El Piano” años
después. Tras una serie de repeticiones del tema a cargo de diferentes
instrumentos de la banda, pasamos al siguiente corte.
“Wheelbarrow Walk” – Cambio radical de registro en una de
las composiciones más alegres de todo el disco con los violines retozando
despreocupadamente sobre una poderosa base rítmica a base de piano y metales
principalmente. Una magnífica demostración por parte del músico de su capacidad
para componer piezas pegadizas e inspiradas al mismo tiempo.
“Knowing the Ropes” – El piano se convierte en locomotora de
nuevo para sostener todo el entramado de una composición poderosa en la que las
cuerdas repiten una y otra vez una secuencia de seis notas (que a veces se
amplian a nueve) con ligeras variaciones. Aunque en este disco Nyman obvie las
que, a nuestro juicio son las mejores piezas de la banda sonora, no podemos
negar que las escogidas, y particularmente ésta, son magníficas.
THE COOK,
THE THIEF, HIS WIFE AND HER LOVER
“Miserere Paraphrase” – Saltamos a la siguiente banda sonora
que presenta la novedad de la voz solista de Sarah Leonard. Al tratarse de una
canción en formato clásico, desaparece todo el aparato rítmico de la banda para
resaltar aún más la delicada voz de la cantante que parece ir a quebrarse en
cualquier momento dada la dificultad de la partitura.
“Memorial” – La adaptación de otra pieza de Henry Purcell es
la base para una de las composiciones más emotivas de Nyman, cuya composición
coincidió en el tiempo con la tragedia del estadio de Heysel en 1985, durante
la final de la Copa de Europa de fútbol entre la Juventus de Turín y el
Liverpool. La impresión que las imágenes causó al compositor se refleja en cada
uno de los compases de una obra conmovedora que se grabó por primera vez para
la banda sonora de Greenaway a petición de este. Nosotros nos quedamos con esta
versión, emocionante hasta el extremo, especialmente con ese sonido quebrado
del saxo barítono en los instantes finales de la obra y con la desgarradora
voz, de nuevo, de Sarah Leonard.
WATER
DANCES
“Stroking” – Nyman retrocede a 1984, a la banda sonora del
documental de Greenaway “Making a Splash” sobre natación sincronizada y lo hace
regalándonos las dos composiciones que, en nuestra opinión, conforman la parte
más inspirada de un disco magnífico de por sí. Aunque en su momento, las dos
danzas eran la segunda y la octava parte de una obra mayor, aquí aparecen
perfectamente integradas como dos movimientos consecutivos que encajan como un
guante (no en vano, aparecen como una única pista en el disco). El primero de
ellos se abre con una serie de espaciados golpes de piano a cargo del propio
Nyman (hasta este momento, el piano del disco había sido interpretado por John
Lenahan. Desde aquí hasta el final, es el propio compositor el que toca el
instrumento). Tras ellos, el piano pasa a interpretar una suave cadencia
mientras las cuerdas dan forma a una melodía creciente que se va perfilando
poco a poco.
“Synchronising” – Como si de una tormenta perfecta se
tratase, los suaves vientos que se dibujaban en el movimiento anterior,
desembocan en una auténtica fiesta de ritmo que se desarrolla durante cinco
intensos minutos de auténtico rock and roll de cámara con melodías que
recuerdan a las viejas canciones de los años 50 cuando el género comenzaba a
hacer furor. Una maravilla desde todo punto de vista que justifica por si sola
la revisión de estas músicas por la Michael Nyman Band.
PROSPERO’S
BOOKS:
“Miranda” – Quizá el tema que mejor recoge el espíritu de la
recopilación es el escogido para cerrarla, el único representante de “Prospero’s
Books” aunque ya entonces era una versión de otra pieza que aparecía en “La
Traversee de Paris”, film sin participación alguna de Greenaway. En “Miranda”
tenemos a la Michael Nyman Band en plenitud, con duetos a cargo de Sarah
Leonard y Linda Hirst, solos de saxo, el piano del propio músico, ritmos
desbocados y melodías vertiginosas. Un compendio perfecto de la agrupación en
una composición fundamental en la discografía de su autor que sirve como broche
de oro para un disco fantástico.
Cuando apareció el disco en 1992, parecía que estábamos ante
el cierre de una etapa por parte del músico que había expandido sus horizontes
más allá de sus colaboraciones con Peter Greenaway y que comenzaba a obtener
algunos éxitos de la mano de otros directores (particularmente Patrice Leconte
y “El Marido de la Peluquera”. No esperábamos el tremendo salto a nivel de
popularidad que iba a suponer para el músico una de sus próximas bandas sonoras
para una película de Jane Campion pero eso será materia de otra entrada. Como
resumen de los primeros años de la trayectoria del compositor, nos resultaría
difícil encontrar un disco mejor que este que hoy hemos comentado. Adquirirlo
es una apuesta segura:
Tras la ruptura de la pareja artística que formó con Peter Greenaway, no estaba muy claro el futuro como compositor de Michael Nyman. Es cierto que, antes incluso de Prospero’s Books, el músico ya había hecho una relevante banda sonora como fue la de “El Marido de la Peluquera”, aunque su aportación fue muy breve en cuanto a la duración de las piezas y la presencia en la pantalla de las mismas. Además, de modo simultaneo a la aparición de la última película de Greenaway en la que colaboró, nuestro músico preparaba la publicación de sus tres primeros cuartetos de cuerda, en lo que parecía un acercamiento a formas musicales clásicas, independientes de la música para el cine.
Esto es algo que ha sucedido con otros músicos y el ejemplo más evidente es el de Philip Glass. Tras una etapa más o menos larga centrada en aspectos experimentales y vanguardistas y una actividad, podríamos decir que “alimenticia” trabajando para el cine, hay músicos que buscan una cierta trascendencia y encuentran en la composición de piezas en formatos tradicionalmente asimilados a la música culta la vía para conseguirla.
Suponemos a Nyman enfrascado en la difícil toma de decisiones acerca del rumbo a seguir cuando cayó en sus manos un auténtico caramelo: el encargo para una nueva banda sonora que acompañaría a la película “El Piano”, de Jane Campion. El gran atractivo del guión radicaba en que la protagonista de la historia no dice una sola palabra en todo el metraje y su único medio de expresión es, precisamente, el piano. Evidentemente, Nyman iba ser el encargado, no sólo de la música incidental sino de las melodías que Ada (que es como se llama el personaje de Holly Hunter) interpreta a lo largo del film.
El éxito de la película arrastró también a su banda sonora que se convirtió en un superventas mundial pero eso será materia, quizá, de otra entrada en el futuro. Lo que nos interesa ahora es lo que Nyman hizo con ese material un año más tarde y que no es sino una combinación de los dos aspectos de los que hablamos anteriormente: la música para el cine y las formas más clásicas de la música culta. En 1993, los organizadores del Festival de Lille decidieron encargar a nuestro músico la composición de una pieza con ocasión de la puesta en servicio de la línea de alta velocidad entre la frontera belga y la localidad de Calais (lo que poco después se convertiría en el Eurostar). El resultado fue la pieza llamada “MGV” (Musique à Grande Vitesse). Como complemento al programa, Nyman escribió un concierto para piano adaptando la banda sonora de la película de Jane Campion. Explica el músico que, gracias al encargo, consiguió tres objetivos diferentes: “crear una estructura musical más coherente de la que se puede conseguir con los fragmentos más breves e independientes entre sí que forman una banda sonora, construir texturas más dinámicas y elaboradas que las que usó en la película (para la que contó con una sección de cuerda y un conjunto de saxofones únicamente) y reescribir las partes de piano de forma que funcionen frente a la orquesta como en un concierto clásico”.
Un año más tarde de aquello, la discográfica Decca, a través de su subsello más vanguardista, Argo, publicaría un disco con grabaciones de ambas obras que es el que ahora pasamos a comentar. La primera mitad del mismo contiene “The Piano Concerto” en donde el “the” no está de más por las razones que hemos comentado más arriba. La interpretación corre por cuenta de la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra dirigida por el propio Nyman. Kathryn Stott es la pianista en la grabación.
THE PIANO CONCERTO:
“The Beach” – El primer y más largo movimiento del concierto se abre con un trémulo sonido de cuerdas sobre el que escuchamos las primeras intervenciones del piano. El título del movimiento no es casual ya que la evocación de las olas rompiendo suavemente en una playa está más que lograda. El papel del piano no es tanto el de instrumento enfrentado a la orquesta sino el de complemento de la misma. Paulatinamente la música va ganando en fuerza hasta que la orquesta se hace con los mandos, primero con las enérgicas cuerdas y más tarde con puntuales subrayados de los metales. Para la elaboración de la música de “El Piano”, Nyman echó mano del folclore escocés, por ser esa la tierra de procedencia del personaje de Ada. Así, todas las partes de piano tienen base en composiciones tradicionales. A la hora de organizar el material musical para el concierto, el músico inglés seleccionó los fragmentos elaborados a partir de cada una de las tres canciones utilizadas siendo repartido en los distintos movimientos de la obra. De este modo, “The Beach” utiliza como base la pieza “Bonny winter’s noo awa”, cuya melodía reconstruida es la más reconocida de la película. Es en la parte central del movimiento en la que aparece de un modo más evidente a cargo del piano siendo replicada por la trompeta y más tarde por el grueso de la orquesta en un fragmento que funciona realmente bien y cumple con lo esperado de un concierto en términos clásicos. Además, el aficionado puntual a la música de Nyman (el que le conoció con esta banda sonora, vamos) encontrará en este primer movimiento del concierto la práctica totalidad de las músicas más reconocidas de la película.
“The Woods” – Sin solución de continuidad entramos en el siguiente movimiento, introducido por los metales que ejecutan otra de las melodías que han perdurado en el recuerdo de los aficionados que disfrutaron con el film de Jane Campion. Nyman compila en este corte toda la música completamente original que formó parte de la banda sonora y que en la misma se correspondía principalmente con las partes orquestales en contraposición a las basadas en música tradicional que ejecutaba la pianista. A pesar de ello, el piano tiene una importante presencia en esta parte del concierto aunque no con el protagonismo del movimiento anterior.
“The Hut” – Aunque formalmente Nyman divide el concierto en cuatro movimiento, lo cierto es que estos se suceden sin interrupción. Tras el anterior, más lento que el primero, llega este tercero que es el más vivo de toda la obra. El piano se erige en auténtico protagonista marcando un ritmo poderoso desde el primer momento y la orquesta se une a la fiesta poco después. La herencia de la poderosa máquina rítmica que es la Michael Nyman Band se deja ver aquí por primera vez en todo el concierto. El compositor inglés juega aquí con dos temas diferentes: el primero, mucho más acelerado que en su versión tradicional es el que hemos escuchado en los primeros momentos y toma su inspiración de la popular canción “Flowers of the Forest” que se hace muy difícil de reconocer si uno no es consciente de su uso aquí. El segundo tema es “Bonnie Jean” que sufre el proceso inverso al anterior, sonando en el concierto a una velocidad considerablemente inferior a aquella con la que suele ser interpretado. Antes de llegar al movimiento final, Nyman retoma por unos instantes el tema principal de la película mezclado con material procedente del primer movimiento.
“The Release” – Como cierre, el compositor británico diseña un bonito fondo de violines sobre el que dialogan el piano y los metales antes de entrar en un breve interludio que nos recuerda a Tchaikovsky y que precede al solemne regreso al tema principal (es decir, la melodía que hemos tomado prestada de “Bonny Winter’s Noo Awa”) que se combina con el “Flowers of the Forest”, cuya presencia es también muy destacada en el concierto. Lo cierto es que, pretendido o no, el movimiento final es muy cinematográfico y encajaría a la perfección como melodía para los créditos finales de la película.
Sin quitarle interés a “The Piano Concerto”, es la segunda obra del programa la que más llama nuestra atención por encontrar en ella al Nyman más puro (siempre en nuestra opinión). Para la interpretación de “MGV”, la orquesta se ve reforzada por los miembros de la Michael Nyman Band, a saber: Michael Nyman (piano), Alexander Balanescu (violín), Clare Connors (violín), Anthony Hinnigan (cello), John Harle (saxo soprano), David Roach (saxos soprano y alto), Andrew Findon (saxo barítono, piccolo), Nigel Barr (trombón) y Martin Elliott (bajo)
MGV
“1st region” – Nuestro músico divide la composición en cinco etapas que pretenden reflejar el viaje del TGV desde París a Lille. Parte de una sólida base rítmica que evoca inevitablemente al tren y que va sufriendo ligeras variaciones paulatinas que la transforman continuamente. Como es habitual en los músicos de raíz minimalista, las maderas tienen una importante labor como elemento rítmico que Nyman no tiene el menor complejo en acompañar con un bajo eléctrico. Son las cuerdas las que llevan la melodía principal cuyos cambios vienen precedidos de breves intervenciones de los metales.
“2nd region” – Como ocurre en el concierto anterior, también aquí los distintos movimientos van enlazados sin solución de continuidad formando un todo compacto. La transición entre los dos primeros viene marcada por un cambio de ritmo de las maderas que nos lleva a una sección con ciertos elementos caóticos que parecen ir cada uno por su lado aunque aparecen sólidamente unidos por el ritmo general de la orquesta. En muchos momentos de la obra se deja entrever una atractiva melodía que, conforme avanza la misma, va ganando en presencia hasta convertirse en el tema principal del último movimiento.
“3rd region” – La manera en que se desarrollan los primeros momentos de la tercera etapa del viaje nos recuerda a un Steve Reich al que, de repente, le hubiese dado por explotar su vena melódica. Es este, sin embargo, un movimiento muy rico en cambios de ritmo e instrumentaciones con secciones puramente rítmicas combinadas con otras donde reina la melodía. Sin ser nuestro movimiento favorito, sí que podemos afirmar que es el más variado en todos los sentidos.
“4th region” – Acercándonos al final de la obra, Nyman comienza a prepararnos para lo que está a punto de ocurrir. El cuarto movimiento es también el más breve y está basado en una corta melodía que se repite una y otra vez por parte de las distintas secciones de la orquesta que nos parece ir montada en un tren lanzado a tumba abierta por las llanuras del norte de Francia con algún que otro breve remanso más tranquilo (¿un tunel, quizá?) .
“5th region” – El gran final llega tras una inesperada interrupción a base de percusiones golpeadas con una maquinal exactitud. La orquesta comienza entonces a preparar la última parte de la obra con la aparición en toda su extensión de la melodía central de MGV, apenas esbozada en los movimientos precedentes. Como si estuviera acercándose a la estación, la percusión baja el ritmo pero sólo es una falsa apariencia antes de acelerar definitivamente con Nyman haciendo un guiño autoreferencial al sorprendernos con la melodía principal de su antigua obra “And Do They Do” que se repite una y otra vez por parte de las flautas de modo simultaneo al despliegue total de las cuerdas y finalmente del resto de la orquesta y de la Michael Nyman Band que cierran un movimiento sensacional que reúne todo lo mejor de la música de su autor.
Es evidente que la popularidad de Nyman llegó de la mano de la música para el cine pero creemos que su obra va mucho más allá de su faceta más conocida. En MGV tenemos un ejemplo muy claro de lo que da de sí el músico británico cuando no está sujeto a las ataduras de las imágenes y los códigos de tiempo. Seguiremos hablando de ambas facetas del este artista en el futuro. Por el momento, los interesados en haceros con esta disco lo podéis hacer en los siguientes enlaces, aunque será en la reedición publicada en el propio sello del músico ya que la original está descatalogada tras el cierre del sello Argo:
La pareja artística que formaron en los años ochenta el peculiar director de cine Peter Greenaway y el compositor Michael Nyman, si bien no fue muy productiva en términos cuantitativos, sí lo fue en cuanto a calidad. Nos cuesta encontrar ejemplos de cineastas a los que la palabra “artista” en su sentido más amplio les encaje mejor que a Greenaway cuya búsqueda de un resultado plástico estaba por encima, en muchos casos, de la claridad narrativa y siempre se antepuso a la obtención de cualquier tipo de reconocimiento comercial. Una de las características principales del cine del realizador inglés era la extraordinaria importancia que le concedía a todos los aspectos que intervenían en sus películas, desde el vestuario hasta la música. Al contrario de lo que ocurre con la mayoría de sus colegas de profesión, que suelen encajar la música en las imágenes como parte del proceso final de montaje, casi como un adorno final para su obra ya terminada, Greenaway llegaba a modificar parte de su montaje inicial para que encajase bien con la música en determinados momentos. Este respeto absoluto a todos y cada uno de los elementos que integran una película hizo que su entendimiento con Michael Nyman fuera casi absoluto durante casi una década. En ese contexto llegó un nuevo encargo que sería el último.
Greenaway preparaba una película basada en “La Tempestad” de William Shakespeare y lo más natural era hablar con su compositor “de cámara” como había hecho en sus películas más celebradas. Durante 1988, Michael Nyman pasó buena parte de su tiempo escribiendo música para un encargo muy especial. Se trataba de componer una especie de banda sonora para una gran exposición audiovisual que iba a conmemorar el 2º centenario de la Revolución Francesa. El evento tendría lugar en el Arco de la Defense entre julio y diciembre de 1989 y como resultado del mismo, Nyman publicaría un disco titulado “La Traversée de Paris”. A lo largo de las 17 composiciones que integraban el mismo, el compositor británico iba a hacer un recorrido por los lugares más importantes de la capital francesa y los acontecimientos que la marcaron entre 1789 y 1989.
Ignoramos cuál fue el proceso que llevó a lo que narraremos a continuación pero los hechos son desconcertantes. La banda sonora que acompañaba las imágenes de “Prospero’s Books” (que era el título que iba a llevar la adaptación de “La Tempestad”) estaba integrada en su mayor parte por música perteneciente a la exposición parisina a la que antes hacíamos referencia. Como resultado de ello, Nyman y Greenaway, amigos desde mucho tiempo antes y colaboradores artísticos por un buen número de años, jamás volverían a cruzar sus caminos. No sabemos si el problema fue que Nyman presentó al cineasta una partitura “de segunda mano” en su mayor parte y esto ofendió a Greenaway o si, por el contrario, fue el director el que, insatisfecho con la música compuesta por Nyman, decidió reemplazarla por una obra anterior de nuestro músico. Cabría una posibilidad más que, si creemos las palabras del propio Nyman en una entrevista en la que se le preguntaba por el particular, podría ser la más cercana a la realidad y es la que sostiene que Greenaway hizo cambios por su cuenta sin comunicárselos al músico y eso fue mal encajado por este. Afirma Nyman que “después de haber sido amigos, después de haber sido colegas, después de haber alcanzado una gran intimidad y haber desarrollado un profundo y genuino respeto mutuo y después de que yo compusiera la música de “Prospero’s Books” (que creo que fue la más rica, la mejor interpretada y aquella cuya grabación fue más costosa económicamente de las que hice para él), cuando asistí al estreno de la película (la única vez que la he visto), me encuentro con que, digamos, no había respetado mi música del mismo modo que lo había hecho hasta entonces. Jugueteó con mi partitura porque su visión sobre la película había cambiado. Eso es correcto. No hay razón alguna por la que, durante el proceso de producción de la película no puedas verla de un modo distinto y darle a la banda sonora un rol diferente. Lo único que esperaba, supongo, era que Peter me llamase para decirme: - Hey, las cosas han cambiado. La película en la que pienso es diferente y tu banda sonora es increíble pero la voy a usar de otro modo”.
La de Nyman sería una explicación pero hay otras circunstancias que podrían haber precipitado la ruptura. Una de ellas sería el hecho de que Greenaway recurriese a Glenn Branca y Wim Mertens para la música de “El Vientre del Arquitecto” en 1987 (una selección de músicas que Nyman califica de “bizarra” en la misma entrevista anteriormente citada). Se comentó también en su momento que la colaboración inmediatamente anterior entre músico y director para la película “Conspiración de Mujeres” (“Drowning by Numbers” en el original) llegó tras el intento de Greenaway de utilizar las “Tres piezas en estilo antiguo” de Henryk Gorecki y de un supuesto rechazo posterior del encargo por parte del estadounidense John Adams.
Lo más probable, como ocurre siempre, es que no hubiera un sólo desencadenante de la ruptura sino una suma de hechos que terminaron por estallar con “Prospero’s Books”. Lo más curioso de todo es que, como afirmaba Nyman más arriba, la música de la película es brillante y suele mencionarse como una de las mejoras bandas sonoras de su autor.
Una de las barrocas escenas tan habituales del cine de Greenaway
“Full Fathom Five” – La primera pieza del disco es una de las “canciones deAriel”, personaje clave en la trama que cuenta con varias composiciones a modo de ciclo vocal en la banda sonora y que han sido interpretadas al margen de la pantalla como material de concierto. La interpretación vocal corre por cuenta de la soprano Sarah Leonard, habitual en el repertorio de Nyman. La pieza es una breve composición en la que el principal soporte de la vocalista son las cuerdas de la Michael Nyman Band con una menor participación de los vientos y el piano.
“Prospero’s Curse” – La maldición de Prospero es una rítmica composición muy característica de su autor en la que los vientos construyen el soporte principal y las cuerdas dibujan arabescos en el aire. El propio Nyman al piano es el que ejecuta una melodía repetitiva y constante. Todo se desarrolla a una velocidad vertiginosa y no deja apenas respiro. La pieza es una de las “trasplantadas” directamente de la exposición parisina a la que hacíamos mención más arriba. En el original, el título de la composición era “Du Faubourg a l’Assemblee”.
“While You Here Do Snoring Lie” – Segunda de las canciones de Ariel. Como ocurría con la primera, el acompañamiento es fundamentalmente de cuerdas aunque el piano tiene su pequeña parcela reservada.
“Prospero’s Magic” – Llegamos a una de las melodías más destacadas del disco en la que apreciamos todas las características de la música de Nyman: secuencias repetitivas en la sección de cuerda, el piano como un elemento rítmico más y los vientos como ejecutores de la melodía principal. Un tiempo medio, casi procesional, de gran inspiración que no es sino una adaptación algo más extensa de “L’Entree”, una de las partes de la música de “La Traversée de Paris”.
“Miranda” – Tras el precioso tema anterior llegamos a la pieza central del disco (fue la única procedente del mismo que apareció en el popular recopilatorio “The Essential Michael Nyman Band” poco después. Realmente, se trata de la pieza “Le Theatre d’ombres chinoise” de “La Traversée de Paris” tal y como aparecía en aquel disco pero la fuerza de la película de Greenaway ha hecho que la recordemos por su nuevo nombre. “Miranda” consta de tres partes: una rápida parte inicial, un intermedio algo más calmado y un desenlace de gran brillantez en el que un ritmo casi rockero del piano del músico conduce a los músicos en un cierre desenfrenado y brillante que pone de manifiesto una de las características más notables de la Michael Nyman Band: su habilidad para moverse en los ritmos más vivos con naturalidad.
“Twelve Years Since” – Entramos ahora en un bellísimo pasaje de cuerdas que empieza a darnos pistas de cuál será la dirección que tomará la música de Nyman en el futuro, alejándose un poco del estruendo de los vientos y aproximandose a formas algo más clasicistas. A estas alturas, encontramos ya diferencias notables entre las composiciones creadas específicamente para la banda sonora y las que son préstamo de trabajos anteriores.
“Come Unto These Yellow Sands” – Como queriendo corroborar la última afirmación, llegamos aquí a otra adaptación de la música de “La Traversée de Paris”. Los vientos destacan por encima de cualquier otro elemento como integrantes del armazón rítmico de una composición excelente. La única diferencia con respecto a “Le Labyrinthe”, que era el título de la pieza original, estriba en el añadido de una línea vocal a cargo de Sarah Leonard que no aparecía en la composición inicial lo que la convertía en otra de las canciones del ciclo de Ariel.
“History of Sycorax” – Volvemos a los ritmos obsesivos y sincopados a cargo de saxofones, trombones, clarinetes y demás familia. Como habréis adivinado, se trata de nuevo de otra de las composiciones extraídas directamente de la exposición francesa; en este caso la que llevaba por título “Cinema d’Actualites”.
“Come and Go” – Úna más de las “canciones de Ariel” y con una duración tan escasa como las anteriores (apenas pasan del minuto). No podemos afirmar que sean las piezas más importantes del disco pero imaginamos que tendrán su peso en la historia. Sea como fuere, y tomando la banda sonora al margen de las imágenes, la presencia de las “Ariel Songs” nos parece casi irrelevante.
“Cornfield” – Una de las dos piezas más extensas del disco también procede de “La Traversée de Paris” en donde aparecía con el título de “Passage de L’Egalite”. Se trata de otra de esas composiciones con ritmo procesional tan abundantes en la obra de Nyman. Es este un esquema que se adapta muy bien a su estilo ya que le permite plantear distintas melodías que se superponen unas a otras continuamente, añadiendo nuevas capas y eliminando otras hasta conseguir un efecto de gran belleza.
“Where the Bee Sucks” – Nos acercamos al final del disco con otra de las piezas originales de la banda sonora en la que el saxo es protagonista hasta el punto de que esta composición evolucionó en el futuro convirtiéndose en un concierto para saxofón y orquesta de título similar (“Where the Bee Dances”). Conociendo este dato, nos llama la atención que sea el violín el instrumento que interpreta las partes de mayor virtuosismo de la composición, aunque en sus primeros momentos sea el saxo el actor principal. Nyman considera esta pieza como otra de las integrantes del ciclo de canciones de Ariel a pesar de estar concebida como pieza instrumental.
“Caliban´s Pit” – Llegados a este punto, escuchamos uno de los pocos cortes escritos originalmente para la película en los que los vientos son elementos centrales. Quizá sea el tema más caótico de todo el disco ya que todo en él es un ritmo frenético que salta de una sección instrumental a otra sin detenerse a enseñarnos alguna melodía mínimamente recordable. En cualquier caso, los seguidores del Nyman de estos años estábamos muy acostumbrados a estas demostraciones de energía y no nos suponían ningún inconveniente a la hora de disfrutar de sus discos.
“Reconciliation” – El penúltimo corte del disco fue otro trasplante de “La Traversée de Paris”, concretamente de “Debarcadere”, una tranquila pieza neoclásica que sirve perfectamente como transición al extenso tema final.
“THE MASQUE” – Así, en mayúsculas, es como aparece en la contraportada del disco el título del tema final. A pesar de aparecer agrupado en un único corte, la pieza consta de distintas partes que pueden funcionar como temas independientes. Es, además, el único momento del disco en el que escuchamos a varias vocalistas (además de Sarah Leonard aparecen Marie Angel, Ute Lemper y Deborah Conway) cada una de las cuales interpreta su propio segmento de texto. No era extraño en anteriores trabajos de Nyman que el último corte del disco hiciera las veces de recopilación de algunos de los momentos anteriores del trabajo. En este caso no es así y “The Masque” es una composición más sin relación con sus predecesoras.
Portada de una posterior edición de la banda sonora.
Al margen de las polémicas que pudieron surgir alrededor de esta banda sonora entre su autor y Peter Greenaway, lo cierto es que “Prospero’s Books” contiene mucha música que contaríamos entre la más destacada que escribió Nyman en esa etapa de su carrera, con la particularidad añadida de que no existe aquí ese trabajo de “deconstrucción” (otros dirían vampirización) de la obra de otros autores de épocas pasadas como parte de la inspiración del compositor británico (si excluimos alguna cita de John Dowland escondida por ahí como el propio Nyman señala en las notas del disco). Nos quedamos con las ganas de saber cómo habría sido esta música si alguien no hubiera sacado al músico de su error inicial. Como él mismo recuerda, cuando empezó a trabajar en la música recordaba una cita de Caliban, uno de los protagonistas de “La Tempestad” que hablaba de “una isla repleta de voces”. Con esa idea en mente, Nyman planeaba una banda sonora compuesta exclusivamente de samples vocales combinados de todas las formas imaginables en los que podría ir intercalando los textos shakespearianos. No somos capaces de imaginarnos al músico británico emulando al Jean Michel Jarre de Zoolook pero esa es la única alternativa que nos queda ya que cuando el músico volvió al texto, comprobó que Caliban hablaba de “una isla llena de ruido”, lo que cambió radicalmente la concepción inicial.
En el libreto del disco, Nyman no quiere dejar pasar la oportunidad de lanzar una puya a Greenaway dejando claro su desacuerdo con el uso de su música en la película. A modo de despedida, os dejamos con la cita: “Formalmente, la composición y el uso de la música en la banda sonora de la película es, sin forzar la analogía, similar al uso que hace Prospero de los 24 libros que Gonzalo guarda en su barco cuando es expulsado de Milán hacia la isla. Del mismo modo en que esos libros se convirtieron, en palabras de Greenaway, en “materia de su autoridad” en cuanto al uso al que se iban a destinar, mi música, tanto la nueva como la adaptada, que dejé en la sala de edición de Peter, se convirtió en “materia de su autoridad”, en el sentido organizativo, ilustrativo y emocional.”
Intervienen en el disco, además del propio Michael Nyman al piano y las vocalistas ya citadas, los miembros de la Michael Nyman Band: Alexander Balanescu, Jonathan Carney, Elizabeth Perry y Clare Connors (violines), Kate Musker (viola), Anthony Hinnigan y Justin Pearson (cellos), Paul Morgan, Tim Amhurst y Lynda Houghton (contrabajos), Martin Elliott (bajo), David Rix (clarinetes), John Harle, David Roach y Jamie Talbot (saxos), Andrew Findon (saxos, flauta, piccolo), Graham Ashton (trompeta), Richard Clews y Marjorie Dunn (trompas), Nigel Barr y Steve Saunders (trombones).
Para los que deseéis haceros con esta fascinante banda sonora, os dejamos el siguiente enlace:
En el mundo del cine ha habido unas cuantas parejas director-compositor que han tenido una cierta estabilidad y nos han dejado un buen puñado de colaboraciones realmente fructíferas. Enseguida nos vienen a la cabeza los binomios Spielberg-Williams, Burton-Elfman, Leone-Morricone, Hitchcock-Hermann o Lynch-Badalamenti. Durante los años ochenta, principalmente, existió otra pareja que nos dejó obras realmente particulares: la formada por el director Peter Greenaway y Michael Nyman.
El cine de Greenaway, ciertamente, no es fácil de asimilar y nunca ha tenido gran aceptación comercial con la posible excepción de la película cuya banda sonora tratamos hoy. "El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante" es una especie de comedia negra con elementos de canibalismo con todos los elementos del cine de su autor. Contaba Nyman en una ocasión que elaborar la música para las películas de Greenaway es un proceso completamente distinto a hacerlo para cualquier otro director. Con Peter no hay códigos de tiempo, no tienes las imagenes a las que acompañará la música ni nada de eso. El compositor trabaja a ciegas y es luego el director quien adapta la música a las situaciones de la pantalla. El efecto que se suele conseguir así es un profundo contraste entre imágenes y música.
El el caso de esta banda sonora, Greenaway quería usar a toda costa una obra compuesta por Nyman unos años antes en recuerdo de los aficionados, pricipalmente de la Juventus de Turin, fallecidos en la tragedia del estadio Heysel de Bruselas en la final de la Copa de Europa de fútbol que enfrentó a los italianos con el Liverpool FC. La composición, con el título "Memorial" se repite en varias ocasiones a lo largo de la película y actualmente el propio Nyman la ha descatalogado por una especie de superstición. Inicialmente, la obra tenía que ver con el cierre de una central eléctrica en Yainville pero cuando Nyman vio la tragedia de Heysel por televisión, la adaptó para ese fín. Mientras arreglaba la composición para incluirla en la banda sonora de la película que nos ocupa vio en las noticias otra desgracia de características similares en el estadio de Hillsborough, en Sheffield. En aquel momento, Nyman decidió no volver a utilizar la composición aunque no sabemos a ciencia cierta si aún continúa vigente ese veto.
El resto de la banda sonora es un buen ejemplo de la forma de componer del inglés, con ese tema principal, "Memorial" basado en el "King Arthur" de Henry Purcell y con su propia formación, la Michael Nyman Band a cargo de la interpretación con dos excepciones: "Miserere Paraphrase" con Alexander Balanescu al violin y el propio Nyman acompañando al piano y "Miserere" interpretada por el coro "London Voices" con Terry Edwards a la dirección. Los integrantes de la Michael Nyman Band en esta grabación son: Alexander Balanescu, Elizabeth Perry y Jonathan Carney (violines y, este último, también viola), Tony Hinnigan (cello), Chris Laurence (contrabajo), David Fuest (clarinetes), John Harle, David Roach y Andrew Findon (saxos), Graham Ashton (trompeta), David Stewart (trombón), Michael Nyman (piano) y Sarah Leonard (soprano).
Como siempre, os dejamos un par de enlaces para comprar el disco. El primero de ellos en un pack económico junto con "El Piano", quizá la banda sonora más popular del músico:
A estas alturas, hacer una presentación de un músico como Michael Nyman es un ejercicio innecesario puesto que su popularidad y en especial la de alguna de sus obras, le precede. Apuntaremos, sin embargo, que es un compositor británico, conocido inicialmente como al compositor de las bandas sonoras de alguna de las mejores películas del controvertido director Peter Greenaway y que saltó a la fama a nivel popular con la música para la premiada película de Jane Campion, "El Piano". También se le considera como el inventor, o más precisamente, el primero en aplicar el término "minimalismo" a la música en un artículo de 1968 para la revista "The Spectator" en el que hablaba del músico inglés Cornelius Cardew, responsable de introducir en el panorama británico a los primeros músicos de la naciente corriente en vanguardia en Estados Unidos como Lamonte Young.
El grueso de la producción de Nyman son trabajos para el cine, aunque en los últimos años se prodiga más con otro tipo de formatos como la ópera o los conciertos. A pesar de ello, podemos considerar sus cuartetos de cuerda como una rareza en su trayectoria. La grabación que hoy tratamos incluye los tres primeros cuartetos (después hubo un cuarto) en la versión del Balanescu Quartet. Para aquellos menos familiarizados con el método compositivo de Nyman, comentaremos que su trabajo suele ser una especie de deconstrucción de obras previas de otros músicos. Nyman toma, por ejemplo, un movimiento de la Sinfonía Concertante de Mozart y empieza a jugar con alguna de las lineas melódicas, hasta convertirla en una pieza propia para la banda sonora de "Drowning By Numbers" por citar uno de los casos más populares.
Algo así sucede en el "Cuarteto No.1", compuesto en 1985 comisionado por el Cuarteto Arditti. La idea era fusionar ideas musicales separadas por varios siglos de diferencia. De este modo, Nyman toma elementos de las "Walsingham Variations" del compositor inglés John Bull (1562-1628) y los contrapone con el "Cuarteto de Cuerda No.2" de Arnold Schonberg y la famosa "Unchained Melody" del compositor de bandas sonoras Alex North, popularizada por los Righteous Brothers.
El "Cuarteto No.2", de 1988, parte de una obra para ballet titulada "Miniatures" del propio Nyman en la que explora los ritmos de la música del sur de la India.
A nuestro juicio, lo más interesante del disco se encuentra en el "Cuarteto No.3" (1990). En 1989, Nyman compuso una sensacional obra coral en conmemoración del aniversario del grave terremoto de Armenia de diciembre de 1988 y que serviría como banda sonora de un documental sobre aquella tragedia. El músico realizó un arreglo posterior para cuarteto de cuerda comisionado por el propio Alexander Balanescu, líder del Balanescu Quartet al que añadió algunos motivos tradicionales rumanos para completar la obra. La música aquí contenida era de una belleza tal que Nyman no dudó en emplearla de nuevo como parte de la banda sonora de "Carrington" y otras películas en los años posteriores.
Capítulo aparte merecen los intérpretes de este disco. Siendo como son un cuarteto de cuerda clásico en las formas, desde su fundación en 1987 se especializaron en un repertorio poco convencional y en músicos ajenos a las corrientes más clasicistas que, en muchas ocasiones, son rechazados por otros cuartetos. En su discografía tenemos interpretaciones de música del grupo tecno-pop aleman Kraftwerk, del lider de Talking Heads, David Byrne y colaboraciones con la Yellow Magic Orchestra o con Kate Bush, por poner algunos ejemplos. En la época de la grabación, los cuatro miembros del cuarteto estaban integrados a su vez en la Michael Nyman Band. Los integrantes del Balanescu Quartet en esta grabación eran: Alexander Balanescu (1er violín), Jonathan Carney (2º violín), Kate Musker (viola) y Anthony Hinnigan (cello).
No ha sido fácil encontrar este disco a buen precio. Os dejamos un par de enlaces con lo más asequible que hemos hallado:
